UNIVERSIDADE DE MARÍLIA
CURSO DE MESTRADO EM COMUNICAÇÃO
CRISTINA APARECIDA ZANIBONI ANTONELLI
“O CAVALINHO AZUL”, DE MARIA CLARA MACHADO,
DO TEXTO DRAMÁTICO AO CINEMATOGRÁFICO
MARÍLIA – 2006
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UNIVERSIDADE DE MARÍLIA
CURSO DE MESTRADO EM COMUNICAÇÃO
CRISTINA APARECIDA ZANIBONI ANTONELLI
“O CAVALINHO AZUL”, DE MARIA CLARA MACHADO,
DO TEXTO DRAMÁTICO AO CINEMATOGRÁFICO
Dissertação apresentada à Universidade de
Marília – Curso de Mestrado em Comunicação –
para obtenção do título de Mestre em
Comunicação sob a orientação da Prof. Dra.
Elêusis Miriam Camocardi.
MARÍLIA - 2006
Ao ALTAIR, meu marido e melhor
amigo, que aceitou viver comigo este
momento, apesar de tudo... Obrigada
pelo companheirismo, pela paciência,
pelos finais de semana perdidos,
pelas noites mal dormidas e pelo
carinho nos meus momentos de
crise...
Você é meu presente de Deus!!!
AGRADECIMENTOS
À Deus, por tudo e para sempre;
Aos meus pais pelo incentivo e amor;
Aos amigos mais que especiais Maria Cristina Melloni Guarido e José Augusto
Bertoncini Gonçales pelo apoio, pelas caronas, pela cumplicidade;
À Rosângela Braga Barbosa pelo atendimento sempre solícito;
Às professoras Lúcia C. M. Miranda, Jussara Rezende Araujo, Nícia Ribas D`Ávila,
Lucilene dos Santos Gonzáles e Rosângela Marçolla pelos preciosos ensinamentos;
À minha querida orientadora professora Elêusis Miriam Camocardi, que desde o início
acreditou no meu trabalho, pelos momentos de aprendizagem e pelo carinho;
À professora Marly de Jesus Bonome Vita, da Universidade do Sagrado Coração de
Bauru, pelo incentivo e pela amizade,
À Maria Regina Pereira de Araújo, Dirigente Regional de Ensino de Ourinhos e minha
“chefe” pelo companheirismo de sempre;
Aos amigos da Oficina Pedagógica da Diretoria de Ensino de Ourinhos pela troca de
conhecimentos;
À amiga Maria Helena, simplesmente por ser minha amiga.
“Quando levamos o teatro para a criança,
somos apenas aqueles que estão abrindo o
caminho, o caminho que vai do sonho à
realidade. Estamos criando, através da arte
e a partir do maravilhoso, a oportunidade do
menino sentir que a vida pode ser bonita,
feia, misteriosa, clara, escura, feita de
sonhos e realidades.“
Maria Clara Machado
RESUMO
A leitura de um texto dramático propicia momentos de extrema criatividade e magia.
Nas indicações de ação, as didascálias, descritas minuciosamente, são produzidas
imagens mentais nas quais o leitor cria, fantasia, se emociona e vive a história
intensamente, à sua maneira. Essas imagens mentais são livres, mas quando se
formam na mente de um cineasta, transformam-se em imagens visuais, ou verbovisuais, já que a palavra faz parte da história. Ele direciona o pensamento do
espectador de acordo com a própria visão e interpretação de determinada situação. Ao
idealizar uma cena, o cineasta transforma as didascálias contidas no texto dramático na
própria ação adicionando-lhes recursos específicos do cinema, necessários à sua
produção de forma criativa e verossímil. Esta pesquisa tem como objetivo analisar a
transcodificação do texto dramático “O cavalinho azul”, de Maria Clara Machado para o
texto cinematográfico de mesmo nome dirigido por Eduardo Escorel, e adaptado por
Sura Berditchevsky e pelo próprio Eduardo Escorel, identificando procedimentos
técnicos da linguagem do cinema e suas significações. A metodologia utilizada
envolveu observação e estudos do texto dramático e do filme, assim como das
mensagens transmitidas de forma implícita e leituras que contextualizaram brevemente
as linguagens abordadas. No primeiro capítulo, sobre o texto dramático de uma forma
geral foram estudados autores como Massaud Moisés, Antonio Cândido e Décio de
Almeida Prado. Referente ao texto dramático e sua contextualização no Brasil, o autor
fundamental foi Sábato Magaldi. Quanto à contextualização da literatura infantil foram
estudadas as autoras Regina Zilberman, Marisa Lajolo e Fanny Abramovich e o estudo
sobre os contos de fadas teve em Bruno Bettelhein seu fundamento. No segundo
capítulo, que se refere à linguagem cinematográfica, os principais autores estudados
foram Marcel Martin, Georges Sadoul, Antonio Costa e Marcos Napolitano. No terceiro
capítulo o material de pesquisa foi o próprio filme e alguns sites sobre cinema, além do
autor Carlos Roberto de Souza. O quarto capítulo teve como base o texto
cinematográfico acrescido dos conteúdos contidos nos capítulos anteriores.
Palavras-chave: Texto dramático; Cinema; Transcodificação.
ABSTRACT
The reading of a dramatic text propitiates moments of extreme creativity and magic. In
the action indications, the didascálias, described thoroughly, mental images are
produced in which the reader creates, it fantasizes, he is moved and he lives the history
intensely, to his/her way. Those mental images are free, but when they are formed in a
film director's mind, they become images visual, or verb-visual, since the word is part of
the history. He addresses the spectator's thought in agreement with the own vision and
interpretation certain situation. When idealizing a scene, the film director it transforms
the didascálias contained in the dramatic text in the own action and it adds to them
specific resources of the movies, necessary to his/her production in a creative and
probable way. This research has as objective accomplishes the transcoding of the
dramatic text "The blue horse", of Maria Clara Machado for the cinematographic text of
same name driven by Eduardo Escorel, and adapted by Sura Berditchevsky and for own
Eduardo Escorel, identifying technical procedures of language of the movies and their
significances. The used methodology involved observation and study of the dramatic
text and of the film, as well as of the transmitted messages in an implicit way and
readings that inserted in a context the approached languages. In the first chapter, on the
dramatic text authors were studied in general like Massaud Moisés, Antonio Cândido
and Décio of Almeida Prado. Regarding the dramatic text and his context in Brazil, the
fundamental author was Sábato Magaldi. As for the context of the infantile literature they
were studied authors Regina Zilberman, Marisa Lajolo and Fanny Abramovich and the
study on the fairy tales had in Bruno his/her Bettelhein foundation. In the second
chapter, that refers to the cinematographic language, the main studied authors were
Marcel Martin, Georges Sadoul, Antonio Costa and Marcos Napolitano. In the third
chapter the research material was the own film and some sites on movies, besides
author Souza's Carlos Roberto. The fourth chapter had as base the added
cinematographic text of the contents contained in the previous chapters.
Key-word: Dramatic text; Movies; Transcoding.
SUMÁRIO
INTRODUÇÃO
1. CAPÍTULO 1: O texto dramático
1.1. O texto dramático no Brasil: algumas considerações
1.2. Texto em contexto: a literatura infantil
1.3. A literatura infantil no Brasil
1.4. Uma viagem ao universo infantil: os contos maravilhosos
1.5. Dramaturgia infantil
1.6. A autora: Maria Clara Machado
2. CAPÍTULO 2: A linguagem cinematográfica
2.1. Uma tipologia dos gêneros ficcionais
2.2. A câmera e seu papel criador
2.3. Enquadramentos e Planos
2.4. Ângulos de filmagem e movimentos de câmera
2.5. Elementos fílmicos não específicos
2.6. Montagem
2.7. Espaço e tempo
2.8. Síntese parcial
3.CAPÍTULO 3: “O cavalinho azul”: o filme
3.1. Ficha técnica
3.2. A obra no universo do cinema infantil
3.3. O diretor: Eduardo Escorel
3.4. Cinema Novo: algumas considerações
4. CAPÍTULO 4: O cavalinho azul: do texto à tela
4.1. O cavalinho azul: um conto maravilhoso
CONSIDERAÇÕES FINAIS
BIBLIOGRAFIA
ANEXOS
08
11
17
22
24
30
35
40
47
48
50
52
53
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57
59
60
62
62
63
67
68
71
101
105
109
116
8
INTRODUÇÃO
Adaptações fílmicas, segundo Patrice Pavis1, “estão sujeitas aos mesmos limites
e pressões necessárias a qualquer tradução”. Se anteriormente, fidelidade e respeito à
obra original era o que se esperava das adaptações fílmicas, atualmente pode-se dizer
que elas estão sujeitas ao processo de transposição e de busca de equivalentes entre
os dois sistemas sígnicos: o da obra original e o do filme. Porém isto é apenas parte do
processo, pois, para que uma adaptação fílmica se efetive, vários outros aspectos são
levados em consideração, como o público, as intenções do diretor, a produção, ou o
contexto histórico, entre outros.
Maria Clara Machado escreveu para o teatro, o que significa que o caráter textual
de sua obra evoca a dramatização das falas através do gesto, dos diálogos, dos
cenários, etc, isto é, sugere uma tradução intersemiótica. De acordo com Michèle
Willems2, existe uma afinidade semiótica básica entre o cinema e o teatro, no que se
refere à comunicação com o público.
Superficialmente, o cinema, a televisão e o teatro, todos parecem
depender da superposição de signos para comunicar com seu público.
Telespectador e audiência devem apreender do mesmo modo uma
variedade de signos simultaneamente: --aural signos como as palavras
faladas pelos atores, a música e outros sons--; e signos visuais --como
trajes, cenários, luzes e algumas vezes efeitos especiais. Mas as
similaridades terminam aqui, porque a respectiva importância e status
destes signos variam enormemente de um meio de comunicação para o
outro. Na tela as palavras são secundárias: o diálogo segue a imagem.
Portanto é comum dizer que o teatro é um aural médium enquanto o
cinema é um meio visual, acima de tudo...
1
PAVIS, P. A análise dos espetáculos. São Paulo: Perspectiva, 2003. p.32.
WILLEMS, M. Verbal-visual, Verbal-pictorial or Verbal-televisual? Reflections on the BBC Shakespeare
Series. Shakespeare Survey, n. 39, 1987, p.91-102.
2
9
Como o teatro e o cinema pertencem a sistemas semióticos diferentes, cada um
deles é regido por uma sistemática própria. As relações intersemióticas partem do texto
dramático - em que palavras impressas são usadas para criar imagens mentais - para o
texto fílmico, onde uma aparelhagem é capaz de criar imagens visuais concretas. No
processo, signos do sistema semiótico da obra dramática encontram equivalência no
sistema semiótico do cinema, ou seja, a função exercida pelos signos da obra
dramática (e também do teatro) encontra uma função correspondente no sistema
semiótico do cinema.
Conforme afirma Diniz,3
Quando traduzimos do teatro para o cinema, alguns elementos
considerados como peculiares ao teatro serão transformados em outros
especificamente cinematográficos. São os aspectos que rotulo de
intersemióticos, aqueles decorrentes do fato de que o cinema e o teatro
possuem propriedades distintivas de meios diferentes.
Assim, as técnicas específicas do cinema: a superposição4, a fragmentação5, a
montagem, a angulação6, o desfocamento, a perspectiva, e a distância entre a
câmera e o objeto filmado, são usadas para expressar determinadas idéias
anteriormente manifestadas pelo texto teatral como o gesto, o diálogo, os cenários,
os figurinos, a maquiagem, etc.
Esta pesquisa tem por objetivo mostrar como, a partir de estratégias de
construção textual, os meios audiovisuais, e particularmente, o cinema, propõem um
papel para o espectador frente aos textos que produzem, conferindo-lhe maior ou
menor grau de autonomia na construção de uma significação. Busca ainda, estabelecer
relações com o texto dramático e os signos que lhe são peculiares.
3
DINIZ, T. F. N. Literatura e cinema: da semiótica à tradução cultural. Ouro Preto: Editora UFOP, 1999.
Apresentação simultânea de personagem, objeto, cena em imagens que se fundem e se alternam.
5
Close, imagens não apresentadas em sua totalidade.
6
Enquadramentos obtidos pela posição da câmera; tamanho dos planos (geral, detalhe, primeiro plano)
projetados sobre a tela.
In: MARTIN. Marcel. A linguagem cinematográfica. Trad. Paulo Neves; revisão técnica Sheila Schvartzan.
São Paulo: Brasiliense, 2003. p.252-253.
4
10
De forma mais específica, a pesquisa busca analisar a transcodificação do texto
dramático “O Cavalinho Azul” de Maria Clara Machado para o filme “O Cavalinho Azul”,
dirigido por Eduardo Escorel.
No capítulo 1 serão abordadas questões referentes ao texto dramático, em
especial ao texto dramático infantil brasileiro, contextualizando a obra analisada, bem
como sua autora.
No capítulo 2 a linguagem cinematográfica será explicada de forma simples e
objetiva, a fim de preparar o leitor para o entendimento do capítulo seguinte.
No capítulo 3 o filme analisado será brevemente contextualizado, assim como
seu diretor e o movimento Cinema Novo, do qual fez parte.
No capítulo 4 tratar-se-á da análise da transcodificação propriamente dita através
das cenas mais significativas transpostas para a linguagem cinematográfica,
destacando quais procedimentos técnicos foram utilizados na sua construção. As
explicações serão ilustradas por fotos dos momentos mencionados.
Pretende-se, com este trabalho, oferecer embasamento teórico para a prática da
transcodificação entre as linguagens estudadas.
11
1. CAPÍTULO 1: O texto dramático
Face ao hibridismo inerente ao teatro, cabe ressaltar que, nesta pesquisa, a
análise convergirá primordialmente para os aspectos literários, ou seja, para a peça
como texto: o texto dramático, e não como encenação.
O primeiro aspecto merecedor de atenção refere-se à estrutura do texto
dramático. Ele é composto por partes que se justapõem harmonicamente formando a
unidade pretendida. É constituído por um texto principal (diálogos entre os
personagens) e pelas indicações cênicas ou didascálias (termos que orientam as ações
dos personagens e aparecem geralmente entre parênteses e/ou itálico). Tais indicações
evocam e remetem ao cenário (lugar onde se passa a história), construído e vinculado
ao texto principal, podendo ser chamado de texto secundário.
Na estrutura do texto dramático existe sempre uma ação que busca retratar a
totalidade da vida através das oposições e situações cujo clímax se encontra no
conflito, na colisão dramática. O tempo é condensado, o espaço determinado e apenas
personagens influentes na história merecem destaque.
No drama, o primordial é a ação do homem e não a da sociedade, embora a
carga emocional e cultural ditada por ela sejam refletidas nessa ação, ou a ação se
fundamenta em fatos sociais.
A essência do texto dramático está na interação existente entre o texto principal
e as didascálias, associados ao texto secundário.
Esta interação forma uma espécie de estrutura dialógica, onde os elementos
narrativos
e
descritivos
ocorrem
simultaneamente
resultando
num
discurso
performativo, onde personagens, instâncias enunciadoras e palavras se fundem.
Conforme Aguiar e Silva7,
o texto dramático está saturado de elementos deícticos, isto é, unidades
lingüísticas que funcionam semântica e pragmaticamente pela sua
referência
ao
enunciador,
aos
seus
interlocutores,
à
situação
comunicativa intratextual, às coordenadas temporais e espaciais da
7
AGUIAR E SILVA, V.M. Teoria e metodologias literárias. Lisboa: Universidade Aberta, 2002. p. 35
12
acção. No texto dramático, fala um eu sempre em discurso direto,
dialogando com um tu (com múltiplos tus), agindo num espaço que
perspectiva e organiza conceptualmente em função de si mesmo e
utilizando necessariamente, como sujeito que, ao falar, age, o tempo
lingüístico do presente ao qual se subordinam os tempos do passado e
do futuro.
O texto dramático, abrangendo o texto principal e o secundário, é um texto
literário, portanto obedece às regras do sistema semiótico literário e compõe o conjunto
de textos designados por literatura.
As partes principais que o integram recebem o nome de atos. Entre um ato e
outro a representação é suspensa, a cortina é fechada e um intervalo é oferecido.
Atualmente são mais comuns os textos em um único ato, tendo em vista que uma
interrupção pode fragmentar o conteúdo do enredo e dispersar a atenção da platéia no
momento da representação.
Um ato pode ser subdivido em cenas, unidades dramáticas cotadas de ações
que possuem começo, meio e fim incorporados ao contexto geral. A unidade da cena
se manifesta pela exposição, desenvolvimento e desenlace de uma ação secundária.
É possível ainda fragmentar a cena em quadros, que mudam quando são
indicadas entradas e saídas de personagens. Como o próprio termo sugere, o quadro
remete a um instante fotográfico, uma “tomada” cinematográfica onde os personagens
se deslocam sem prejudicar a unidade de ação da cena.
No entanto, é necessário um certo cuidado ao subdividir a estrutura do texto
dramático, demarcando os contornos das cenas e quadros, atentando não apenas para
a troca de protagonistas, mas para a unidade de ação e para a relativa imobilidade do
quadro.
Ainda de fundamental importância no texto dramático devem ser considerados o
enredo e os personagens. Aristóteles em Poética, considerou também o pensamento, o
conteúdo, a mensagem transmitida pelo texto como essencial, mas o primordial,
segundo ele é o enredo, pois tudo acontece a partir dele.
13
Todavia, um elemento não deve se sobrepor ao outro; na verdade, tudo num
texto dramático está interligado. O enredo e os personagens, aos quais tudo o mais
está condicionado, são as forças que movimentam o texto estabelecendo entre si uma
inextrincável interação, constituindo uma só entidade.
Conforme cita Massaud Moisés8
É que, a rigor, um existe em função das outras, vale dizer, o enredo
somente se organiza com personagens, de forma que sem eles não
haveria enredo. E como sabemos ser impossível teatro sem enredo,
resulta que as personagens guardam a condição básica para a existência
do enredo, e, portanto, da peça. Por outro lado, as personagens apenas
existem em função do e no enredo, ou melhor, estruturam-se como tais
diante de nós à medida que se desdobra a história. Esta, não se arma no
vazio, e as personagens apenas cobram razão de ser na ação vital que a
peça finge, e que é representada no palco. O enredo constitui a ação
empreendida por agentes, as personagens, e estas somente existem na
ação que executam.
Muitas são as discussões e controvérsias em torno da supremacia de um ou
outro elemento constitutivo do texto dramático.
Há textos onde predomina a ação (enredo), outros os personagens, e ainda
outros, o pensamento. Nos textos em que predomina a ação, como na Comedia
Dell”Arte9 os personagens aparecem como realizadores do enredo, quase destituídos
de identidade; nos textos em que os personagens são considerados mais importantes
suas ações ditam o enredo, como nos textos shakespereanos10 e ainda, quando é o
8
MOISÉS, M. Guia prático de análise literária. São Paulo: Cultrix, 1975. 284p. p.215
Gênero teatral surgido na Itália no século XIV cujas apresentações eram improvisadas. Os atores eram
simultaneamente dançarinos, cantores, acrobatas, mímicos e comediantes. São oriundos da Commedia
dell´Arte os conhecidos personagens Arlequim e Colombina.
10
Willian Shakespeare: um dos maiores dramaturgos de todos os tempos. Nasceu em 1564 na Inglaterra.
Escreveu clássicos como Romeu e Julieta e Hamlet.
9
14
pensamento que predomina, o texto encontra-se no campo experimental, como um
Ionesco ou um Becket11.
Deve-se levar em conta, porém, que tais afirmações são relativas, uma vez que
um elemento não elimina os outros e estão sujeitos a variações tanto na macro como
na microestrutura do texto.
Vale ressaltar as considerações de Massaud Moisés12 acerca do assunto:
De modo grosseiro, os três atos convencionais de uma peça
correspondem a exposição, desenvolvimento e desenlace, isto é, cada
ato se coloca num ponto da curva dramática, e possui uma carga éticoemocional própria, as mais das vezes diversa da dos outros atos. Em
síntese: os atos de uma peça não ostentam a mesma intensidade,
podendo-se dizer que obedecem a um ritmo em crescendo. Essa mesma
hierarquia se observa no interior das cenas e quadros, segundo uma
perspectiva análoga à dos atos entre si, vale dizer, as cenas dum ato
encerram força dramática autógena e diferenciada, o mesmo ocorrendo
com os quadros. Desse modo, as cenas se alinham evolutivamente
dentro do ato, e os quadros se organizam em ritmo ascendente dentro da
cena, reproduzindo no plano microscópico a estrutura macroscópica da
peça. Obviamente, estamos esboçando uma arquitetura dramática
suscetível de n variações, inclusive o desrespeito delas por inabilidade do
dramaturgo, mas uma peça bem estruturada tende a orientar-se nessa
perspectiva em leque.
E ainda as considerações de Wolfgang Kayser13
Assim, em cada análise de construção de um drama deve perguntar-se
como o autor fez e coordenou a Exposição: isto é, como dá a conhecer a
11
Ionesco e Becket são dramaturgos que aderiram ao Teatro do absurdo, que coloca o homem em
situações absurdas e conseguem através dessa colocação apreciá-lo melhor na sua verdadeira e real
condição humana: mesquinho, pequeno, ser apavorado diante da imensidão do absurdo que não
compreende. Absurdo maior: a morte. In: Cadernos de teatro n.82. julho/agosto/setembro de 1979.
Publicação de O Tablado.
12
MOISÉS, op. cit. p. 217
13
KAYSER, W. Análise e interpretação da obra literária. 2ed. Coimbra: Ammenio-Amado, 1948. vol.1,
p.246.
15
situação inicial das personagens e circunstâncias, em conjunto com a
‘história prévia (Vorgeschichte), situação essa em que a ação vai buscar
a origem. Logo a seguir devem ser observados os ‘momentos excitantes’
(erregendes Moment, inciting moment) a que se opõem os ‘momentos de
retardamento’ (retardierendes Moment. Moment of last suspense) que
parecem reter ou desviar a catástrofe. Mais ainda, é preciso investigar na
construção, quais as cenas principais e as secundárias, onde estão e
como se preparam os momentos culminantes, e como se articulam os
atos entre si.
Numa peça como Esperando Godot14, onde há a expectativa gerada pela espera
de um personagem que nunca virá, cada cena faz aumentar a tensão proposta por essa
espera, até o desenlace. O “absurdo” se torna convincente pela extrema habilidade com
que Becket maneja os elementos do teatro. O mesmo acontece com o texto estudado
nesta pesquisa, O cavalinho azul (Maria Clara Machado). A busca de Vicente pelo seu
cavalinho leva o leitor a esperar ansiosamente que o encontre. É o dramaturgo quem
propõe as “regras do jogo”.
Com relação aos personagens, embora o autor textual se oculte o quanto
possível, sempre os conduz, representando-os como o “seu” modo de ver o mundo e os
homens. Sendo assim, os personagens não são totalmente livres, nem tampouco meros
bonecos nas mãos do dramaturgo; através deles se torna possível compreender alguns
aspectos da sua concepção de universo e avaliar o seu modo de escrever teatro.
Um personagem se dá a conhecer através de três maneiras, segundo Décio de
Almeida Prado15: “os manuais de ‘playwriting’ indicam três vias principais: o que a
personagem revela sobre si mesma, o que faz e o que os outros dizem a seu respeito”.
O primeiro modo pelo qual conhecemos um personagem, o que ‘revela sobre si
mesma’, manifesta-se por meio do confidente, do ‘à parte’ e do monólogo.
Massaud Moisés16 escreveu acerca desses três aspectos:
14
Peça de Samuel Becket que incorpora elementos do teatro do absurdo.
CANDIDO, A.; ROSENFELD. A.; PRADO, D. C.; GOMES, P. E. S. A personagem de ficção. São Paulo:
Perspectiva, 1968. p. 88.
16
MOISÉS, op. cit. p. 220-221.
15
16
No primeiro caso, o confidente ‘é o desdobramento do herói, o alter ego’,
e por isso resulta de um expediente semelhante ao monólogo, com a
diferença de que nesse último a ausência de um interlocutor elimina os
vestígios de ação que parecem persistir no caso do confidente. Um mais
tradicional (o confidente), outro, mais moderno (o monólogo), mas ambos
recursos ocasionais... Maior reserva acerca do ‘à parte’, completamente
ultrapassado pelo teatro moderno; serviu apenas à farsa e ao melodrama
como expediente fácil para concatenar a ação, mais do que para revelar a
personagem. ...o segundo modo pelo qual entramos no conhecimento de
uma personagem consiste em saber ‘ o que ela faz’ . Mas isso implica a
ação da peça e, portanto, considerar fundidas suas travas mestras. ...a
análise de um protagonista engloba os terrenos vizinhos, onde reinam as
demais personagens e ações, sempre em função do primeiro. Doutro
ângulo, ao interpretar o universo das relações sociais em que se move a
personagem analisada, adentramos o terceiro modo de conhecer a
personagem, pelo exame do ‘que as outras dizem a seu respeito’. E
através das várias imagens compostas, podemos gradativamente ir
caracterizando a personagem.
Partindo do pressuposto de que cada gênero dramatúrgico requer um tipo de
personagem, deve ser considerada a maneira como o dramaturgo as apresenta: uma
tragédia demanda certos personagens que não seriam adequados para uma comédia,
ou vice versa. Deve ser observada ainda, uma qualidade que diz respeito à coerência,
manifesta através da ação e do diálogo no decorrer do conflito dramático, resultando
num processo de verossimilhança capaz de envolver e convencer o leitor, e
posteriormente, o espectador.
Todo texto dramático (como qualquer outra obra literária) apresenta dualismo de
funções: entreter, função vinculada ao caráter lúdico da Arte e manifestar uma forma de
conhecimento, característica também inerente à Arte, porém sob o aspecto intelectual.
Concomitante à busca de diversão, o leitor de um texto dramático busca também
saber como o seu autor concebe o mundo, para, através dele, aprender a ver melhor a
si próprio e a realidade que o circunda. O impacto causado pelo teatro, ainda que
17
apenas lido, promove a possibilidade de o leitor transportar-se para a história contada,
protagonizando-a sem, no entanto, vivê-la realmente.
Tal quadro de autoconhecimento se manifesta devido ao fato de existir na peça
conteúdos de sentimentos e pensamentos implícitos na ação e nos diálogos,
precisamente como na vida real e seu cotidiano de situações inusitadas.
O dramaturgo não conta, demonstra, através da lógica psicossocial das ações e
das falas, acontecimentos que se comunicam diretamente e frontalmente com o leitor,
envolvendo-o num mundo que, embora seja o seu, pode ser observado como se se
olhasse num espelho, encarando-o do lado de fora. Essa observação produz reflexões
que podem contribuir para a resolução de conflitos reais.
Quanto mais o conteúdo do texto se funde com a ação e com o diálogo, mais
convincente e perturbador se torna ao leitor.
1.1. O texto dramático no Brasil: algumas considerações
Geralmente as obras literárias são classificadas segundo os gêneros, ou seja, de
acordo com as particularidades estruturais, compositivas e estilísticas que as
distinguem entre si. Entre os gêneros literários tradicionais destaca-se o dramático.
Será dramática "toda obra dialogada em que atuarem os próprios personagens sem
serem, em geral, apresentados por um narrador" (Rosenfeld, 1975. p. 5)
O teatro brasileiro, segundo Calzavara17 nasceu no século XVI com os jesuítas
portugueses que, meio século após a chegada dos descobridores, foram enviados
como missionários a esta nova terra. Tinha por objetivo catequizar os índios e advertir
os colonos, mostrando-lhes os bons costumes, segundo os ensinamentos da igreja.
Esta referência à conversão já fora abordada na carta de Caminha ao rei Dom Manuel.
Os jesuítas ensinavam a técnica teatral, incentivavam o gosto dos índios pelo
canto, pela dança, pela mímica e pela oratória.
Valiam-se de seus costumes, das
máscaras e das vistosas plumagens para criar e enriquecer uma produção teatral com
17
CALZAVARA, R. B. A dramaturgia brasileira: das origens ao século XX. UNOPAR. Londrina. Vol.1. n.1.
2000. Roseli Bendlin Calzavara é docente da Universidade do Norte do Paraná e mestre em Literatura
brasileira pela Universidade Estadual de Londrina. p. 1.
18
finalidade meramente catequética. Nessa produção misturavam-se elementos extraídos
da realidade indígena com histórias dos santos e apólogos educativos.
Os colonos, simultaneamente, iniciaram uma modesta atividade teatral, cujas
ações dramáticas eram compostas por eles e apresentadas nas igrejas, segundo o
costume de Portugal.
Muitos registros dos textos da época se perderam devido ao pouco cuidado na
preservação. Hoje, existem apenas 25 obras teatrais da época, entre as quais estão
“Diálogo e conversão dos gentios”, de Manuel da Nóbrega, o “Auto da pregação
universal”, do Pe. José de Anchieta, a “História do rico avarento e Lázaro pobre”, de
autor desconhecido, “Auto de Santa Úrsula” e “Na festa de Natal” do Pe. José de
Anchieta. Os autos tinham sentido moralizante e catequético, pois o mal era combatido
e vencido pelo bem.
Um registro significativo das atividades teatrais no Brasil, no século XVI,
conforme Calzavara18, está entre os documentos deixados pelo Pe. Fernão Cardim, que
acompanhou o Pe. Cristóvão de Gouveia numa viagem através do Brasil pelas
capitanias da Bahia, Ilhéus, Porto Seguro, Pernambuco, Espírito Santo e São Vicente
entre 1583 e 1588.
Uma segunda linha do teatro jesuítico, mais impregnada de classicismo e voltada
para a população docente e estudantil dos colégios firmou-se sobre comédias,
tragédias e tragicomédias, algumas escritas em latim para apresentação nas casas de
ensino.
No século XVII o Brasil foi marcado por acontecimentos conturbados, lutas
internas e externas: contra os franceses no Maranhão; contra os holandeses na Bahia e
Pernambuco e luta entre os colonos e os jesuítas em São Paulo. Nesse contexto, o
teatro não produziu nada significativo, a não ser incorporar aos textos os
acontecimentos políticos e sociais. Sábato Magaldi19 destaca que, “sob as novas
condições sociais do país, o teatro catequético dos jesuítas perdeu sua importância, já
que os nativos tinham que enfrentar os invasores de França e Holanda modificando o
panorama calmo que dominava até então”.
18
19
CALVAZARA, op. cit. p. 2
MAGALDI, S. Panorama do teatro brasileiro. 3 ed. São Paulo: Global, 1997. p.25.
19
Nessa época o teatro passou a fazer parte de festas populares como o Bumba
meu boi e outras manifestações carnavalescas: surge o teatro profano no Brasil.
Dos escritores não religiosos, destaca-se, nesse período, Botelho de Oliveira
(1636-1711) como o primeiro autor dramático brasileiro que teve suas peças
publicadas, duas comédias em espanhol, mas sem nenhuma originalidade: “Hay amigo
para amigo” e “Amor, enganõ e zelo”. Segundo Sábato Magaldi20, “nenhuma boa
vontade, contudo, nos autoriza a incluir o autor em nossa literatura dramática. As
comédias foram escritas em espanhol, observando modelos hispânicos e não parece
que tenham sido representadas”.
O teatro no século XVIII pode ser considerado uma espécie de eco da vida
cultural européia, refletindo o gosto e o modismo da época, sem possuir identidade
cultural.
Em 1777, foram construídas as primeiras salas de espetáculo, surgindo então as
Casas de Ópera e Casas de Comédia. Nesse período, a Bahia foi o centro políticocultural do país e os dramaturgos que se destacaram foram Padre Ventura, Luís Alves
Pinto, Cláudio Manuel da Costa e Antonio José da Silva.
Nos os primeiros anos do século XIX, ainda conforme Calzavara21, o ambiente
cultural do Rio de Janeiro e do Brasil era estagnante e provinciano e o teatro apenas
sobrevivia. A partir da década de 30 o teatro brasileiro começou a assumir o seu caráter
individual. Para isso, foi fundamental a representação, em 13 de março de 1838, no Rio
de Janeiro, no teatro Constitucional Fluminense, da tragédia “Antônio José ou O poeta
e a inquisição”, de Gonçalves de Magalhães. O drama foi apresentado pela companhia
de João Caetano, composta exclusivamente por atores brasileiros. Outra corrente
destinada a fazer sucesso nos anos seguintes, a das comédias leves e divertidas foi
inaugurada em 4 de outubro de 1838 com a comédia “O juiz de paz na roça”, de Martins
Pena, de feitio popular e ambicioso, costurando com observação satírica um aspecto da
realidade brasileira.
Surgem os dramaturgos Joaquim Manoel de Macedo, José de Alencar, França
Júnior, Machado de Assis e Artur Azevedo.
20
21
MAGALDI, op. cit. p. 175
CALZAVARA, op. cit. p. 3
20
Entre o final do século XIX e o início do século XX, o teatro abrange temas como
o resgate da vida social, da vida mundana e decadentista. João do Rio destaca-se,
nesse período, ao lado de Graça Aranha. Paralelamente a essa vertente, caminha
nessa época um teatro absolutamente comercial, que investia no ator e no seu
sucesso.
Nas primeiras décadas do século XX, o panorama nacional permanece estável.
A própria Semana de Arte Moderna de São Paulo não teve quase nenhuma influência
nele. Conforme afirma Sábato Magaldi22, só o teatro desconheceu o fluxo renovador, e
foi a única arte ausente das comemorações da Semana.
Não seria mesmo verossímil que a prática de uma comédia sentimental,
muitas vezes rasteira e padronizada nos efeitos a alcançar sobre a
platéia, se sensibilizasse com a audácia de uma pintura, que abandonava
a paisagem e o retrato fotográficos, e a poesia, que expunha ao ridículo a
preocupação formalista da rima rica.
Registram-se apenas as tentativas surrealistas de vanguarda estética e política
de Oswald de Andrade com O Rei da vela, O homem e o cavalo e A morta.
Em 1938 surge o Teatro do Estudante23 de Paschoal Carlos Magno e em 1939 o
grupo do Teatro Experimental de Alfredo Mesquita (EAD).
Após a Segunda Guerra destaca-se o diretor polonês Zbigniew Ziembinski e o
Teatro Brasileiro de Comédia. Essa é uma fase de grandes atores: Cacilda Becker,
Maria Della Costa, Tônia Carrero, Paulo Autran, Jardel Filho, de grandes diretores,
como Adolfo Celi, Gianni Ratto, de novos dramaturgos e de uma nova concepção do
texto dramático. O enredo passa a ser tratado com maior intensidade.
Com Nelson Rodrigues e sua peça Vestido de noiva (1943) a dramaturgia
brasileira passa das simples histórias cotidianas para a realidade dilacerante do
subconsciente e da memória até atingir a triste realidade dos subúrbios cariocas como
22
MAGALDI, op. cit. p. 195
Grupo que reuniu amadores e lançou “Os comediantes”. Buscava uma reforma estética do espetáculo
transformando todas as peças em grande espetáculo, valorizando todos os elementos dela (todos os
atores, acessórios, encenador...) ou seja, deixando de lado o conceito que o ator principal garantia o
sucesso do espetáculo. In: MAGALDI, S. Panorama do teatro brasileiro. 3ed. São Paulo: Global, 1997. p.
207.
23
21
no texto O beijo no asfalto. A dramaturgia passa então, a partir desse momento, a exibir
um perfil crítico que apresenta praticamente uma revisão da história do Brasil.
Vale ressaltar a importância que Jorge de Andrade representa na dramaturgia
brasileira, não apenas pela temática abordada, mas também pela estética que
desenvolve em seus textos dramáticos. Reuniu no volume Marta, a árvore e o relógio
(1970) dez textos que falam sobre a ascensão e queda dos ciclos econômicos no
Brasil, desde a mineração até a industrialização.
A nova dramaturgia é abrangente e significativa. Daí a presença de autores
como Ariano Suassuna com o Auto da Compadecida, representação sacra popular;
Gianfrancesco Guarnieri com Eles não usam Black Tie, Um grito parado no ar, Arena
conta Zumbi, com Augusto Boal, Dias Gomes com O pagador de promessas; Chico
Buarque de Holanda com A ópera do malandro e Paulo Pontes e Chico Buarque de
Holanda com Gota D’água.
A visão política ou sociológica foi substituída por um sentido de perplexidade
perante a sociedade urbana e os problemas brasileiros, permeável a elementos do
teatro do Absurdo24, de denúncia e de lirismo entre autores que se revelaram entre os
últimos anos da década de 60 e o decênio de 70. Destacam-se Plínio Marcos com Dois
perdidos numa noite suja e Navalha na carne e José Vicente com O assalto, entre
outros.
Em 1977 veio à luz Os saltimbancos, texto indiretamente motivado em conto dos
Irmãos Grimm, e, no ano seguinte, o destaque foi Antunes Filho com Macunaíma.
De acordo com as afirmações de Sábato Magaldi25, houve um certo declínio da
dramaturgia na década de 80 devido à desmobilização dos autores em suas lutas
políticas, sendo necessário um tempo razoável para o reabastecimento com novos
materiais de interesse do público. Uma forte tendência contemporânea reconheceu o
teatro como arte autônoma e não mera ilustração da literatura. Um destaque dessa
época foi José Possi Neto que, em 1984 montou a peça De braços abertos, de Maria
Adelaide Amaral numa atmosfera mágica, em que a luz dirigia a flexibilidade dos
movimentos, evitando os prosaicos pormenores realistas, para instaurar a fluência do
24
Teatro do absurdo: termo que designou um movimento teatral que retrata situações absurdas,
conforme explicado anteriormente.
25
MAGALDI, op. cit. p. 315-322.
22
sonho. Podem ser citados, ainda, encenadores influentes como Cacá Rosset, diretor do
grupo Ornitorrinco, um dos poucos que trataram os clássicos como contemporâneos e
Antonio Araújo, fugindo dos palcos convencionais com sua trilogia O Paraíso perdido
(encenado numa igreja), O Livro de Jó (encenado nos recintos múltiplos de um hospital)
e mais tarde, na década de 90, Apocalipse (encenado num antigo presídio desativado).
1.2.
Texto em contexto: a literatura infantil
Tendo como objeto de estudo um texto dramático infantil brasileiro, faz-se
necessário inseri-lo no contexto histórico-literário a fim de que se torne possível, com
maior clareza, vislumbrá-lo como parte constituinte da literatura brasileira.
As primeiras obras publicadas, direcionadas ao público infantil, conforme
afirmam Marisa Lajolo e Regina Zilbermam26, tiveram suas manifestações no início do
século XVIII. Anterior a esse período, apenas durante o classicismo francês, no século
XVII foram escritas algumas histórias que poderiam ser específicas para crianças: As
fábulas de La Fontaine, que foram editadas entre 1668 e 1694; As aventuras de
Telêmaco, (Fenelon 1617) e os Contos da mamãe Gansa (Charles Perrault 1697).
O livro de Perrault provocou uma preferência inusitada pelos contos de fadas,
produção popular e de circulação oral até aquele momento e que passou a ser
literalizada e adotada como principal leitura infantil.
Assim como na França, a expansão da literatura infantil aconteceu também na
Inglaterra, com características influenciadas por acontecimentos sócio-econômicos.
A revolução industrial, deflagrada no século XVIII, foi responsável pelo
crescimento político e financeiro das cidades e pela decadência paulatina do poder rural
e do feudalismo remanescente da Idade Média. Em contrapartida, foi responsável
também pela desigualdade da urbanização: o êxodo rural desenfreado gerou diferenças
sociais, pois não havia emprego para todos. As máquinas substituíram parte do
trabalho realizado pelos homens.
26
LAJOLO, M. & ZILBERMAM, R. Literatura infantil brasileira: história e histórias. São Paulo: Ática, 1999.
23
A burguesia, que se consolidou como classe social e conquistou, paulatinamente
o poder político, incentivou a manutenção de um estereótipo familiar onde caberia ao
pai a sustentação econômica e à mãe a gerência da vida doméstica. Para que a
instituição família fosse legitimada, foi necessário promover a criança, beneficiária maior
desse padrão qualificado como doméstico e ideal.
A criança passou a deter um novo papel na sociedade, o que motivou o
aparecimento de objetos industrializados (brinquedo) e culturais (livro). No entanto,
esse novo papel deu-se de forma simbólica, pois se tratava apenas de assumir uma
imagem perante a sociedade.
Outra instituição igualmente convocada para colaborar na solidificação política e
ideológica da burguesia foi a escola. Facultativa até o século XVIII converteu-se na
atividade primordial das crianças.
Assim, tanto família quanto escola tornaram-se mediadoras em relação à
criança. E tornando-se obrigatória, a escola ajudou a enxugar do mercado um grande
número de menores que poderiam comprometer a ordem social, já que o desemprego
era grande.
Nessa sociedade modernizada por novos recursos tecnológicos, a literatura
infantil assumiu então a condição de mercadoria.
No século XVIII, com o aperfeiçoamento da tipografia expandiu-se a produção de
livros possibilitando uma proliferação dos gêneros literários, pressupondo a capacidade
de leitura da criança, obviamente passando pelo crivo da escola.
Nesse ponto se estabeleceram os laços entre a literatura e a escola que deveria
preparar a criança para o consumo de obras impressas, colocando a literatura como
intermediária entre a criança e a sociedade de consumo, a serviço da ação da escola
com o intuito de viabilizar sua própria circulação.
Por isso, a literatura infantil adotou posturas nitidamente pedagógicas,
pragmáticas, endossando os valores da burguesia e imitando seu comportamento, fato
que provocou questionamentos por parte dos setores da teoria e da crítica.
Ainda assim, a literatura infantil alcançou uma certa identidade pela sua
permanência histórica, mostrando que a arte literária sempre ocupa seu espaço próprio.
24
Zilbermam e Lajolo27 afirmam que outras características também contribuíram
para afirmar a importância da literatura infantil: 1. Deixava claro o modo como o adulto
queria que a criança visse o mundo e a narrativa era fantástica, extravasando as
fronteiras do realismo (“Projeção de uma utopia”) e 2. oferecia permeabilidade ao
interesse do leitor (“Expressão simbólica de vivências interiores do leitor”). A
contradição entre ambas desmascarou sua postura doutrinária e a decisão por educar,
direcionando a produção da época.
O século XIX repetiu os caminhos bem sucedidos e em 1812 os Irmãos Grimm
editaram a coleção dos contos de fada que, dado o êxito, converteu-se em sinônimo de
literatura para as crianças. A predileção por histórias fantásticas destacou autores como
Hans Christian Andersen, (Contos, 1833); Lewis Carroll (Alice no país da maravilhas,
1863); Collodi (Pinóquio, 1883) e James Barrie (Peter Pan, 1911) entre os mais
célebres.
Histórias de aventuras transcorridas em lugares exóticos e diferentes também
trouxeram à tona James Fenimore Cooper (O último dos moicanos, 1826); Jules Verne
(Cinco semanas num balão, 1863) e Robert Louis Stevenson (A ilha do tesouro, 1882).
Ainda na segunda metade do século XIX, alguns autores escreviam sobre o
cotidiano das crianças incorporando elementos fantásticos como motivadores de
interesse e de ação. Johanna Spiry (Heidi, 1881) e Edmond De Amicis (Coração, 1886)
são exemplos da literatura infantil dessa época, que se consolidou como parcela
significativa da produção literária.
1.3. A literatura infantil no Brasil
Conforme Marisa Lajolo e Regina Zilbermam28, no Brasil, a literatura infantil teve,
no século XIX, uma ou outra obra destinada para crianças, mas só veio a surgir
efetivamente quase no século XX, nos arredores da proclamação da República,
trazendo consigo a imagem de um país em franca modernização.
27
28
ZILBERMAN E LAJOLO, op. cit. p. 89
ZILBERMAM E LAJOLO, op. cit.
25
Com
a
implantação
da
Imprensa
Régia
(1808)
foram
publicados
esporadicamente alguns livros para crianças, sem, no entanto, serem suficientes para
caracterizar uma produção literária brasileira regular para a infância.
A política econômica da época buscava favorecer cada vez mais a exportação do
café, produto básico, assim como a criação e o desenvolvimento do mercado interno
brasileiro. Os grupos sociais provinham dos rescaldos de uma classe dominante
fragmentada pelos rearranjos da posse das terras, de imigrantes e de empregados
envolvidos na comercialização do café. O número de bancos e casas exportadoras,
assim como o quadro do funcionalismo público, a rede ferroviária e o movimento dos
portos multiplicaram-se. Essa urbanização acelerada (fim do século XIX e início do XX)
constituiu o momento propício para o aquecimento da literatura infantil. As massas
urbanas, além de consumidoras de produtos industrializados, também constituíam
públicos diferentes para vários tipos de publicações feitas no Brasil: revistas femininas,
romances ligeiros, materiais escolares e os livros para crianças.
No entanto, a modernização brasileira, imposta de cima para baixo, não levou
em conta as diferenças de uma sociedade cuja economia se baseava na arcaica
estrutura do latifúndio, da monocultura e da exportação de matérias primas, além da
abolição dos escravos ter acontecido recentemente.
Não havia interesse em modificar essa situação, o que ocasionou um projeto de
modernização que privilegiava as elites e atingia apenas o centro das cidades,
expulsando a população pobre para a periferia.
O saber começou a se impor e surgiram as campanhas pela alfabetização e pela
escolaridade, ampliando os esforços por dotar o Brasil de uma literatura infantil
nacional.
Ler passou a ser um hábito bastante incentivado para a formação do cidadão,
tarefa para o sistema educacional que se pretendia implantar e expandir.
Nesse contexto, intelectuais, jornalistas e professores começaram a produzir
livros infantis destinados aos alunos, e eram adotados “em massa”. Com isso, os
editores passaram a investir nesse novo mercado: o livro infantil e escolar.
A criança deveria aprender comportamentos, atitudes e valores que eram
trazidos nos livros. Um bom exemplo é “Através do Brasil” de Olavo Bilac e Manuel
26
Bonfim (1910) que conta a aventura de dois irmãos pelo Brasil em busca do pai
enfermo. São encontradas lições de geografia, agricultura, história, higiene, patriotismo
e brasilidade sugeridas pela alusão a heróis brasileiros e pela exaltação da natureza.
Outros livros vieram com o mesmo intuito, marcados pela concepção moralista e
pela exortação ao trabalho, ao estudo, à obediência, à caridade e à honestidade.
Na mesma época, houve também uma séria preocupação com a correção da
linguagem. Assim, além de fornecer modelos atitudinais, o livro também manifestava a
exigência das formas cultas de linguagem.
Sendo assim, o artista, ao escrever para crianças, abdicou da gratuidade da arte
pela arte para aderir ao mercado escolar, ou seja, ao pragmatismo.
Somando-se aos fatores já citados, ainda é possível verificar a preocupação do
ficcionista com a produção de uma literatura adequada às condições brasileiras e
primordial à nacionalidade.
Em 1921, Monteiro Lobato escreveu “Narizinho arrebitado” numa linguagem que
buscou despertar o interesse das crianças, além de investir em editoras. Nessa mesma
época surgiram nomes como Francisco Marins, Maria José Dupré e Lúcia Machado de
Almeida.
Entre 1920 e 1945 a produção literária brasileira cresceu e solidificou-se, fazendo
com que aumentasse o interesse das editoras pelas publicações infantis.
Em 1931, Monteiro Lobato lançou “Reinações de Narizinho” numa das etapas
mais férteis da ficção brasileira, juntamente com Viriato Correia e Malba Tahan.
Conforme afirma Madanêlo29
Foi Lobato que, fazendo a herança do passado submergir no presente,
encontrou o novo caminho criador de que a Literatura Infantil brasileira
estava necessitando. Seu sucesso imediato entre os pequenos leitores
ocorreu de um primeiro e decisivo fator: a realidade comum e familiar à
criança, em seu cotidiano, é, subitamente, penetrada pelo maravilhoso,
com a mais absoluta verossimilhança e naturalidade. Com o crescimento
29
CRISTIANE MADANÊLO DE OLIVEIRA. "MONTEIRO LOBATO (1882-1948) - LOBATO: UM
EXPOENTE BRASILEIRO" [online]
Disponível na internet via WWW URL:
file:///C:/Documents%20and%20Settings/Admin/Meus%20documentos/Monteiro%20Lobato%20(18821948)%20-%20Lobato%20um%20expoente%20brasileiro.htm Capturado em 21/10/2006
27
e enriquecimento do fabuloso mundo de suas personagens, o
maravilhoso passa a ser o elemento integrante do real. Assim é que
personagens "reais" (Lúcia, Pedrinho, D. Benta, Tia Nastácia, etc.) têm o
mesmo valor das personagens "inventadas" (Emília, Visconde de
Sabugosa e todas as personagens que povoam o universo literário
lobatiano).
Nas adaptações
que realizou, preocupou-se em levar às crianças o
conhecimento da tradição e do acervo herdado além de questionar, com elas, as
verdades prontas, os valores e não-valores que o tempo cristalizou e que caberia ao
presente redescobrir e renovar. Nesse sentido, merecem destaque: D. Quixote das
Crianças; O Minotauro e a mitologia grega na série Os Doze Trabalhos de Hércules.
Sua genialidade foi mostrar o maravilhoso como possível de ser vivido por qualquer
pessoa numa mistura entre real e imaginário. Aventuras fantásticas aconteciam no
universo cotidiano, só possíveis até então nos contos de fadas, ou nas fábulas, vividas
por seres extraordinários. “Substituiu o sentimentalismo pela irreverência gaiata, pelo
humor e pela ironia”, afirma Madanêlo. Vale ressaltar a autonomia que Lobato atribuía
aos seus personagens. Os heróis buscavam o ser, realizar seus desejos e não o ter
comprometido com o consumismo. Rosângela Marçolla postula que30 Lobato soube unir
o “real com o maravilhoso, recorrendo-se ainda, ao fantástico. Criou um mundo à parte,
com os elementos do imaginário das pessoas. Colocou no papel imagens que já
existiam em algum lugar no inconsciente das pessoas”.
Marçolla, em sua tese de mestrado, escreveu ainda que em 1938 foi escrita a
peça teatral “O museu da Emília”, para ser encenada na Biblioteca Infantil Municipal de
São Paulo e logo depois, em 1943, Lobato presenciou uma novidade: um programa de
rádio intitulado Sítio do Picapau Amarelo foi ao ar pela Rádio Gazeta, em São Paulo,
criado por Edgard Cavalheiro e Carlos Lacerda. Lobato ainda pôde presenciar mais um
sucesso de seu trabalho: foi apresentada em Salvador a opereta Narizinho arrebitado,
de Adroaldo Ribeiro da Costa. E sua última criação literária para o público infantil
30
MARÇOLLA, R. Monteiro Lobato: a arte de contar e recontar histórias. Uma abordagem folkmidiática.
Universidade Metodista de São Paulo, 2002. Dissertação de Mestrado.
28
tornou-se um libreto para o espetáculo. É considerado um escritor pré-modernista pelos
críticos literários.
A produção literária infantil se fortaleceu até os anos 40, quando o Modernismo
encerrou seu ciclo, integrando-se de forma consistente à cultura brasileira.
Os livros infantis foram profundamente nacionalistas ao mesmo tempo em que se
lançaram ao recolhimento do folclore e das tradições orais do povo. Porém, foram
preferencialmente educativos e bem comportados, podendo transitar dentro e fora da
sala de aula.
Nessa época três aspectos tentaram sufocar a literatura infantil, porém não a
impediram de construir a fantasia, fazendo com que não ficasse estagnada: o
nacionalismo, a exploração da tradição popular e a intenção puramente educativa.
O sítio projetou-se como cenário predileto para as aventuras das crianças com
Sítio do Picapau Amarelo, de Monteiro Lobato.
A literatura infantil fundou então um universo imaginário que interpretava a
realidade nacional numa tentativa de avaliar o processo de modernização, nem sempre
aceito com facilidade e, em contrapartida, também oferecia margem à fantasia, à
manifestação do mundo infantil e não da sociedade.
Na década de 30, a linguagem modificou-se, rompendo com os padrões cultos e
incorporando a oralidade, o que facilitou a identificação com o leitor. As narrativas de
procedência popular eram abundantes.
Algumas características podem ser ressaltadas como primordiais à literatura
infantil do início do século XX:
1. Predominância do espaço rural;
2. Personagens: crianças que transitam de um livro para outro;
3. Adaptação de clássicos (principalmente europeus);
4. Vertente folclórica;
5. Aproveitamento da história do Brasil;
Entre 1940 e 1960 a profissionalização e a especialização por parte de escritores e
editoras foi marcante. Foi uma época de intensa produção e fabricação em série em
resposta a um mercado consumidor em expansão.
29
O resultado da combinação desses dois fatores: a profissionalização e a grande
produção levaram ao menor reconhecimento artístico e à maior marginalização da
literatura infantil. Não atraiu, ao contrário dos anos 30, artistas de renome ou
intelectuais comprometidos com projetos literários.
Em geral as histórias repetiam temas e/ou personagens, explorando-os até a
exaustão. Predominavam ainda histórias ocorridas em florestas ou campos,
principalmente alusivas às férias ou experiências aventureiras. Personagens adultos
faziam parte das histórias como guias dos pequenos heróis, solucionadores dos graves
problemas ou líderes das excursões perigosas.
O pedagogismo, resultante da supremacia dos personagens mais velhos e o elitismo
burguês afloraram, pois as histórias retratavam situações de pessoas economicamente
favorecidas, que podiam custear férias no campo, excursões, compra de terra no
interior, aquisição de animais de raça, etc.
Na linguagem, a opção por um padrão culto comprometeu a literatura com uma
perspectiva conservadora e, além disso, coincidiu com a rejeição do nacionalismo na
concepção modernista. Buscava-se o apelo aos heróis colonizadores e a negação de
figuras genuinamente brasileiras como o índio ou o caboclo.
Tratava-se de um nacionalismo desenvolvimentista, peculiar à época, que se abria
às influências estrangeiras e aos investimentos dos capitais internacionais de forma
generosa.
Conforme Zilbermam e Lajolo31
É como fruto e motor da ideologia desse período que os textos
destinados à infância podem ser encarados. Por isso, não denunciam
uma realidade, mas a encobrem, sem deixar de transmitir ao leitor os
valores que endossam. A postura, por escapista, mostra-se reveladora;
contudo é dela que proveio a eficiência do gênero. Este perdurou e tomou
corpo, adquiriu solidez e deu segurança aos investidores, em virtude da
utilidade que demonstrou e da obediência com que seguiu as normas
vigentes.
31
ZILBERMAN E LAJOLO, op. cit. p. 198
30
Os anos 60 e 70 aderiram a um modelo capitalista mais avançado, ocasionando um
investimento maior na produção cultural, assim como o aprimoramento de instituições
culturais do Estado.
Nesse contexto, a literatura infantil, além de manter velhas tendências também
partiu em busca de inovações.
Mantendo velhas tendências, mantém também a dependência entre literatura infantil
e escola, exigindo do escritor a repetição de antigas fórmulas e uma periodicidade de
lançamentos talvez incompatíveis com a criação artística. Surgiram novamente livros
em série, enredos ligados à tradição fantástica, ao folclore e às aventuras, sempre com
a finalidade de preencher a cota que o mercado infantil poderia absorver.
Na busca por inovações, incorporou conquistas já presentes na literatura não-infantil
desde o movimento modernista de 22. A narrativa infantil aderiu à temática urbana,
denunciando diferenças sociais, fazendo da inversão de valores ideológicos o
compromisso com a modernidade.
Originada na cultura de massa, a literatura infantil também aderiu a temas como
histórias policiais e ficção científica, demonstrando o caráter urbano contemporâneo,
onde mistérios são resolvidos, fórmulas científicas são criadas e surgem grandes
eventos e superpoderes.
Concomitantemente, os últimos 20 anos trouxeram um grande fortalecimento da
poesia infantil, rompendo com a tradição escolar e buscando aspectos lúdicos, assim
como histórias fundadas no imaginário.
A duras penas, a literatura infantil conquistou o direito de falar com realismo e sem
retoques da realidade histórica, redescobriu as fontes do imaginário e do fantástico...
Agora se constitui como modalidade literária e alvo de estudos acadêmicos, teses,
congressos e livros.
1.4. Uma viagem ao universo infantil: os contos maravilhosos
31
Desde a mais remota Antigüidade (pesquisadores apontam para uma tradição
oral que se inicia há mais de 25.000 anos), a relação da criança com o mundo deu-se
através dos relatos míticos e religiosos, cujos elementos básicos encontram-se nas
narrativas de caráter mágico: os Contos de Fadas, e/ou maravilhosos.32
Conforme Paulo Urban33, no século V a.C. Platão já propunha que a educação
dos cidadãos fosse através de um mito próprio, capaz de explicar-lhes a origem das
castas. Relata ainda que, em seu tempo, as mulheres tinham a função de narrar às
crianças as alegorias, às quais chamou de mythoi.
No papiro egípcio Orbidey (nome do seu possuidor), datado de 1210 a.C.
encontra-se o popular tema dos “Dois irmãos”, um dos quais geralmente é bom, o outro
nem tanto. Relata as desavenças entre dois irmãos projetados nos deuses Anúbis e
Bata, que vivem brigando entre si, embora dependam um do outro. É possível perceber
que o tema citado é recorrente em muitas histórias ainda hoje.
Os contos de fada, assim como os mitos, fábulas e lendas provêm do alvorecer
da cultura humana e acham-se espalhados por todas as civilizações. Os registros
ocidentais mais antigos remetem a Esopo, herói popular da Trácia, a quem se reputa o
ofício de ter sido no século VI a.C. um proeminente contador de fábulas.
Aristóteles, em 330 a.C., relata que Esopo, como advogado de defesa de um
político corrupto teria se valido de uma de suas histórias, “A raposa e o ouriço” para
defender um cliente, conforme cita Paulo Urban:
A raposa estava tomada por pulgas, e o ouriço propôs-se a lhe tratar.
Com receio de se machucar ainda mais, ela argumenta: ‘Sr. Ouriço, deixe
estar, se me retira estas pulgas já gordinhas, que nem me chupar podem
mais, logo outras sedentas por sangue ocuparão seu lugar’. Ao que
completava dizendo aos juízes que se condenassem à morte o réu já
enriquecido, outros não tão ricos, mas ávidos para roubar, viriam a
ocupar sua cadeira.
32
Um conto de Fadas é sempre um conto maravilhoso, mas um conto maravilhoso nem sempre é um
conto de fadas. Para André Jolles, apresentado por Rosângela Marçolla, em Formas simples das
histórias de tradição oral à literatura infantil, os contos maravilhosos, de encantamento, fadas ou fábulas
são simplesmente contos populares, pois se referem à moral ingênua do ser humano.
33
Artigo publicado na Revista Planeta, n.345. Junho/2001. p. 1
32
A transmissão das fábulas de Esopo deu-se de forma oral até surgirem as duas
coletâneas mais antigas do gênero, no ano 1 d.C. . A primeira foi escrita em latim por
Fedro, que traduziu Esopo para os romanos e a outra é da autoria de Babrius, em
grego.
Conforme artigo de Paulo Urban34, a primeira coleção de contos com temas
europeus, denominada Gesta Romanorum só surgiu no século XIV e foi escrita em
latim. Precedeu as histórias “As mil e uma noites”, famosos contos árabes de magia e
aventura, de origem persa datados dos séculos XIV a XVI. Tudo começa com a
desilusão do califa Shahryar ao descobrir que seu irmão Shazeman era traído pela
esposa. Resolve então que nunca deixaria que lhe acontecesse semelhante desonra, e
decide dormir com mulheres sempre virgens para no dia seguinte entregá-las a seus
soldados para a morte. Até que a corajosa Sherazade, filha de seu principal vizir,
contrariando os conselhos do pai, oferece-se para o califa. Propondo-se a evitar maior
matança, passa a contar-lhe todas as noites, após se amarem, uma história que ela
sempre interrompia em seu ponto culminante, fazendo com que seu amo a poupasse
até a noite seguinte, quando então, continuava a narrativa.
Tais histórias têm como pano de fundo o apogeu do mundo árabe que culminou
durante o reinado de Harum-El-Raschid, quinto califa da dinastia dos Abácidas, no
século VIII d.C.
Por três anos Sherazade se manteve viva contando histórias como “Aladim e o
gênio da lâmpada”, “Simbá, o marujo” e “Ali Babá e os quarenta ladrões” até que, por
fim, estando o califa completamente apaixonado por ela e transformado interiormente
pela beleza de suas histórias, liberta-se de sua depressão, suspende a pena, e a pede
em casamento. Os contos das "Noites Árabes" serviram a El-Raschid como verdadeira
terapia, procedimento adotado desde a antigüidade pela medicina hindu, chamada
Ayurveda, onde os pacientes eram convidados a meditar sobre contos de fadas para
que suas mentes se purificassem, condição prévia para que qualquer cura fosse
alcançada.
34
URBAN, op. cit. p. 2.
33
Desde então as narrativas fantásticas passaram a fazer parte do corpo literário
com autores como Perrault, La Fontaine, os Irmãos Grimm e Hans Christian Andersen,
conforme citado anteriormente.
Mas por que os Contos de fada impressionam tanto? Certamente não apenas
pelos expoentes citados que se dedicaram à sua compilação, visto que tais contos
sempre foram populares como tradição oral, mas, antes, porque suas histórias são
instigantes. Não há como alcançar completamente seu sentido em termos puramente
intelectuais, fato que nos desperta a percepção intuitiva. A fantasia, irracional a ponto
de permitir que a vovó engolida pelo lobo mau permaneça viva em sua barriga até ser
salva, ou que a Bela Adormecida durma enfeitiçada um sono de cem anos, ou ainda
que João suba num pé de feijão até alcançar no céu o castelo de um gigante, encanta
justamente pelo inverossímil que expõe, provoca uma reviravolta em nosso mundo
psíquico que, estimulado, aguça-se na tentativa de compreendê-la. E não há como
explicá-la pelos padrões da razão metódica. O conto de fadas é por si só sua melhor
explicação, do mesmo modo que as obras de arte encerram aspectos que fogem ao
alcance do intelecto.
O significado desses contos está guardado na totalidade de seu conjunto,
perpassado pelos fios invisíveis de sua trama narrativa.
Segundo Bruno Bettelheim35, para uma criança, a ação toma o lugar da
compreensão, e isto se torna cada vez mais verdadeiro quanto mais intensamente ela
sinta. Ela pode ter aprendido a dizer de outra forma sob a orientação adulta, mas da
forma como ela realmente o encara, as pessoas não choram porque estão tristes: elas
simplesmente choram.
O conto de fada remete a criança para a descoberta de sua própria identidade,
assim como sugere experiências necessárias para a formação e desenvolvimento do
seu caráter. O aspecto encorajador e estimulante dos contos de fadas e a certeza de
um “final feliz” estimulam a imaginação infantil. É a partir dele que os processos internos
são externalizados tornando-se compreensíveis enquanto representados por peripécias
e acontecimentos.
35
BETTELHEIM, B. A psicanálise dos contos de fadas. Trad. Arlete Caetano. Rio de Janeiro: Paz e
Terra, 1980.
34
Bettelheim36 postula que os contos de fadas acabam realizando uma espécie de
tratamento psíquico através da catarse. Por meio das histórias a criança consegue
encontrar um caminho como o herói, e ainda como ele, sente-se capaz de enfrentar
dificuldades e vencê-las. Conflitos internos que parecem incompreensíveis sempre têm,
no final, uma solução.
Em praticamente todos os contos de fadas o bem e o mal se manifestam na
forma de personagens e suas ações, já que bem e mal são onipresentes na vida real e
as propensões para ambos encontram-se no íntimo de todo homem. A dualidade coloca
o problema moral e requisita a luta para resolvê-lo. A criança sofre com o herói e vence
com ele no fim da história.
Enquanto diverte, o conto de fadas esclarece à criança questões sobre si mesma
e favorece o desenvolvimento da sua personalidade.
Histórias verdadeiras fornecem informações reais, e por vezes úteis, mas o modo
como essas histórias se desenrolam é tão alheio ao funcionamento da mente da
criança como os eventos fantásticos em relação à concepção “adulta” de mundo. O
conto de fadas coloca em evidência um dilema existencial de forma breve e categórica,
permitindo à criança aprender o problema em sua forma mais essencial: simplifica as
situações, as figuras são esboçadas claramente e apenas os detalhes muito
importantes são apresentados. Os personagens são mais típicos do que únicos,
facilitando a identificação com a criança. Apesar de levá-la para um mundo fabuloso, no
final a devolve à realidade da forma mais reasseguradora possível.
Essa “viagem” de volta ensina que não é prejudicial permitir que a fantasia faça
parte da vida, desde que seja possível distingui-la da vida real. Para o desenvolvimento
da criança esse é um fator importante, pois, com a volta do herói e a devolução ao
mundo real a criança sente-se muito mais capaz de enfrentar e dominar a vida.
Diferentemente dos contos de fadas, os mitos mostram situações singulares, que
não poderiam acontecer com nenhuma outra pessoa ou em nenhum outro quadro; os
acontecimentos são grandiosos, inspiram admiração e não seria possível acontecer a
um simples mortal. Embora nos contos de fadas as situações também sejam inusitadas
e improváveis, apresentam-se de forma comum, algo que poderia acontecer com
36
BETTELHEIM, op. cit.
35
qualquer pessoa. Até mesmo os nomes nos contos de fadas são comuns, por exemplo
"João e Maria", ou simplesmente se referem a alguma característica da figura
apresentada ("Branca de Neve", porque tinha a pele branca como a neve, "Os três
porquinhos", porque eram, de fato, três porcos os protagonistas da estória, etc.), ao
contrário dos mitos, que carregam nomes próprios - como Hércules ou Aquiles - que
particularizam e enfatizam o aspecto singular da sua superioridade sobre os demais
seres humanos. Enquanto, nos contos de fadas, esse fato facilita as projeções, os mitos
não ajudam na identificação das crianças com tais figuras, não sendo,portanto, úteis na
formação da personalidade total.
Bettelheim37 afirma que “o mito é pessimista, enquanto o conto de fadas é
otimista, ainda que alguns traços sejam terrivelmente sérios”. Tais características
podem ser percebidas no final: nos mitos é sempre trágico, enquanto nos contos
sempre feliz.
O conto de fadas, de estrutura mais simples que os mitos e as lendas, mas de
conteúdo muito mais rico que o mero teor moral encontrado na maioria das fábulas, são
capazes de envolver a atenção da criança despertando sentimentos e valores intuitivos
imprescindíveis ao seu desenvolvimento pleno.
Em suma, os contos de fadas podem ser considerados obras de arte dado à sua
capacidade de envolvimento e comoção. Por tratar de experiências cotidianas,
possibilitam que os leitores (crianças e adultos sensíveis) se identifiquem com as
alegrias ou dificuldades dos heróis, cujos feitos simbolizam a própria condição humana
frente às provações da vida. Sendo assim, cada criança extrai das narrativas conceitos
sólidos de realidade que, mesmo de forma inconsciente, serão exteriorizados no
decorrer da vida.
1.5. Dramaturgia infantil
37
BETTELHEIN, op. cit.
36
No início do século XX, os dramaturgos brasileiros começaram a fazer
espetáculos específicos para crianças, representados por crianças, fora do ambiente
doméstico ou escolar.
Temos como exemplo clássico da produção de teatro para
criança, o Theatro infantil, de Coelho Neto e Olavo Bilac. Trata-se de um livro publicado
em 1905, que contém uma dúzia de peças curtas identificadas como “comédias e
monólogos em prosa e verso”. Também há o Teatro das Crianças, do educador mineiro
Carlos Góis, que reelaborou diálogos e monólogos de Bilac e Coelho Neto.
Conforma afirma Cláudia de Arruda Campos38, em 1938, Henrique Pongetti e
Joracy Camargo publicaram um volume com dezesseis peças curtas, dirigidas à
criança, desenvolvendo uma longa introdução, mostrando como se prepara um
espetáculo. Segundo os autores, a preparação de um espetáculo começa pelo palco, já
que as peças se destinam a espetáculos juvenis e infantis nas escolas, clubes,
associações e casas de família.
Em Pernambuco, no ano de 1939, aparece pela primeira vez, a denominação
“Teatro infantil” com a estréia de Branca de Neve e os sete anões.
Na década de 1940, em Belo Horizonte, a revista Era uma vez, de bastante
sucesso, publicava regularmente peças curtas, entre elas as de Vicente Guimarães,
que foi por muito tempo diretor da publicação e autor de histórias infantis. Umas de
suas peças mais conhecidas é Vovô Felício.
Em 1948, Lúcia Benedetti lança as bases do teatro infantil com O casaco
encantado e traz consigo uma seguidora que pode ser considerada a maior autora de
teatro para crianças (como ela mesma dizia): Maria Clara Machado, que escreveu 27
peças e vários livros, e que na década de 50 fundou o Tablado, escola de teatro no Rio
de Janeiro que formou gerações de atores e se encontra ainda em atividade.
Essa dramaturga é, de fato, um dos nomes mais significativos do teatro
brasileiro, especialista em peças infantis. Diz ela39:
Verdadeiros aventureiros se lançam ou se atrevem a fazer teatro para
criança, desconhecendo não somente a criança, ou melhor, ignorando-a,
como desconhecendo também as regras básicas para se fazer um bom
38
39
CAMPOS, C. A. Maria Clara Machado. 1998. p. 64
CUNHA, M. A. A. A comicidade em Maria Clara Machado. Belo Horizonte: Bernardo Alvarez, 1971.
37
espetáculo; produção e direção de atores quase sempre postas em
segundo plano, cenas mal ensaiadas, onde os atores, muitas vezes,
apenas
estão
procurando
sobreviver
economicamente
sem
se
empenharem realmente nos papéis que representam. O teatro de
segunda classe, onde nem os críticos teatrais dos principais jornais se
aventuram a ir para não morrer de tédio ou de vergonha. Preferem calar,
silenciar, ou melhor, não assistir a tais espetáculos que estão sendo
oferecidos todos os finais de semanas às crianças.
Era comum, segundo a autora Cláudia de Arruda Campos40, que pessoas ligadas
à educação escrevessem peças para representações escolares, pois o teatro era visto
como meio eficiente de educação. As intenções didáticas e pedagógicas eram
facilmente percebidas na leitura
Eram textos que objetivavam ensinar valores éticos e morais contidos na “moral
da história” explicitada claramente para o leitor. As narrativas puniam quem
desobedecesse ou mentisse e premiavam os bonzinhos, quem falasse a verdade e
respeitasse os mais velhos, por exemplo.
Do ponto de vista estrutural, é possível destacar que a dramaturgia obedecia aos
preceitos de “princípio, meio e fim”, ou da peça “bem feita”.
Mas essa dramaturgia revela, sobretudo, o entendimento que se tinha sobre o
que era ser criança. Predominantemente se acreditava que ser criança era um estágio
de vida como o de “vir a ser adulto”. A criança não era...seria. O tempo para viver a
vida, todavia ainda não tinha chegado. Viver a infância sim, mas aprendendo,
adquirindo saberes que definiriam sua personalidade quando adulta. Não era um
estágio da vida a ser vivido como período para desfrutar as alegrias e tristezas próprias
de cada etapa da vida humana, mas período de preparação para outra etapa, esta sim
mais importante, a vida adulta.
O teatro infantil brasileiro nasceu junto com o teatro moderno brasileiro. É sinal
de que a platéia se ampliava e demonstrava que em breve esse teatro se firmaria como
40
CAMPOS, op. cit.
38
modalidade específica. Em 1957, Sábato Magaldi41 propõe um teatro que vá ao
encontro de um público popular, exibindo-se ao ar livre nos bairros e nas fábricas.
Entre 1970 e 1976 muitas peças foram escritas e apresentadas em São Paulo e
os jornais anunciavam o "boom" do teatro infantil, assim como de todo o contexto
literário para essa faixa etária. No entanto, numa análise feita por Maria Lucia Puppo foi
possível perceber que a maior parte dos textos ainda veiculava teses, correspondendo
ao que deveria ser aprendido pela criança na ida ao teatro, seguindo ainda os velhos
paradigmas...
Em 1973 estreou o espetáculo “Histórias de lenços e ventos” escrito e dirigido
por Ilo Krugli, apontado hoje como um marco que redefiniu a forma de fazer e pensar o
teatro para crianças no Brasil. “Histórias de lenços e ventos” abandonou as
características do “teatro educativo” e valorizou a encenação, o espetáculo, reduzindo
distâncias entre teatro infantil e teatro adulto.
O texto propôs a valorização da imaginação, da fantasia, onde dramaturgia e
interpretação eram pautadas pelo jogo. Ludicidade e poesia eram elementos
indispensáveis neste novo tipo de encenação.
O texto dramático falado, conforme o professor Valmor Beltrame42 perdeu o valor
enquanto elemento central na encenação. A peça “bem feita”, a narrativa com “princípio
meio e fim” começava a dar lugar à dramaturgia construída por fragmentos, à
descontinuidade da narrativa. Isso revelava mudanças no entendimento sobre o que
era infância. Da compreensão da criança como adulto em miniatura, ou estágio para o
aprendizado de valores para por em prática na futura vida adulta, esta nova forma de
fazer teatro via a infância como período da vida a ser vivido como criança. Acreditava
na criança como ser humano dotado de inteligência e sensibilidade capaz de criticar e
refletir.
Havia nessa época um certo antagonismo aos valores da sociedade de consumo
que preconizava a iniciativa da criança e do jovem em usar a imaginação. Um pioneiro
nessa idéia foi Ronaldo Ciambroni com a peça "O palhaço imaginador" (1970) que
questiona a influência da televisão no comportamento infanto-juvenil.
41
MAGALDI, op. cit.
Valmor Beltrame,professor de teatro no Depto de Artes Cênicas da UDESC em artigo publicado na
Revista do 3º Festival de Teatro infantil de Blumenau, realizado de 15 a 20 de agosto de 1999. p. 8-10.
42
39
Valmor Beltrame43 afirma que nos anos 80 e 90, além da permanência das
tendências anteriormente mencionadas, surgiram novas concepções e propostas
dramatúrgicas. Podem ser citadas como exemplo as obras de Osvaldo Gabrieli, diretor
do XPTO em São Paulo e Daniel Herz, diretor da Companhia de Teatro Atores de Laura
no Rio de Janeiro.
Osvaldo Gabrieli, diretor, cenógrafo, dramaturgo, criou espetáculos a partir de
elementos como forma, cor, movimento e, sobretudo do jogo, do trabalho corporal do
ator. Abandonando os princípios aristotélicos, inclusive a estrutura dualista de oposição
geradora do conflito dramático, criou espetáculos explorando a fragmentação da trama
dramática com cenas onde o espectador não sabe exatamente onde começa e termina,
provocando sensações aleatórias e fragmentadas estabelecendo total comunicação
com o público, possibilitando diferentes leituras do espetáculo.
Daniel Herz, visionário da importância do teatro como arte do encontro de
pessoas, via sentido no trabalho coletivo, certo de que o encontro é permeado por
conflitos que expressam diferenças desencadeadoras de estímulos na construção
coletiva do texto dramático. Ousou misturar temas como sexualidade, sensualidade,
morte e dor, rompendo com a crença de que estes não são conteúdos a serem tratados
em obras de arte para crianças e adolescentes.
Ainda vale ressaltar a importância do trabalho de Vladimir Capella, que desde a
década de 70 mantém uma produção marcada pela busca de criar poesia cênica. Há
poucos anos “Maria Borralheira” e “Píramo e Tisbe” surpreenderam pela qualidade das
soluções cênicas apresentadas por ele.
Os trabalhos de todos desses dramaturgos brasileiros, em diversos períodos,
cada um com suas peculiaridades, favoreceram o desenvolvimento do teatro infantil. A
idéia que o teatro poderia ser livre das imposições de mercado e empreender uma
verdadeira educação do gosto nacional, por meio da montagem dos melhores
espetáculos também levou o teatro para as escolas, onde passou a complementar o
processo educacional.
43
BELTRAME, op. cit. p. 9
40
1.6. A autora: Maria Clara Machado44
Maria Clara Machado nasceu em Belo Horizonte, Minas Gerais, (3/04/1921), e
faleceu no Rio de Janeiro (30/04/2001), filha de Aníbal Machado (escritor) e Aracy
Jacob Machado. Veio para o Rio de Janeiro ainda criança, onde fez seus estudos.
Começou a carreira artística com um grupo de teatro de bonecos que fundou e dirigiu
durante cinco anos. Desta experiência publicou um livro "Como Fazer Teatrinho de
Bonecos" (editado pela Melhoramentos), que se esgotou rapidamente. Em 1969 a
Livraria Agir reeditou-o. Ainda nesta fase escreveu dez peças para fantoches.
Em 1950 recebeu uma bolsa de estudos do governo francês, para estudar teatro
em Paris, durante um ano. Na Europa recebeu outra bolsa de estudos da UNESCO e
fez um curso de férias em Londres. De volta a Paris em 1952, freqüentou o curso de
mímica de Etienne Decroux.
Ao voltar ao Brasil, em 1951, fundou no Rio de Janeiro "O TABLADO", uma
companhia de atores amadores que dirigiu até 2001 sem interromper sua atividade
teatral. O TABLADO foi o início da carreira para muitos artistas profissionais.
Em 1956 fundou a revista CADERNOS DE TEATRO, com a finalidade de
orientar grupos amadores e professores envolvidos na área teatral. De 1959 à 1974 foi
professora de improvisação no antigo Conservatório Nacional de teatro, hoje escola de
teatro da UNIRIO, onde foi também diretora durante um ano (1967 - 1968).
Em 1961 foi convidada pelo governo do Estado da Guanabara para dirigir o
Serviço de Teatro e Diversões do Estado e ao mesmo tempo ocupou o cargo de
Secretária geral do Teatro Municipal do Rio de Janeiro. (ocupou o cargo até princípio de
1963). Em 1965 representou o Brasil no congresso de Teatro para Juventude, realizado
em Paris, onde teve a oportunidade de ver sua peça O Cavalinho Azul, montada para
representar o Brasil no Congresso da UNESCO em Tel-Aviv.
Maria Clara Machado tem treze livros publicados pela Editora AGIR. São eles:
(TEATRO I) Pluft, o Fantasminha - A Bruxinha que era Boa - O Rapto das Cebolinhas O Chapeuzinho Vermelho - O Boi e o Burro no Caminho de Belém; (TEATRO II) A Volta
do Camaleão Alface - O Embarque de Noé - O Cavalinho Azul - Camaleão na Lua;
44
MACHADO, M. C. Eu e o Teatro. Rio de Janeiro: Agir, 1991. p. 265-268.
41
(TEATRO III) A Menina e o Vento - Maroquinhas Fru-Fru - A Gata Borralheira - Maria
Minhoca; (TEATRO IV) O Diamante do Grão-Mogol - Aprendiz de Feiticeiro - Tribobó
City - O Gato de Botas; (TEATRO V) Os Cigarras e Os Formigas - O Patinho Feio Camaleão e as Batatas Mágicas - Quem Matou o Leão? (TEATRO VI) João e Maria Um Tango Argentino - O Dragão Verde – A Coruja Sofia – A Bela Adormecida. A Coruja
Sofia, Como Fazer Teatrinho de Bonecos, O Dragão Verde (conto com ilustrações de
Cybele Cotrim), Eu e o Teatro (uma coleção de cartas e memórias), A Viagem de
Clarinha (conto com ilustrações de Gian Calvi), 100 Jogos Dramáticos (em parceria com
Martha Rosman) e Exercícios de Palco.
Tem ainda cinco livros publicados pela Companhia das Letrinhas: O Cavalinho
Azul (conto com ilustrações de Mary Louise Nery), Volume 1 – "A Bruxinha que era
Boa" e "O Rapto das Cebolinhas", Volume 2 – "Pluft, o Fantasminha" e "O Dragão
Verde", Volume 3 – "A Menina e O Vento" e "Tribobó City" e Volume 4 – "O Diamante
do Grão-Mogol" e Camaleão na Lua"
Pela Editora JOSÉ OLYMPIO publicou 2 livros: Clarinha na Ilha (conto com
ilustrações de Rogério Cavalcanti) e A Aventura do Teatro.
Publicou também quatro livros pela Editora BLOCH: Aventuras no Grotão da
Mata, A Menina e o Vento, A Volta do Camaleão Alface e Papagaio Avião.
Pela Editora SALAMANDRA publicou Criança também tem Direito (com
ilustrações de alunos da Rede Municipal do Rio de Janeiro) e pela Editora Global Uma
aventura na floresta.
Escreveu muitas peças teatrais durante o tempo que pode presentear as
crianças com suas histórias fantásticas:
•
1953 O BOI E O BURRO NO CAMINHO DE BELÉM - farsa - Mistério de natal
em 1 ato. Foi montada pela primeira vez pelo Tablado. Remontada em 1971,
1973, 1986, 1991, 1992.
•
1953 O RAPTO DAS CEBOLINHAS - 1 ato. foi montada pela primeira vez em
1954 pelo Tablado. Remontada em 1958, 1982 e 1992
•
1954 A BRUXINHA QUE ERA BOA - 1 ato. Foi montada pela primeira vez em
1958 pelo Tablado. Remontada em 1999
42
•
1955 PLUFT, O FANTASMINHA - 1 ato. Foi montada pela primeira vez em 1955
pelo Tablado. Remontada em 1964, 1975,1977, 1985 e 1995.
•
1956 O CHAPEUZINHO VERMELHO - 1 ato. Foi montada pela primeira vez em
1956 pelo Tablado. Remontada em 1983.
•
1957 O EMBARQUE DE NOÉ - Farsa bíblica em 2 atos. Foi montada pela
primeira vez em 1957 pelo Tablado. Remontada em 1973 com músicas de
Ubirajara Cabral.
•
1959 O CAVALINHO AZUL - 1 ato. Foi montada pela primeira vez em 1960 pelo
Tablado. Remontada em 1966, 1979 e 1990.
•
1959 A VOLTA DO CAMALEÃO ALFACE - 2 atos. Foi montada pela primeira vez
em 1959 pelo Teatro da Praça e dirigida pôr Cláudio Corrêa e Castro.
Remontada em 1965 pelo Tablado.
•
1961 MAROQUINHAS FRU-FRU - 2 atos. Foi montada pela primeira vez em
1961 pelo Tablado. Remontada em 1970.
•
1961 CAMALEÃO NA LUA - 2 atos. foi montada pela primeira vez em 1969 pelo
Tablado.
•
1962 A GATA BORRALHEIRA - 10 cenas. Foi montada pela primeira vez em
1962 pelo Tablado. Remontada em 1998, dirigida por Cacá Mourthé.
•
1962 A MENINA E O VENTO - 1 prólogo e 19 cenas. Foi montada pela primeira
vez em 1963 pelo Tablado. Remontada em 1972 e 1989.
•
1966 O DIAMANTE DO GRÃO-MOGOL - 1 ato. Foi montada pela primeira vez
em 1967 pelo Tablado. Remontada em 1993.
•
1967 MARIA MINHOCA - 2 atos. foi montada pela primeira vez em 1968 pelo
Tablado.
•
1968 APRENDIZ DE FEITICEIRO - 1 ato. Foi montada pela primeira vez em
1968 pelo Teatro Ipanema, dirigida pela autora. Remontada em 1985 pelo
Tablado.
•
1971 TRIBOBÓ CITY - 1 ato. Comédia musical montada pela primeira vez em
1971 pelo Tablado com músicas de Ubirajara Cabral. Remontada em 1988.
43
•
1974 O PATINHO FEIO - 1 ato. Foi montada pela primeira vez em 1976 pelo
Tablado com músicas de John Neschling. Remontada em 1990, dirigida pôr
Toninho Lopes.
•
1974 OS CIGARRAS E OS FORMIGAS - 1 ato. Foi montada pela primeira vez
em 1977 pelo grupo de Wolf Maya. Remontada em 1981 pelo Tablado, com
músicas de Ubirajara Cabral.
•
1976 CAMALEÃO E AS BATATAS MÁGICAS - 1 ato. Foi montada pela primeira
vez em 1977 pelo grupo de Germano Filho, dirigida pôr Maria Clara Machado.
•
1977 QUEM MATOU O LEÃO? - 2 atos. Foi montada pela primeira vez em 1978
pelo Tablado.
•
1979 JOÃO E MARIA - 1 ato. Foi montada pela primeira vez em 1980 pelo
Tablado.
•
1983 O DRAGÃO VERDE - 1 ato. Foi montada pela primeira vez em 1984 pelo
Tablado, com músicas de Ubirajara Cabral
•
1986 O GATO DE BOTAS - 1 ato. Foi montada pela primeira vez em 1987 pelo
Tablado, com músicas de Ubirajara Cabral. Remontada em 1997.
•
1992 PASSO A PASSO NO PAÇO IMPERIAL - de parceria com Cacá Mourthé.
Foi montada pela primeira vez no Paço Imperial sob direção de Cacá Mourthé.
•
1993 A CORUJA SOFIA - 2 atos. Foi montada pela primeira vez em 1994 pelo
Tablado, com direção de Cacá Mourthé e música de Paulo Jobim.
•
A BELA ADORMECIDA – 2 atos. Foi montada pela primeira vez em 1996 pelo
Tablado, com direção de Cacá Mourthé e músicas de Ricardo Gilly.
•
2000 JONAS E A BALEIA – Em parceria com Cacá Mourthé. 1 ato. Foi montada
pela primeira vez em 2000 pelo Tablado, com direção de Cacá Mourthé e
músicas de Ubirajara Cabral.
Escreveu também histórias (peças teatrais) para os adultos:
•
1963 REFERÊNCIA 345 - 2 atos. Foi levada pela primeira vez na TV-RIO (2º
lugar no concurso de peças para TV).
•
1964 MISS BRASIL - 2 atos. Foi montada pela primeira vez em 1970 no Teatro
Opinião.
44
•
1965 AS INTERFERÊNCIAS - 1 ato. Foi montada pela primeira vez em 1966
pelo Tablado, com música de Reginaldo de Carvalho. (Publicada nos números
36 e 57 dos Cadernos de Teatro).
•
1969 OS EMBRULHOS - 1 ato. Foi montada pela primeira vez em 1970 pelo
Tablado. (publicada no número 47 dos Cadernos de Teatro).
•
1972 UM TANGO ARGENTINO - Comédia musical montada pela primeira vez
em 1972 pelo Tablado. (Publicada no número 56 dos Cadernos de Teatro).
Maria Clara, devidamente reconhecida com grande artista, recebeu, merecidamente,
vários prêmios: Prêmio Anual de Peças Infantis da Prefeitura do Distrito Federal, em
1953 (O Rapto das Cebolinhas) (Texto); Prêmio Anual de Peças Infantis da
Prefeitura do Distrito Federal, em 1955 (A Bruxinha que era Boa) (Texto); Prêmio da
Associação de Críticos de São Paulo, como melhor espetáculo amador e melhor
autor nacional, em 1956. (Pluft, O Fantasminha); Hors Concours no Festival de
Peças Infantis, abril 1958, do SNT - MEC (A Bruxinha que era Boa); Personalidade
do Ano em 1961 pela passagem do décimo ano de fundação do Tablado (Fundação
Brasileira de Teatro); Atelier de Teatro de Caxias do Sul - 1962 - pela peça Pluft, O
Fantasminha; Prêmio Sacy - Melhor autor nacional com a peça Pluft, O Fantasminha
(Jornal "O Estado de São Paulo") 1956; Prêmio Conchita de Moraes em 1965
(Fundação Brasileira de Teatro - Personalidade); Troféu Criança - "Diário de
Notícias" - 1967 - com a peça O Diamante do Grão-Mogol; Troféu do Teatro Amador
de Friburgo em 1968 com a peça Maria Minhoca; Golfinho de Ouro como melhor
autor do ano do Estado da Guanabara (Museu da Imagem e do Som) em 1968
(Aprendiz de Feiticeiro e Maria Minhoca); Prêmio Molière - Air France - 1968 com as
peças Maria Minhoca e Aprendiz de Feiticeiro; Prêmio do 3º Festival de Peças
Infantis da Guanabara - 1970 com a peça Maroquinhas Fru-Fru; Personalidade
Global - 1974 - "O Globo" e TV Globo; Prêmio Paulo Pontes em 1980 - ACET FUNARJ - Governo do Estado do Rio de Janeiro; Prêmio Mambembe em 1981 (São
Paulo). (Personalidade do Ano); Prêmio Molière - Air France - 1981, pelos 30 anos
do Tablado; Prêmio Mambembe em 1984 como melhor autora de Teatro Infantil pela
peça O Dragão Verde Prêmio Mambembe em 1987 - O Gato de Botas; Prêmio
Coca-Cola de Teatro Infantil em 1988 - Hors Concours; Prêmio Coca-Cola em 1991
45
- pela sua dedicação ao Teatro Infantil; Prêmio Machado de Assis, da Academia
Brasileira de Letras, em 1991 - pelo conjunto de sua obra; Prêmio Coca-Cola em
1993 - O Diamante do Grão-Mogol - Hors Concours; Prêmio SATED / APART em
1995 ; Premio SHELL em 2000 – "Personalidade 2000"
Maria Clara Machado, além de seus trabalhos com dramaturgia também atuou
com atriz em teatro e cinema durante muito tempo:
•
1949 A Farsa do Advogado Pathelin- medieval francês (Guilhermina).
•
1951 A Moça da Cidade- mímica de Maria Clara Machado.
•
1952 O Moço Bom e Obediente - Betty Barr e Gould Stevens (A esposa).
•
1952 Sganarelo - Molière (Célia).
•
1953 A Sapateira Prodigiosa - Garcia Lorca (A Sapateira).
•
1954 Nossa Cidade - Thornton Wilder (Emily Webb).
•
1955 O Diálogo das Carmelitas - Bernanos (Blanche).
•
1955 Tio Vânia- Tchekov (Sônia).
•
1957 O Tempo e os Conways - J. B. Priestley (Kay).
•
1959 O Living-Room - Graham Greene (Tereza).
•
1959 Do Mundo nada se Leva - Kaufman e Hart (Essie).
•
1960 D. Rosita a Solteira - Garcia Lorca (D. Rosita).
•
1961 O Mal-Entendido - Albert Camus (Maria).
•
1981 Ensina - me a Viver - Collin Higgins (Maude).
•
1985 Este Mundo é um Hospício - Joseph Kesselring (Abigail).
•
1951 Angela - da Cia. Vera Cruz, dirigida por Tom Payne. (Cinema)
•
1983 O Cavalinho Azul - direção de Eduardo Escorel (Velha - que Viu).(Cinema).
Além de dirigir todas as suas peças, Maria Clara Machado ainda dirigiu outras:
•
1951 A Farsa do Pastelão e da Torta - medieval francês.
•
1951 A Moça da Cidade - mímica.
•
1953 A Sapateira prodigiosa - Garcia Lorca.
•
1956 A Sombra do Desfiladeiro - J. M. Sygne.
46
•
1958 O Matrimônio - Gogol.
•
1959 Do Mundo nada se Leva - Kaufman e Hart.
•
1962 O Médico à Força - Molière.
•
1963 Barrabás - Michel de Chelderode.
•
1964 Sonho de uma Noite de Verão - William Shakespeare.
•
1965 Arlequim Servidor de Dois Patrões - Goldini.
•
1967 A Farsa do Pastelão e a Torta - Medieval francês.
•
1974 As Aventuras de Pedro Trapaceiro - Medieval francês.
•
1974 Vassa Geleznova - Máximo Gorki.
•
1975 O Dragão - Eugène Schwarz.
•
1979 O Platono" - A. Tchekov.
O Teatro de Maria Clara Machado já atingiu o panorama internacional. Suas peças
já foram vertidas para o francês, inglês, alemão, holandês, sueco, russo, espanhol,
árabe, etc. sendo que as mais procuradas são: Pluft, O Fantasminha, O Rapto das
Cebolinhas, A Bruxinha que era Boa, O Cavalinho Azul e A Menina e o Vento. Foi
Tradutora de várias histórias infantis para as editoras "CEDIBRA", "LIVROS DE OURO"
e "EXPRESSÃO E CULTURA".
A Editora Losange de Buenos Aires, editou em espanhol um livro com as seguintes
peças: A Menina e o Vento, Pluft, o Fantasminha, e O Cavalinho Azul, traduzidas por
Maria Julieta Drummond de Andrade. Em 1979 no Centro de Estudos Brasileños foi
editada na versão de Maria Julieta Drummond de Andrade "Teatro Infantil" com as
seguintes peças: O Rapto das Cebolinhas, A Bruxinha que era Boa e O Cavalinho Azul.
47
2. CAPÍTULO 2: A linguagem cinematográfica
Das nostálgicas lanternas mágicas45 às modernas tecnologias digitais, o cinema,
desde sua primeira exibição pública em 1895 pelos irmãos Lumière em Paris, exerce
um verdadeiro fascínio sobre o ser humano. Desde então inúmeros cientistas e curiosos
embrenharam-se na aventura de desvendar, ou tentar desvendar, seus mistérios de
produção. Com isso, criaram um mundo à parte, capaz de reproduzir e recriar a
realidade numa nova forma de Arte: o filme.
E como em qualquer outra obra de arte, um filme começa com uma idéia, que
transcrita para o papel passa a ser chamada de argumento, ou seja, um olhar geral
sobre a história contada no filme que, por sua vez, transforma-se no roteiro, parte
escrita do filme que contém as cenas e os diálogos.
O roteiro está para o filme assim como o texto dramático para o teatro, cada um
contemplando suas especificidades de linguagem.
Uma vez estabelecido o roteiro, com as cenas, seqüências, personagens e
diálogos, tem início uma nova etapa de trabalho: a produção do filme. São escolhidos
os profissionais, atores, equipe técnica e analisados os recursos financeiros
necessários para tal produção.
Boa parte dos valores e das mensagens transmitidas pelo filme se efetiva não
apenas pela história em si, mas pela forma como é contada. Elementos sutis e
subliminares transmitem ideologias tanto quanto o enredo e os diálogos explícitos
através do conjunto de modalidades de língua e estilo que caracterizam o discurso
cinematográfico, assim como na literatura o escritor se expressa por meio de palavras
que formam frases, orações e períodos.
Percebe-se então um caráter quase mágico do cinema; a câmera cria algo mais
que uma simples duplicação da realidade, exatamente como, nos primórdios da
humanidade, os homens executaram as gravuras rupestres de Lascaux e Altamira46.
45
A lanterna mágica, criada pelo alemão Athanasius Kirchner em meados do século XVII, pode ser
considerada um dos aparelhos precursores do cinema. Composto por uma caixa cilíndrica iluminada à
vela projetava as imagens desenhadas em uma lâmina de vidro.
46
Cavernas onde foram encontrados nas paredes inúmeros registros da vida pré-histórica em forma de
desenhos.
48
Assim, pouco a pouco a arte cinematográfica foi se tornando uma linguagem, um
meio de conduzir relatos e veicular idéias, graças ao desenvolvimento de uma sintaxe
própria que lhe atribuiu o sentido de Arte, mas também de meio de comunicação,
informação e propaganda.
Marcel Martin47 distingue o cinema dos demais meios de expressão culturais pelo
extremo poder de reprodução fotográfica da realidade; os seres e as coisas dirigem-se
aos sentidos e à imaginação: a representação (significante) coincide de maneira exata
com a informação conceitual que veicula (significado).
Mas para que todo esse potencial implícito nas obras cinematográficas possa
atingir de forma direta os espectadores, muitas experiências foram realizadas ao longo
do tempo, na intenção de aperfeiçoar imagens e recursos plásticos e sonoros, criando
termos inusitados e peculiares capazes de definir procedimentos técnicos e artísticos
carregados de realidade e simbolismo, dando origem a uma linguagem específica para
designar os afazeres dos técnicos em relação à composição fílmica: a linguagem
cinematográfica, alvo de estudo deste capítulo.
2.1. Uma tipologia dos gêneros ficcionais
Conforme Napolitano48, a classificação em gêneros, comum no cinema
comercial, tem a função de “organizar estruturalmente o leque de ações dos
personagens e o desenvolvimento do roteiro (muitas vezes constituindo lugarescomuns da narrativa)”, podendo ser identificados como:
•
Drama: conta histórias centradas em conflitos individuais, provocados por
problemas existenciais, sociais, psicológicos ou afetivos. Parte de uma situação
tensa que nem sempre é reparada no final, o que pode fazer com que a platéia
não aprecie. Embora o drama busque provocar intensas reações emocionais, se
o objetivo maior for o sucesso comercial, o final deve ser feliz.
•
Comédia: predominam situações patéticas onde jogos verbais e corporais levem
a “mal entendidos” envolvendo um ou mais personagens da história. Tem a
intenção de provocar o riso.
47
48
MARTIN, op. cit. p.18.
NAPOLITANO, M. Como usar o cinema na sala de aula. São Paulo: Contexto: 2003. p. 34.
49
•
Aventura: a ação é o elemento primordial, abordando conflitos físicos numa luta
constante entre o bem e o mal. O ritmo é rápido e as situações geralmente
envolvem riscos e mortes. Valores ideológicos da cultura que produz o filme
aparecem na figura do herói provocando efeitos físicos e sensoriais na platéia.
•
Suspense: a trama e o mistério a ser desvendado ganham maior importância que
a ação e as situações surpreendem o espectador em seqüências que provocam
tensão e susto repentino.
Ainda conforme Napolitano, esses quatro gêneros-matrizes podem aparecer
mesclados ou subdividirem-se em outros mais específicos, manifestando uma
tendência do cinema comercial moderno: direcionar os filmes para públicos específicos,
predispostos a gostar de enredos e personagens típicos, o que ocorre com o filme
estudado por esta pesquisa: situado no universo infantil apresenta argumento e
elementos técnicos adequados para crianças, assunto abordado de forma específica no
decorrer do trabalho, particularmente no 3º capítulo.
Sendo assim, cada gênero necessita de recursos técnicos apropriados, que
busquem colaborar na comunicação da trama em questão, atingindo o espectador e
produzindo reações sensoriais almejadas pelo diretor e equipe técnica, como imagens
definidas pelos movimentos de câmera; trilha sonora, efeitos especiais, enfim, uma
gama de opções para seduzir o público.
Podendo ser considerada a base da linguagem cinematográfica, segundo Marcel
Martin49, a imagem é resultado de um aparelho que reproduz de forma exata a
realidade que lhe é apresentada sob a manipulação do desejo de seu realizador (no
caso, o operador da câmera orientado pelo diretor do filme), fato que a torna
extremamente ambígua. Constitui uma percepção objetiva e suscita no espectador um
sentimento de realidade, ainda que representada de forma unívoca, ou seja, captando
apenas um determinado aspecto de acordo com a visão do seu realizador.
Oferece ainda uma visão artística da realidade, cuja aceitação e interpretação
dependem do contexto criado pela montagem fílmica para transmitir sentido associado
à concepção mental do espectador, determinada pelo seu contexto sócio-históricocultural. É necessário estar atento ao comportamento que a câmera adota em relação
49
MARTIN, op. cit. p. 21-29.
50
aos personagens da trama, mesmo quando parece estar silenciosa, os modos que
dispõe para qualificar a realidade são múltiplos, e nem sempre imediatamente
compreensíveis.
Faz-se necessário então, ressaltar o papel criador da câmera enquanto agente
de registro da realidade material e de criadora da realidade fílmica.
2.2. A câmera e seu papel criador
Segundo Georges Sadoul50, durante muito tempo a câmera foi usada de forma
fixa, imóvel, correspondendo ao ponto de vista de um regente de orquestra. Esta regra,
que poderia ser denominada de “unidade de ponto de vista”, guiou Mèlies51 ao longo de
sua carreira cinematográfica no que diz respeito à posição da câmera durante as
filmagens. Apesar disso, Mèliés foi um criador profundo e original ao longo de toda a
sua carreira.
No entanto, em 1896 o travelling52 já havia sido inventado, ainda que de forma
espontânea, por um operador que colocou a sua câmera sob uma gôndola em Veneza.
Mas foi um inglês, G. A. Smith, que teve o mérito, a partir de 1900 de liberar a câmera
de sua posição estática, modificando o ponto de vista de uma mesma cena. A câmera
tornou-se móvel como é móvel o olhar humano; como o espectador ou o herói do filme,
tornando-se um personagem do drama, permitindo ao diretor impor vários pontos de
vista através dela, como por exemplo, a visão de um determinado personagem, ou seja,
o que vê do lugar onde está, procedimento denominado câmera subjetiva, devendo ser
justificado por uma ação dramática precisa.
50
SADOUL, G. Cinema: sua arte, sua técnica, sua economia. 2ed. Rio de Janeiro: Livraria da Casa do
Estudante do Brasil, 1956.
51
Georges Méliès (1861-1938), diretor, ator, produtor, fotógrafo e figurinista, foi considerado o pai da arte
do cinema. Nasceu na França e passou parte da juventude desenvolvendo números de mágica e truques
de ilusionismo. Depois de assistir à primeira apresentação dos Lumière, decidiu-se pelo cinema. Pioneiro
na utilização de figurinos, atores, cenários e maquiagens, opôs-se ao estilo documentarista e realizou os
primeiros filmes de ficção: Viagem À Lua (Voyage dans la lune, Le / Voyage to the Moon - 1902) e A
Conquista do Pólo (Conquête du pôle, La / Conquest of the Pole - 1912). Desenvolveu diversas técnicas
inusitadas até então como fusão, exposição múltipla, uso de maquetes e truques ópticos, precursores
dos efeitos especiais.
52
Travelling consiste num deslocamento da câmera durante o qual permanecem constantes o ângulo
entre o eixo óptico e a trajetória do deslocamento; câmera em movimento. Deriva da palavra inglesa
travell, que significa viagem.
51
David W. Griffith, nascido nos Estados Unidos, destacou-se nessa época, sendo
considerado um dos criadores da linguagem cinematográfica. Antes de chegar ao
cinema, trabalhou como jornalista e balconista em lojas e livrarias. Admirador de Edgar
Allan Poe, também escreveu poesias. No cinema, foi o primeiro a utilizar
dramaticamente o close, a montagem paralela, o suspense e os movimentos de
câmera, procedimentos explicados no decorrer do trabalho. Em 1915, com Nascimento
de Uma Nação (The Birth of a Nation), realizou o primeiro longa-metragem americano,
tido como a base da criação da indústria cinematográfica de Hollywood. Com
Intolerância (Intolerance), de 1916, fez uma ousada experiência, com montagens e
histórias paralelas.
Quanto ao posicionamento da câmera, é importante destacar o “olhar face à
câmera”, ou seja, os atores fixando a objetiva, o que acontecia nos primórdios do
cinema como se estivessem num palco, diante do espectador de teatro como nos filmes
cômicos. Posteriormente, quando o cinema libertou-se das influências do teatro, o ator
passou a dirigir-se diretamente ao espectador, provocando um efeito dramático
inesperado, trazendo-o para a história contada.
É possível perceber no “olhar face à câmera”, segundo Marcel Martin53, “o
equivalente ao distanciamento brechtiano54, mediante o qual o ator (vale dizer o autor)
dirige-se diretamente ao espectador, considerando não uma testemunha passiva, mas
um indivíduo capaz de tomar partido diante das implicações morais do espetáculo”. Ao
olhar para a câmera, o personagem se dirige diretamente ao espectador.
Vários fatores criam e condicionam a expressividade da câmera em seu papel
criador de imagens: os enquadramentos, os diversos tipos de planos, os ângulos de
filmagem e os movimentos de câmera, explicitados a seguir.55
53
MARTIN, op. cit. p. 35.
MARTIN, id ibidem, p. 35. Bertold Brecht, homem de teatro, alemão. Dramaturgo que escreveu
inúmeras peças de teatro de caráter épico, dialético ou intelectual. Defendia o princípio de estranhamento
(não envolvimento emocional do espectador). Buscava, através de suas peças uma conscientização
política por meio de reflexões críticas. Criou a teoria da peça didática, onde os atores aprendem atuando,
sem a necessidade de público.
55
Princípios baseados nos autores Marcel Martin, Marcos Napolitano, Georges Sadoul, Antonio Costa.
54
52
2.3. Enquadramentos e planos
Os enquadramentos constituem o primeiro aspecto da função criadora da
câmera em seu registro da realidade material transformando-a em artística. Trata-se da
composição do conteúdo da imagem, da maneira como o diretor organiza o que quer
que o espectador assista na tela.
Ao contrário dos efeitos obtidos com a câmera fixa, onde a visão correspondia à
de um palco à italiana56, progressivamente foi possível perceber que se poderiam
deixar certos elementos da ação fora do enquadramento ou mostrar apenas um detalhe
significativo ou simbólico de uma determinada seqüência fílmica. Ainda modificar o
ponto de vista normal do espectador através de um enquadramento inclinado sugerindo
instabilidade, inquietação, ou jogar com a terceira dimensão do espaço para obtenção
de efeitos dramáticos: um gângster à espreita avança em direção à câmera até que seu
rosto esteja em primeiro plano (grande, ocupando a tela inteira).
Os planos têm o objetivo de corroborar com a percepção e a clareza da
narrativa. Conforme Napolitano57 plano é:
Cada tomada de cena. Extensão compreendida entre dois cortes.
Segmento contínuo de imagem focalizado pela câmera. Conforme o
enquadramento da câmera, costuma ser dividido em vários tipos: plano
de conjunto (panorâmico), plano geral (quando os atores, objetos centrais
e cenários são mostrados a distância), plano médio (quando o ator ou o
objeto de primeiro plano é enfatizado), plano americano (quando o ator é
mostrado dos joelhos para cima) primeiro plano (quando se enfatiza o
rosto do ator) e o close-up ou pormenor (quando uma parte do corpo ou
do objeto é mostrada à distância curtíssima). Todos esses elementos são
importantes para enfatizar aspectos narrativos do filme e aspectos
psicológicos dos personagens.
56
57
Palco tradicional. Proporciona visão frontal do espetáculo.
NAPOLITANO, op. cit. p.236.
53
O primeiro plano, que hoje se apresenta de forma natural, inicialmente foi visto
como uma ousadia de expressão que poderia confundir o espectador. Malraux58 definiu
o efeito causado pelo uso do primeiro plano numa frase clara e, no mínimo,
provocadora: “O ator de teatro é uma cabeça pequena numa grande sala; um ator de
cinema, uma cabeça grande numa sala pequena”.
2.4. Ângulos de filmagem e movimentos de câmera
Os ângulos de filmagem definem como o personagem é filmado.
A plongée é a filmagem de cima para baixo e tende a diminuir o indivíduo
podendo provocar uma sensação de esmagamento, opressão, atribuindo sentido
psicológico, aumentando a percepção e a tensão dramática.
A contra-plongée ocorre quando o tema é filmado de baixo para cima, abaixo do
nível normal do olhar. Provoca sensação de superioridade, exaltação, aumentando a
visão do indivíduo, tornando-o magnífico. Assim como acontece com a plongée,
também intensifica as reações diante da situação dramática.
Conforme Marcel Martin59, ocorre ainda o enquadramento inclinado, efeito que
entra na categoria de ângulos. Quando empregado subjetivamente (visto pelo
personagem) mostra o ponto de vista de alguém que não está na posição vertical,
levando o espectador a acreditar que um personagem sobe uma encosta muito íngreme
puxando algo muito pesado, por exemplo. Sugere uma impressão sentida pelo
personagem como inquietação ou desequilíbrio.
Do ponto de vista objetivo (visão do espectador) um enquadramento inclinado
provoca reações de mal estar resultantes do ângulo de filmagem não convencional.
Ainda inserido na categoria de ângulos, o enquadramento desordenado, obtido
através da movimentação também desordenada da câmera, pode retratar a visão de
um personagem no meio de uma explosão (ponto de vista subjetivo) ou a forma como o
espectador vê essa explosão (ponto de vista objetivo).
Conforme Costa60 os movimentos de câmera mais comuns são:
58
Homem de cinema.
MARTIN, op. cit. p. 42.
60
COSTA, A. Compreender o cinema. Trad. Nilson Moulin Louzada. São Paulo: Globo, 2003. p. 245.
59
54
•
Panorâmica: trata-se de um movimento giratório da câmera que pode ser
horizontal (panorâmica horizontal à direita ou à esquerda; se a rotação for
completa: panorâmica de 360º); vertical (de cima para baixo ou vice-versa) e
oblíqua.
•
Travelling: a câmera é colocada sobre um suporte móvel (como no caso da
gôndola em Veneza, citado anteriormente) e executa movimentos para frente,
para trás e para as laterais. Se for um movimento relativo a uma tomada do alto
denomina-se travelling aéreo; se acompanhar o movimento de um personagem
denomina-se travelling para acompanhar; se o movimento da câmera precede a
tomada denomina-se travelling para preceder. O termo inglês é hoje o mais
difundido e não necessita de especificações nem provoca dúvidas quanto ao
método usado para obter o movimento. Diferente de quando surgiu, hoje o
travelling pode ser simulado através do emprego do zoom, isto é, de uma
objetiva com foco variável que permite efeitos de aproximação e distanciamento
do elemento enquadrado, obtendo variações de escala e de todos ou outros
parâmetros do enquadramento. Com o zoom é possível obter a passagem de um
plano geral a um detalhe ou vice versa, sem precisar mover a câmera.
•
Dolly ou grua: a câmera colocada na extremidade de um braço móvel sustentado
por uma plataforma munida de rodas ou ajustável num veículo, pode executar
movimentos muito fluidos de baixo para cima ou vice-versa e associar a esses
outros movimentos já descritos anteriormente. A diferença entre dolly e grua está
na maior complexidade e capacidade de elevação da câmera que tem a segunda
em relação à primeira.
•
Câmera na mão: trata-se de movimentos obtidos através de deslocamentos do
operador sem a ajuda de instrumentos de suportes. Tornou-se possível graças à
introdução de aparelhos mais leves e versáteis.
•
Steadycam: a câmera é fixada ao corpo do operador mediante uma armação e,
ao mesmo tempo, perfeitamente isolada por ele por um sistema de
amortecedores. Permite o máximo de mobilidade.
55
Os movimentos de câmera buscam elucidar sentidos referentes à história contada
pelo filme assim como provocar reações no espectador, restituindo-lhe o papel de
agente participativo do enredo que lhe é apresentado. Provocam sensações que
dependem tanto do contexto fílmico como do contexto particular de cada indivíduo que
acompanha o desenrolar da trama através da tela. Descrevem, narram a poetizam
imagens, realçando elementos materiais e/ou psicológicos da narrativa.
O ritmo também é determinado pelos movimentos da câmera, ao contrário do
que ocorre no teatro, onde quem determina o ritmo do espetáculo é a movimentação
dos atores no espaço cênico.
2.5. Elementos fílmicos não específicos
Marcel Martin61 chama de não específicos alguns elementos materiais que
participam da criação da imagem e do universo fílmicos mesmo não sendo exclusivos
da linguagem cinematográfica, podendo ser utilizados por outras linguagens como o
teatro e a pintura.
A iluminação, que passou a ser utilizada no cinema por volta de 1910 na França,
Dinamarca e Estados Unidos, teve a intenção única de aparentar verossimilhança
material. A partir de 1915 com o filme Enganar e perdoar (De Mile) houve a descoberta
dos efeitos de iluminação com finalidades psicológicas e dramáticas. Muitas vezes, os
iluminadores se inspiravam em quadros de grandes pintores para criarem sua própria
iluminação no estúdio.
Atualmente, com o avanço da tecnologia, a luz é usada e explorada produzindo
efeitos mirabolantes e mágicos em todos os estilos de filme.
O figurino é outro elemento que faz parte do arsenal dos meios de expressão
fílmicos. Sua utilização pelo cinema não é muito diferente da que é feita pelo teatro,
apenas um pouco mais realista e menos simbólica. Três tipos de figurinos podem ser
identificados no cinema: realista (de acordo com a realidade histórica, principalmente
em filmes de época), para-realista (inspirado na moda da época, porém estilizado) e
61
MARTIN, op. cit. p. 56.
56
simbólico (a exatidão histórica não importa, a intenção é traduzir simbolicamente
caracteres, tipos sociais, estados de alma).
O cenário no cinema compreende tanto as paisagens naturais quanto as
construídas e desempenha sempre um papel fundamental, contextualizando a
tonalidade moral ou psicológica da ação.
A cor, sem cair num simbolismo elementar, pode proporcionar à cena um
considerável valor psicológico e dramático. Sua utilização bem compreendida pode ser
não apenas a reprodução da realidade na tela, mas ocupar uma função expressiva e
metafórica. Conforme escreveu Eisenstein62 “É preciso primeiro fazer refletir o sentido
da cor”.
Marcel Martin63 destaca ainda a importância do desempenho do ator no cinema,
que tem pouca relação com o que se vê no teatro. No palco, o ator representa um todo
coeso (voz, corpo, gestos, movimentação, dicção) enquanto no cinema a câmera se
encarrega de por em evidência a expressão verbal e gestual, mostrando-as em primeiro
plano e/ou sob um ângulo adequado.
A elipse também constitui um elemento importante na produção cinematográfica.
O mais antigo exemplo está num filme dinamarquês de 1911: uma trapezista ciumenta
causa a morte de seu parceiro infiel não o segurando durante um salto e tudo o que se
vê na tela é o trapézio balançando sozinho. Essa capacidade de evocação em meiaspalavras é um dos segredos do impressionante poder de sugestão do cinema. A elipse
dá a entender o que aconteceu sem mostrar, no entanto, a ação.
Um outro recurso bastante utilizado no cinema é o uso de metáforas e símbolos.
Toda realidade, acontecimento ou gesto é um símbolo e a significação de uma imagem
depende do confronto desta com as outras, portanto, tudo o que é mostrado na tela tem
um sentido e, na maioria das vezes, uma segunda significação que só aparece através
da reflexão, numa relação dialética do filme com o espectador. A propósito da imagem
fílmica, é possível afirmar que existe um conteúdo explícito e um conteúdo implícito.
O som, elemento incorporado ao cinema pela primeira vez em 1927, com o filme
“O cantor de jazz” (The jazz Singer, 1927), não foi bem aceito por muitas das maiores
62
63
Eisenstein foi o primeiro a estudar a montagem cinematográfica.
MARTIN, op. cit. p. 73.
57
personalidades do cinema, embora tenha caído no gosto do público. Eisenstein
escreveu: “O som não foi introduzido no cinema mudo: saiu dele. Surgiu da
necessidade que levou nosso cinema mudo a ultrapassar os limites da pura expressão
plástica”. O som faz parte da essência do cinema, pois como a imagem, é um fenômeno
que se desenvolve no tempo.
Com a utilização do som no cinema, foi possível colocar à disposição do filme um
registro descritivo bastante amplo, proporcionando ao diretor maneiras diferentes de
organizar as relações som-imagem. Marcel Martin destaca algumas contribuições que
sua utilização trouxe à linguagem cinematográfica: o realismo, aumentando o
coeficiente de credibilidade e autenticidade da cena; a continuidade sonora ainda que a
imagem seja fragmentada; a substituição dos intertítulos (indicações escritas em
“placas” e apresentadas ao espectador através da imagem) pelo uso da palavra falada,
liberando a imagem de seu papel explicativo; a valorização do silêncio como recurso
dramático; a justaposição da imagem e do som e o som em off.
A música também se tornou, com o tempo, componente essencial das produções
cinematográficas devido ao seu valor dramático e ao forte apelo emocional que exerce
no espectador, além de elucidar lugares, acontecimentos e identificar personagens.
2.6. Montagem
A montagem merece um destaque especial por constituir, de forma efetiva, o
fundamento mais específico da linguagem fílmica. Conforme Marcel Martin64 “a
montagem é a organização dos planos de um filme em certas condições de ordem e de
duração”.
Para Napolitano65 montagem é:
Procedimento técnico que organiza a narrativa e/ou dramaticidade do
filme, entendida como tempo lógico da obra (que nem sempre coincide
com o tempo cronológico real das ações supostas pelo espectador). A
64
65
MARTIN, op. cit. p. 132.
NAPOLITANO, op. cit. p. 237.
58
continuidade estabelecida pela montagem busca a articulação de três
elementos básicos: ritmo, tensão e coerência interna da história.
Pelas definições acima, é possível perceber a importância relevante que a
montagem exerceu na produção fílmica, desde 1925, quando Sergei Eisenstein, diretor
de Encouraçado Potemkim cortou e recortou o filme colando e descolando as imagens.
Foi o primeiro cineasta a refletir sobre a importância da montagem na definição de uma
obra
cinematográfica,
desenvolvendo
estudos
teóricos
profundos
sobre
ela,
influenciado por outras artes, especialmente pelo teatro de Meyerhold66. Ele não se
referia apenas ao trabalho de recortar e colar pedaços do filme numa certa ordem, mas
num sentido mais amplo, visava à inter-relação entre eles para formar o sentido do
filme.
Marcel Martin67 divide, a princípio, a montagem em narrativa e expressiva.
A montagem narrativa refere-se ao aspecto mais simples e imediato da
montagem que consiste em reunir numa seqüência lógica ou cronológica
e
tendo
em
vista
contar
uma
história,
planos
que
possuem
individualmente um conteúdo fatual, contribuindo assim para que a ação
progrida do ponto de vista dramático... A montagem expressiva baseia-se
na justaposição de planos cujo objetivo é produzir um efeito preciso e
direto pelo choque de duas imagens produzindo constantemente efeitos
de ruptura no pensamento do espectador.
Em suma, a montagem narrativa conta uma história de forma clara enquanto a
montagem expressiva apela para o lado psicológico.
Destaca também que a montagem expressiva, onde a sucessão dos planos não
busca apenas contar uma história, mas causar um choque psicológico no espectador,
alternando-se com a narrativa, deu origem a um terceiro tipo de montagem: a intelectual
66
Vsevolod Meyerhold, figura importante do teatro russo no início do século XX. A sua concepção de ator
correspondia a alguém que pudesse executar o máximo de movimentos no mínimo tempo de reação,
indo contra a expressão dos estados de alma preconizada pelo teatro clássico. O corpo do ator deveria
ser como uma máquina bem oleada, os movimentos devem ser precisos, cronométricos. In: RAMOS, J.
L. Sergei Eisenstein. Lisboa: Livros Horizonte, 1981. p.21.
67
MARTIN, op. cit. p. 132-133.
59
ou
ideológica,
cujo
principal
teórico-prático
foi
Eisenstein,
conforme
citado
anteriormente. Este terceiro tipo de montagem tinha como objetivo orientar o
espectador para o sentido desejado, através de uma série de pressões calculadas
sobre seu psiquismo.
Com o avanço da tecnologia no correr dos anos, os cineastas criaram muitas
maneiras de criar e recriar a realidade, montando e alternando planos e seqüências
cênicas por meio da técnica da montagem. A voz foi introduzida assim como ruídos,
trilhas sonoras e efeitos especiais, resultando num verdadeiro show mostrado pela tela
sob as mais diferentes visões e variações temáticas.
2.7. Espaço e tempo
Utilizando-se da técnica da montagem, o cinema pôde representar o espaço de
formas variadas alternando planos gerais com primeiros planos, realizando tomadas de
cima para baixo, de baixo para cima, normais e oblíquas. Pôde também ir de um
espaço a outro apenas com um corte: a cena mostra uma montanha e no outro instante
o interior de um apartamento.
Marcel Martin68 destaca dois modos de representação do espaço na arte
cinematográfica: sua reprodução, mostrando-o tal como ele é aos espectadores através
dos movimentos de câmera ou a sua produção, criando espaços globais sintéticos que
são percebidos pelo espectador como únicos, mas que são produzidos por meio da
justaposição de espaços fragmentários (cortes e colagens de planos).
A concepção de espaço no cinema também foi modificada pela liberação da
posição da câmera que, conforme já citado, era fixa e apresentava ao espectador
apenas o ponto de vista frontal.
O teatro utiliza o espaço como suporte material, onde os movimentos são
articulados dentro de uma determinada estrutura expressiva pelos atores em cena.
No cinema, o espaço pode ser transformado em outro por uma simples mudança
cenográfica alternando-se os planos, como se a câmera mostrasse ora uma ora outra,
duas faces da realidade.
68
MARTIN, op. cit. p. 197.
60
O mesmo ocorre com a representação temporal, que pode ser acelerada ou
retardada pelos movimentos da câmera e recursos de montagem. O crescimento de
uma flor, por exemplo, se colocado em ritmo acelerado desobedece à ordem
cronológica e acontece em poucos segundos. O passar do tempo também pode ser
estilizado mostrando-se nuvens em movimentos rápidos e o raiar do sol, ou ainda, em
primeiro plano um relógio com os ponteiros em movimento.
No teatro isso não é possível, pelo menos não de forma tão evidente, recorrendo
ao entendimento do espectador. Um personagem sai de cena e volta com uma
aparência mais velha (cabelos brancos e barba, por exemplo). Uma elipse determinada
por um black-out69 cênico pode representar o equivalente a uma mudança de planos,
no cinema.
As mudanças espaciais ou temporais denotam ações que podem ser tanto
descritivas quanto expressivas, remetendo o espectador a aspectos narrativos ou
ideológicos da história, atendendo aos anseios do diretor e equipe de produção fílmica.
São recursos imprescindíveis para a compreensão do enredo.
2.8. Síntese parcial
Cabe relembrar, para maior compreensão, alguns procedimentos narrativos e
expressivos utilizados pelo cinema, segundo Marcel Martin70:
1. Em relação aos movimentos de câmera
•
O tamanho dos planos: plano geral, plano médio, primeiro plano, plano
americano, close-up, pormenor ou detalhe;
•
Os ângulos de filmagem: plongée (de cima para baixo, esmagadora) e
contra-plongée (de baixo para cima, exaltação), enquadramento inclinado,
enquadramento desordenado;
•
Os movimentos de câmera: travellings para frente, para trás, vertical,
panorâmicas, trajetórias (dolly ou grua, câmera na mão, steadycam);
•
Modificação do movimento: ritmo acelerado, lento, diferentes pontos de
vista, inversão, congelamento.
69
70
Escurecimento total da cena.
MARTIN, op. cit. p. 251 – 154.
61
2. Em relação à montagem:
•
Montagem narrativa (conta uma história) e expressiva (psicológica);
•
Montagem ideológica: aproximação simbólica por paralelismo (duas
imagens que se contrapõem), metáforas;
•
Montagem rítmica: rápida (alegria, violência, desvario); lenta (tédio,
ociosidade); longa (suspense), resultante da combinação dos planos em
durações diferentes;
•
Elipse: supressão de determinados planos que se faz entender pelo
desenrolar da ação;
•
Este
Passagem de um espaço a outro ou subversão do tempo cronológico.
breve
estudo
sobre
os
elementos
que
compõem
a
linguagem
cinematográfica fez-se necessário para que o leitor fosse capaz de situar-se no
universo do cinema e compreendesse alguns dos procedimentos técnicos e
expressivos fundamentais para a criação e execução fílmicas.
62
3. CAPÍTULO 3: “O cavalinho azul”: o filme
3.1. Ficha técnica
Autora: Maria Clara Machado
Direção: Eduardo Escorel
Elenco
Vicente: Pedro de Brito
Maria: Ana Cecília
Músicos: Alby Ramos, Carlos Wilson e Ariel Coelho
Palhaço: Breno Moroni
João de Deus: Renato Consorte
Mãe: Joana Fomm
Pai: Nelson Dantas
Gigante: Carlos Kroeber
Professora: Bia Nunes
Comprador Paschoal Villabom
Senhora furtada: Catarina Abdala
Vendedor de brinquedos: Emmanoel Cavalcanti
Homem: Bernardo Jablonski
2º homem: Rubens Araújo
3º homem: José Montenegro
Mãe: Maria Cristina Gatti
Vendedor de chocolate: Milton Dobbin
Velha que viu: Maria Clara Machado
1ª mãe: Sura Berditchevsky
2ª mãe: Guida Vianna
3ª mãe: Tahis Portinho
4ª mãe: Silvia Fucs
5ª mãe: Maria Clara Mourthè
Fazendeiro: Erasmo Carlos
Homem da cidade: José Lavigne
63
Homem da cidade: Ricardo Kosovski
Homem da cidade: Toninho Lopes
Instrutuor dos mocinhos: Eduardo Lago
Moradores de Valença na seqüência da praça
Adaptação e roteiro: Sura Berditchevsky e Eduardo Escorel
Narrativa em verso e letras: Cacaso
Música: Edu Lobo
Cenografia e figurino: Maurício Sette
Fotografia e câmera: José Tadeu Ribeiro
3.2. A obra no universo do Cinema infantil
Os primeiros filmes infantis de que se tem notícia na história do cinema
brasileiro, conforme artigo publicado no site www.cineBrasil.com.br, puderam ser
realizados graças ao empenho de um professor chamado Venerando Graça, que
produziu e dirigiu em 1917 três filmes: Jardim Zoológico, O livro de Carlinhos e
Façanhas de Lulu. No entanto, essas antigas produções em nada se parecem com os
filmes exibidos hoje em dia, pois além de serem filmados em preto e branco, a
qualidade técnica não era das melhores.
Somente em 1951, ainda conforme artigo supra citado, um diretor chamado
Rodolfo Nanni dirigiu um filme que, de acordo com alguns historiadores introduziu o
cinema infantil brasileiro num nível superior no que se refere à produção e qualidade
técnicas. O filme recebeu o nome de O Saci e sua história baseou-se nas obras de
Monteiro Lobato, crianças faziam parte do elenco e as músicas eram de Cláudio
Santoro.
Conforme constatou João Batista Mello71 em sua tese de mestrado no
Instituto de Artes da Unicamp:
71
Escritor e pesquisador da Unicamp. Realizou um estudo completo sobre o Cinema infantil no Brasil em
sua tese de mestrado em 2004. In: Jornal da Unicamp. Edição 262, 16 a 22 de agosto de 2004. p. 12.
site: www.unicamp.br. Artigo de Luiz Sugimoto.
64
No plano mundial, o cinema infantil nasceu como um descendente da
literatura infantil, que por sua vez foi derivada das narrativas orais e dos
contos de fadas. Antes do cinema e, mesmo depois do seu surgimento, o
mundo infantil teve laços importantes com os livros de aventura e
fantasia, as histórias em quadrinhos, as narrativas de professores, pais e
avós”, a literatura infantil também foi a grande referência dos primeiros
filmes nacionais, mas nas últimas décadas esta ligação deixou de existir e
o espaço acabou dominado por atores e personagens da televisão.
A dificuldade para se produzir filmes para crianças era grande, além disso, o
cinema brasileiro pouco se interessava por elas. Nessa época, surgiu um importante
personagem do cinema brasileiro chamado Amâncio Mazzaropi. Ele dirigiu seus
próprios filmes e atuou como um caipira engraçado que se metia em muitas confusões.
Em 1960 ele fez As Aventuras de Pedro Malazartes, uma fábula que contou com muitas
crianças no elenco. A maioria dos filmes de Mazzaropi tinha temas adultos, mas como o
ator tinha vindo do circo e era muito engraçado, acabava divertindo as crianças.
A partir dos anos 60, ainda conforme artigo já mencionado, passou-se a investir
mais nas produções do gênero. Porém, ainda de forma isolada dentro da filmografia de
alguns diretores. Nessa época, três obras de Maria Clara Machado, a mais importante
dramaturga infantil brasileira, foram transpostas para as telas. O francês radicado no
Brasil, Romain Lesage, filmou, a partir de peça homônima, Pluft – O Fantasminha
Camarada, em 1961. Em 1970, Francisco Dreux, diretor de teatro, filma seu único
longa-metragem, A Dança das Bruxas, a partir da peça A Bruxinha que era Boa. Mas a
adaptação mais elogiada foi de O Cavalinho Azul, um pouco mais tarde, em 1984,
dirigido por Eduardo Escorel: era o cinema infantil nacional dando seus primeiros
passos.
Surgiram algumas iniciativas que entraram para a história pelo inusitado. O
sergipano Wilson Silva, produtor, diretor e roteirista de todos os seus filmes, realizou o
faroeste No Tempo dos Bravos (1963), com o elenco composto por crianças. A
produção foi filmada em cenários especialmente construídos nos estúdios da Cinédia72.
72
Primeiro estúdio de cinema do Brasil localizado no Rio de Janeiro.
65
Em 1965, Walter Lima Jr., que havia iniciado sua carreira como assistente de
direção de Glauber Rocha filmou Menino de Engenho, uma adaptação do romance de
José Lins do Rego e Aurélio Teixeira, ator e diretor que, em 1970 dirigiu Meu Pé de
Laranja Lima, baseado no clássico da literatura infantil escrito por José Mauro de
Vasconcelos.
Conforme afirma João Batista Melo73, o ambiente rural e interiorano é um traço
predominante dos filmes citados, característica que foi se perdendo com o passar do
tempo, quando as produções passaram a travar um diálogo inevitável com o meio
urbano, desenrolando-se nas grandes cidades.
Na década de 60, conforme o site www.cineBrasil.com.br, surgem Os
Trapalhões, sucesso de público com vários filmes assistidos por milhões de pessoas
em todo o país. Na figura de Renato Aragão, este sucesso ainda perdura, levando
crianças e adultos aos cinemas brasileiros. Seus três últimos filmes Simão, o fantasma
trapalhão (1998); O trapalhão e a luz azul (1999) e Um anjo trapalhão (2000), conforme
publicado na Revista de Cinema (2001-2002)74 atraíram juntos cerca de 2,6 milhões de
espectadores. Desde 1965, o comediante cearense sempre manteve a média de
ocupação de 3% do total do público nos cinemas do país. Na década de 80 essa média
atingiu 8% quando as salas eram 100% ocupadas pelo público. Era a época das
chanchadas da Atlântida, das pornochanchadas, das comédias românticas de Roberto
Carlos.
Explorando o vínculo entre televisão e cinema, assim como Os trapalhões, na
década de 80, Xuxa Meneghel, a rainha dos baixinhos, começou a realizar suas
próprias produções. Segundo estatística publicada pela Revista de cinema, o filme
Xuxa e os duendes (2001) registrou venda de 2,6 milhões de ingressos. “Xuxa é a
rainha do cinema popular brasileiro”, afirma Diler Trindade, responsável pelas
produções da apresentadora.
A exibição periódica dos programas de Renato Aragão e Xuxa pela TV contribuiu
para o sucesso de ambos também no cinema.
73
74
MELO, op. cit. p. 13.
Artigo escrito por Verônica Solti e Denize Guedes em www.revistadecinema.com.br
66
Veio de Minas Gerais a produção mais significativa dos anos 80, segundo o site
www.cineBrasil.com.br. Tarcísio Vidigal e Helvécio Ratton, respectivamente produtor e
diretor, lançam A Dança dos Bonecos (1985), primeiro longa brasileiro com bonecos
articulados, criados por Álvaro Apocalypse, do Teatro Giramundo de Bonecos. Na
época o filme foi bastante elogiado pelo público e pela crítica, por criar um universo
mágico e incorporar elementos da cultura mineira. Ratton levou quase dez anos para
dirigir um segundo filme, Menino Maluquinho – O Filme (1994), transpondo para o
cinema o personagem criado em 1980 pelo escritor e cartunista Ziraldo. No rastro do
sucesso da produção, Tarcísio Vidigal produziu Menino Maluquinho 2 – A Aventura,
desta vez dirigido por Fernando Meirelles e Fabrizia Pinto.
O maior esforço de exibição já visto no cinema brasileiro aconteceu no Natal de
1995. O filme Supercolosso, baseado no programa infantil de sucesso na Rede Globo,
transferia para a tela grande os bonecos da TV Colosso. Produzido e distribuído pela
Paris Filmes, estreou em 234 salas em todo o país. Mas apesar dos esforços, a
bilheteria não atingiu os números esperados.
Apesar do grande êxito alcançado pelo filme Castelo Rá-Tim-Bum, do diretor
Cao Hamburger, uma adaptação do programa infantil da TV Cultura, o sucesso de
público dos trapalhões permanece inabalável, apenas Xuxa atualmente consegue o
mesmo patamar de bilheteria.
João Batista Melo75 postula que seria de extrema importância que o cinema
infantil estabelecesse um vínculo com a literatura, a exemplo da Europa e Estados
Unidos com Harry Potter e O Senhor dos Anéis, apenas citando os fenômenos mais
recentes do casamento entre as duas artes. No Brasil, alguns filmes baseados nas
obras de Monteiro Lobato, José Mauro de Vasconcelos e Maria Clara Machado têm
sido produzidos, no entanto são raras exceções. Embora a literatura infanto-juvenil
exerça alguma força no mercado editorial, o cinema poderia se apropriar de autores
como Ana Maria Machado, Lygia Bojunga, Ângela Lago, Tatiana Belinky, Lúcia
Machado de Almeida e Ruth Rocha.
75
MELO, op. cit. p. 13.
67
3.3. O diretor: Eduardo Escorel76
Seja montando, dirigindo, sonorizando, produzindo, e/ou escrevendo filmes que
marcaram a história recente do Cinema Brasileiro, o multi-talentoso EDUARDO
ESCOREL tem o seu nome associado, desde o início dos tumultuados anos 60, a
filmes que marcaram a história recente do Cinema Brasileiro. Curtas como Chico
Antonio, o Herói Com Caráter (1983), Século XVIII: Colônia Dourada (1994) ou Longas
como O Bravo Guerreiro (1968), Os Inconfidentes (1972), Os Condenados (1973),
Guerra Conjugal (1974), O cavalinho azul (1984) são apenas alguns dos títulos em que
trabalhou. O seu primeiro trabalho para o cinema foi em O Desafio (clássico de Paulo C.
Saraceni) como Técnico de Som. Por volta de 1960, quando começou, havia uma certa
efervescência em torno, não só do Cinema em si, mas de um Cinema feito por jovens,
com a influência da Nouvelle Vague77 assim como havia também uma ligação entre a
arte de fazer Cinema e ser militante. Era o movimento Cinema Novo em plena
ascensão, brevemente explicado no próximo item.
Neste contexto, Eduardo fez um curso com o Arne Sucksdorff (1917-2001)
Cineasta natural de Estocolmo, Diretor de Gryning, Mitt Hem Är Copacabana, Mr.
Forbush & The Penguins em 1962. Na ocasião, aprendeu a usar o gravador e gravou o
som para a finalização de Garrincha, Alegria do Povo (1963).
Seu trabalho como Técnico de Som, no entanto, foi bastante curto. Logo
começou a fazer Assistência de Direção de filmes como O Padre e a Moça, O Poeta do
Castelo, Mestre de Apicucos, O Homem do Pau-Brasil, entre outros.
Em 1966 dirigiu (Co-Direção com Julio Bressane), o documentário Betânia Bem
de Perto, com meia hora de duração.
Montar Terra em Transe (1966), certamente um dos filmes mais lembrados da
carreira de Glauber Rocha, foi uma grande oportunidade na carreira cinematográfica de
Eduardo Escorel, que teve a chance de vivenciar mais especificamente os novos ideais
76
Texto extraído de uma entrevista concedida ao site www.sitedecinema.com.br
Nouvelle vague (nova onda) Movimento de origem francesa que teve como características: montagem
que enfatiza a liberdade narrativa; fábulas construídas fora dos grandes gêneros narrativos do cinema
comercial (preferência por temas existenciais e relações humanas); câmera móvel, movimentos ágeis;
interpretação dos atores espontânea e despojada. Manifestava-se de forma contrária aos filmes de
estúdio, de esquema industrial, buscava um cinema autoral, de raízes literárias, líricas e artesanais. In:
NAPOLITANO, M. Como usar o cinema na sala de aula. São Paulo: Contexto, 2003. p. 77
77
68
do movimento Cinema Novo que acabaram por influenciar toda a sua carreira. Para ele,
o profissional de cinema deve adaptar-se ao estilo proposto pelo diretor e pela temática
do filme.
Depois de quase uma década como montador, dirigiu seu primeiro longa de
ficção Lição de amor (1975), um drama quase unanimemente prestigiado pela crítica
Latino-americana.
Em 1984 dirigiu o filme em estudo por esta pesquisa O cavalinho azul, um texto
infantil escrito por Maria Clara Machado. Em parceria com Sura Berditchevsky, que era
muito ligada ao Teatro Tablado78, adaptou o roteiro. Ela, experiente em lidar com o
público infantil, o ajudou na seleção, ensaio e laboratório com o elenco infantil do filme.
Ao dirigir, Eduardo pretendia deixar para seus filhos, assim como para todos os
amantes do cinema infantil, uma obra da consagrada escritora brasileira.
Recentemente, além de realizar o documentário Vocação do Poder (2004),
publicou o livro Adivinhadores de Água (Cosac & Naif, 2005), em que recupera
experiências criativas essenciais para a compreensão e defesa de um cinema brasileiro
não alinhado somente às propostas comerciais de produção.
É professor do curso de graduação em cinema da PUC no Rio de Janeiro e já
lecionou na Escuela Internacional de Cine y TV de San Antonio de Los Bãnos, em
Cuba.
3.4. O Cinema Novo: algumas considerações
Em 1952 aconteceram dois eventos importantes que marcaram época no
cinema brasileiro: o I Congresso Paulista de Cinema Brasileiro e o I Congresso
Nacional de Cinema Brasileiro. Nesses congressos foram discutidas novas idéias
para a produção de filmes nacionais. Uma nova temática de obras já começava a
ser abordada e concluída mais adiante, por uma nova fase do cinema que se
concretiza na década de 50, a partir do filme Rio 40 Graus (1955) de Nelson
78
O Tablado é uma escola de teatro fundada por Maria Clara Machado no Rio de Janeiro em 1951 que
permanece em atividade até hoje.
69
Pereira
dos
Santos,
de
acordo
com
artigo
publicado
no
site
www.cineclaquete.jor.br.
O filme era popular com idéias claras e linguagem simples: foi a primeira vez que
a retórica não recebeu destaque. O orçamento foi mínimo e os cenários naturais como
o Corcovado, as favelas e praças da cidade com personagens tipicamente brasileiros.
Assim nasceu o movimento que exerceu forte influência na direção do filme
estudado nesta pesquisa: o Cinema Novo. As características descritas a seguir podem
ser percebidas facilmente ao se assistir O cavalinho azul.
Conforme escreveu Carlos Roberto de Souza79, com a falência dos grandes
estúdios paulistas, cineastas da Bahia e do Rio de Janeiro resolveram agregar novos e
ousados ideais ao cinema brasileiro: filmes “baratos” e voltados à realidade brasileira,
exibindo uma linguagem adequada à situação social da época, cujos temas, em sua
maioria, envolviam o subdesenvolvimento do país. As imagens contemplavam poucos
movimentos, os cenários se apresentavam de forma simples e as falas mais longas que
o habitual.
As idéias desses cineastas eram contrárias às dos filmes caríssimos produzidos
pela Vera Cruz e às alienações culturais refletidas pelas chanchadas. O lema desse
movimento era “uma câmera na mão e uma idéia na cabeça”.
O núcleo mais popular do cinema novo na época era composto por Glauber
Rocha, Nelson Pereira dos Santos, Joaquim Pedro de Andrade, Carlos Diegues, Paulo
César Saraceni, Leon Hirszman, David Neves, Ruy Guerra e Luiz Carlos Barreto.
Ao redor dessas personalidades, o cinema novo foi composto e pode ser
classificado em três importantes fases, conforme Carlos Alberto de Souza80: A primeira
delas vai de 1960 a 1964. Nesse período os filmes eram voltados ao cotidiano e à
mitologia do nordeste brasileiro, com os trabalhadores rurais e as misérias da região.
Eram abordadas também a marginalização econômica, a fome, a violência, a opressão
e a alienação religiosa. Algumas das produções que melhor representam essa fase são
os filmes Vidas Secas (1963), de Nelson Pereira dos Santos; Os Fuzis (1963), de Ruy
Guerra e Deus e o diabo na Terra do Sol (1964), de Glauber Rocha.
79
80
SOUZA, C. A. A fascinante aventura do cinema brasileiro. São Paulo: Ática, 1981.
Idem, ibid.
70
A Segunda fase do cinema novo brasileiro tem um novo propósito: os cineastas
analisavam os equívocos da política desenvolvimentista e principalmente da ditadura
militar. Os filmes também levavam à reflexão sobre os novos rumos da história
nacional. Nessa fase, que vai de 1964 a 1968, as obras características são: O Desafio
(1965), de Paulo Cezar Saraceni, (1968), de Gustavo Dahl e Terra em Transe (1967),
de Glauber Rocha.
A Terceira e última fase do Cinema Novo, que vai de 1968 a 1972 é influenciada
pelo Tropicalismo. O movimento levava suas atitudes às ultimas conseqüências e
extravasava por meio do exotismo brasileiro, com palmeiras, periquitos, colibris,
samambaias, índios, araras, bananas. Um marco dessa fase foi o filme Macunaíma
(1969), de Joaquim Pedro de Andrade, onde se apresentava uma das grandes figuras
da chanchada, Grande Otelo, vivendo um herói sem nenhum caráter, um brasileiro
fanfarrão que luta para ganhar a vida fácil.
71
4. CAPÍTULO 4: “O cavalinho azul”: do texto à tela
As relações entre cinema e literatura são antigas e nem sempre amistosas.
Conforme afirmou Jorge Furtado em palestra proferida na 10ª Jornada Nacional de
Literatura em Passo Fundo – RS em 2003, antes da invenção do direito autoral, em
1910, os cineastas simplesmente roubavam histórias dos livros. Em 1911, Gabriele
d´Annunzio vendeu toda a sua obra, já escrita e futura, para uma empresa
cinematográfica italiana. Desde lá, milhares de livros têm sido adaptados para o
cinema. Segundo Ely Azeredo, citado por Jorge Furtado81 a Bíblia é o livro campeão de
adaptações com incontáveis filmagens. O segundo lugar é de Sir Arthur Conan Doyle,
com mais de 200 versões de Sherlock Holmes. Em terceiro lugar aparece o Drácula de
Bram Stoker. O cinema sempre aprendeu com a literatura, não só filmando suas
histórias, mas também reproduzindo seus procedimentos narrativos.
Estudos
voltados
para
a
relação
palavra/imagem
vêm
ampliando
consideravelmente seu campo de ação nos últimos anos. Trata-se não apenas de
estabelecer conexões entre a palavra e a imagem em movimento, mas também a
procura por equivalentes, ou seja, a busca, em um determinado sistema semiótico, de
elementos cuja função se assemelhe à de elementos de outro sistema de signos.
No capítulo que se apresenta, a análise da transcodificação do texto dramático
para o texto cinematográfico será trabalhada de forma a identificar no sistema semiótico
sincrético que é o cinema, a presença dos diálogos e das didascálias escritas pela
autora do texto, ou seja, de que forma o diretor Eduardo Escorel transpôs para a tela a
história escrita e descrita por Maria Clara Machado.
Considerando que o teatro possui recursos limitados em relação à vasta gama
de opções oferecidas pelo cinema em relação à composição técnica e artística, faz-se
necessário esclarecer que a obra não poderia ser re-interpretada com 100% de
fidelidade, ou perderia em qualidade e criatividade. Por isso, algumas cenas foram
acrescentadas a fim de intensificar o conflito dramático.
A análise será feita através da identificação dos procedimentos cinematográficos
descritos no 2º capítulo, verificando em que momentos foram utilizados na montagem
81
Palestra proferida na 10ª Jornada Nacional de Literatura em Passo Fundo – RS em 2003
72
fílmica e qual o efeito que produziram nas cenas destacadas, que correspondem
àquelas que foram acrescentadas à obra cinematográfica, ainda que não constantes do
texto escrito.
O cavalinho azul é composto por nove cenas discriminadas pela autora. Alguns
fragmentos destas cenas serão transcritos e analisados, conforme supracitado.
Os cenários indicados pelo texto82 variam de uma para outra cena, situando-se
dentro das possibilidades de uma montagem teatral, conforme segue:
O palco vazio com fundo azulado. Os elementos das várias cenas vão sendo colocados à
medida que a ação se desenrola.
1.ª cena: Sugestão de uma casa.
2.ª cena: O mesmo.
3.ª cena: Cena vazia.
4.ª cena: Sugestão de arquibancada de circo. 3 cadeiras.
5.ª cena: O mesmo.
6.ª cena: Cena vazia.
7.ª cena: Sugestão de uma cidade: um coreto.
8.ª cena: O curral do cowboy.
9.ª cena: Cena vazia.
No filme, devido à multiplicidade de recursos, os cenários são naturais, variando
angulações e enquadramentos. As mudanças de cenário são realizadas através de
mudanças de planos, com cortes e montagens. Paisagens são exploradas a fim de
elucidar com maior clareza os cenários referentes a cada cena.
A indicação textual que introduz a primeira cena83 é composta por recursos
teatrais:
(Ao abrir-se o pano, vê-se apenas o palco vazio. Enquanto se ouve a
música n.º 1A, 1B, um velho de longas barbas, maltrapilho e vagabundo,
simpático e bonachão se dirige em direção à platéia segurando um
tamborete.)
82
83
MACHADO, M. C. Teatro II. 6.ed. Rio de Janeiro: Agir, 1985. p. 13.
MACHADO, M. Idem, ibid. p. 13
73
João de Deus, um personagem que pode ser considerado o narrador da história,
se apresenta e vai apresentando cada um dos personagens enquanto as didascálias
indicam as ações dos personagens no palco: Ex: “(Mostra)”; “(Pela esquerda entram o
pai e a mãe carregando a casa)”, “(...se vê um menino pobre puxando uma enorme
corda que prende ao pescoço de um velho pangaré, sujo, magro, com cara infeliz)”.
Na montagem cinematográfica ela se amplia e tem início ao som de uma música
suave com a câmera mostrando um plano geral das montanhas (fig. 1) com um
travelling para frente até a imagem fundir-se no personagem João de Deus, sentado
nas montanhas (fig. 2).
Fig. 1
Fig. 2
A seguir, mostra uma panorâmica da paisagem que se funde novamente no rosto
do personagem João de Deus que aparece em primeiro plano. Novo travelling, agora
para trás. A fusão, ou seja, a substituição de um plano por outro pela sobreposição
momentânea da imagem de João de Deus sobre a paisagem, tem o objetivo de situá-lo
como parte da natureza, misturando-se a ela, numa alusão a Deus. O apelo visual do
personagem através do figurino e postura ilustra esta idéia.
Começa a tocar a música tema do personagem com notas suaves e tranqüilas,
adequadas ao contexto. A imagem mostra novamente um plano geral das montanhas
com a câmera fixa e João de Deus aparece entrando pelo lado direito e sentando-se
nas pedras. Começa a narrar a história face à câmera, dirigindo-se ao espectador,
trazendo-o para a cena, sensibilizando-o para o início da história. Um travelling para
frente coloca seu rosto em primeiro plano (fig. 3). Há uma mudança de plano e uma
tomada geral das montanhas é mostrada novamente. À esquerda destacam-se as
pernas de João de Deus em primeiro plano, como se quisesse dizer que o mundo,
representado pela imensidão da paisagem à sua frente estivesse aos seus pés, como
74
estão aos pés do próprio Deus. (fig. 4). Ele afasta-se da câmera e senta-se nas pedras,
ficando inteiro à mostra no enquadramento central. (fig. 5). Um close em seu rosto
aproxima-o novamente do espectador. Esse jogo de câmeras e planos só é possível
graças aos recursos específicos do cinema, sendo que no texto escrito, cabe ao diretor
direcionar as ações dos personagens no momento de criar o espetáculo teatral.
Fig. 3
Fig. 4
Fig. 5
Enquanto João de Deus narra, conforme descrita na cena do texto, a câmera
apresenta os personagens: mostra num plano geral a casa de Vicente (fig. 6), sua mãe
no fogão (fig. 7) e seu pai tirando leite da vaca (fig. 8), mudando-se os planos.
Fig. 6
Fig. 7
Fig. 8
Em seguida, noutra mudança de plano, a câmera acompanha Vicente vindo pela
estrada com seu cavalo (fig.9).
Fig. 9
O ponto de vista desta seqüência é objetivo, ou seja, representa a visão do
espectador, fazendo o mesmo papel do narrador no texto dramático, apresentando os
75
personagens. Este tipo de angulação situa o espectador no papel de observador
enquanto aguarda os acontecimentos que estão por vir.
Vale ressaltar o poder criador da câmera, montando cenários de acordo com os
enquadramentos e angulações, movimentando-se e narrando a história. No cinema é
possível conhecer mais a fundo cada personagem e seu mundo.
Um outro fragmento de cena transposto para a tela com riqueza de recursos é a
de Vicente brincando com o seu cavalo, como se estivesse num circo. Como vê o seu
animal de uma maneira diferente das outras pessoas (azul, que canta, dança e voa),
vê-lo trabalhando num circo, rodeado de luzes e aplausos é o seu sonho. Vicente vive
esse sonho, mergulha num mundo mágico ao som de um espetáculo circense. Os
procedimentos técnicos utilizados para ilustrar esse sonho transformam a cena num
momento fantástico, onde o espectador se emociona e vive com ele seu momento de
magia, ampliando o poder de persuasão em relação ao texto escrito ou encenado.
Primeiro, a câmera mostra Vicente falando e correndo ao redor do cavalo num
plano geral (fig. 10); em seguida a câmera dá vários giros de 360º com closes no rosto
do cavalo mostrando a visão de Vicente (fig. 11) e, em seguida, no rosto de Vicente,
mostrando a visão do cavalo (fig. 12). O ponto de vista subjetivo, ou seja, mostrando a
visão dos personagens, transporta o espectador para a cena, fazendo-o sentir-se parte
dela, aumentando o poder de catarse84. O movimento giratório da câmera fica mais
rápido e ouvem-se ruídos de vozes, chicote e música circense enquanto Vicente dá
ordens para o cavalo. O próprio movimento giratório da câmera remete ao contorno do
circo. Ao fundo luzes e cores se misturam e ao final ouvem-se aplausos. O fundo
distorcido e colorido remete ao imaginário de Vicente, seus sonhos de criança.
Essa cena demonstra claramente como as tomadas cinematográficas são
capazes de produzir emoções, sobretudo pela imagem fixa no rosto extasiado de
Vicente enquanto vive a sensação de estar no circo.
84
Catarse: possibilidade de o espectador sentir-se como o personagem; identificação. Termo criado por
Aristóteles.
76
Fig. 10
Fig. 11
Fig. 12
Ao ouvir a voz da mãe chamando-o, a cena volta para o sítio mostrando Vicente
ao lado de seu cavalo num plano médio. A voz da mãe de Vicente pode ser
considerada a voz da razão, da seriedade, do mundo que constantemente chama à
realidade, deixando para trás a fantasia e a imaginação. A fala de Vicente85 ilustra essa
afirmação.
(Baixo, para o cavalo.) Não liga não, meu cavalinho. (Para a platéia.)
Mamãe chama meu cavalinho de sujo e velho, porque ela pensa que ele
é sujo e velho, porque mamãe é gente grande e gente grande tem que
lavar roupa, fica cansada e maltrata o cavalinho sem querer. Como é que
ela pode saber a cor do meu cavalo se nem vê ele direito de tanto
cozinhar, arrumar e lavar roupa? Também ele anda um pouco sujo hoje,
mas é porque a água do nosso rio está quase seca, não lava mais direito,
(Para o cavalo.) Mas amanhã vou também te levar num rio muito grande,
muito branco de tão limpo, que passa perto da campina verde. Lá você
tomará um banho e vamos para o circo. Quem não estiver muito limpo e
lindo também não pode entrar no circo, está ouvindo?
Vicente vai à escola, cena que não está descrita no texto dramático, mas pode
ser considerada de suma importância, pois os conceitos ensinados pela professora
povoam o seu imaginário, pois não conhece muita coisa além de seu sítio e a pequena
cidade vizinha. As definições de ilha, istmo e arquipélago tomam proporções de lugares
perigosos e cheios de aventura; lugares por onde pretende passear com o seu cavalo,
conforme escreveu Maria Clara86:
85
86
MACHADO, op. cit. p. 16.
MACHADO, idem, ibid. p. 18
77
VICENTE: Você sabe o que é uma ilha? É uma quantidade de terra
cercada de água por todos os lados... Um istmo (Diz baixinho, como
procurando decorar.) Um istmo... é... Sabe, cavalinho, nós vamos lá... nós
vamos na ilha cercada de água por todos os lados, cercada de istmos...
de cabos, de tudo. Depois vamos ao promontório. Depois eu monto em
você e saímos correndo atrás das capitanias hereditárias... Vai ser ótimo!
O pai de Vicente decide vender o cavalo, cena apenas sugerida nas indicações
textuais através de uma conversa com João de Deus.
Já no filme tal fragmento de cena é representado com a atuação dos
personagens e não apenas narrada como no texto dramático.
Num plano geral, a câmera acompanha o pai que carrega o cavalo amarrado por
uma corda chegando na cidade (fig. 13). Ouvem-se sons de sino de igreja e vozes.
Figurantes ao fundo representam os moradores da cidadezinha.
Numa mudança de plano é mostrado o rosto de um morador, em primeiro plano
dizendo que não quer comprar o cavalo (fig. 14). Há uma elipse nesta cena, pois faz o
espectador entender que o pai lhe ofereceu o cavalo, embora não o tenha feito de fato.
Fig. 13
Fig. 14
O pai senta-se num banco ao lado do cavalo, desolado, repensando sua atitude
em vender o animal. Mais à frente, num enquadramento central aparecem em detalhe
as botas de um homem (fig. 15). Som grave, suspense. O plano se alterna com a
imagem assustada de Vicente, em plano médio que brinca em seu sítio (fig. 16).
78
Fig. 15
Fig. 16
Esta alternância de planos, de forma rápida, sugere ao espectador que o menino
e seu cavalo possuem uma ligação muito forte, a ponto de o menino saber o que
acontece com o seu animal. Essa mesma alternância de planos aparece novamente
quando o pai vende o cavalo. A câmera fixa, num ângulo frontal mostra o pai
caminhando em direção à câmera. Ao se aproximar deixa ver, ao fundo, o homem que
leva o cavalo, de costas para o espectador, afastando-se em sentido oposto (fig. 17)
alternando para o sítio onde a câmera acompanha em plongée Vicente correndo triste
até à estrebaria onde ficava o seu cavalinho (fig. 18). Vicente chora a perda do sonho.
Fig. 17
Fig. 18
A angulação em plongée, na figura 18, tende a apequenar o menino, correndo
em vão atrás de seu animal, como que o afastando de seu objetivo, aumentando o
sentimentalismo da cena. A música suave ao fundo e, posteriormente a entonação
vocal de Vicente, quase num lamento, aumentam o grau de emoção e envolvimento do
espectador com a situação que se passa na tela. Causa ainda uma certa repulsa pelo
ato do pai, que não se preocupou com o menino, embora desperte também uma
reflexão sobre a necessidade financeira da família. Essas sensações, aguçadas pela
movimentação da câmera, levam o espectador a vivenciar a história de forma mais
direta. A postura cabisbaixa do pai na figura 17 sugere descontentamento pelo ato da
venda e que, se o fez, foi por uma questão de necessidade. O enquadramento que
79
deixa à mostra o homem levando o cavalo em sentido oposto provoca sensação de
distanciamento, abandono, tristeza.
No início da 2ª cena, Vicente está sentado na escada, triste com uma bola que
seu pai lhe deu, como que querendo recompensá-lo pela venda do animal. Decide ir
atrás de seu cavalinho. Então, solta a bola que tinha na mão e a câmera a mostra em
detalhe (fig. 19).
A seguir entra em casa, prepara suas coisas para a viagem e deixa um bilhete
sobre a mesa da cozinha. A câmera novamente mostra o bilhete em detalhe. (fig. 20).
Os enquadramentos em detalhe, citados acima, foram utilizados para intensificar
a tensão dramática e aumentar a expectativa, pois toda a história, ou melhor, a
aventura vivida por Vicente tem início a partir dessa cena. Mostrou que a bola não tinha
para ele a menor importância, mas a família sim, por isso avisou que sairia de casa. A
frase deixada no bilhete: “Volto logo” demonstra a intenção de tranqüilizar seus pais
antes de partir em busca de seu sonho.
Fig. 19
Fig. 20
Assim como todas as imagens, estas também apresentam um conteúdo explícito
e um conteúdo implícito. O que se vê retratado são apenas objetos; no entanto dotados
de significação que só será transmitida através da reflexão. São as metáforas, muito
utilizadas no discurso cinematográfico, assim como os símbolos.
A bola, que representa a brincadeira, a infância, ao ser deixada para trás,
simboliza o amadurecimento de Vicente; a tomada de decisão de trocar a brincadeira
pela seriedade de procurar seu cavalo, seu sonho, seu ideal, e toda a história se
desenrola a partir dessa decisão. Sua viagem está começando.
80
A 3ª cena é composta por um diálogo entre Vicente e João de Deus sobre a
busca pelo cavalinho, tanto no texto como no filme. Neste diálogo Vicente o confunde
com Deus, fato que o velho confirma num diálogo divertido e ao mesmo tempo
emocionante, onde a inocência de Vicente pode ser entendida como a necessidade da
crença no fantástico, no divino, no apoio nos momentos difíceis.
O início da 4ª cena ilustra de forma clara como os movimentos cênicos foram
transpostos para a tela. É possível perceber que as indicações feitas para o palco foram
enriquecidas pelos recursos cinematográficos.
A indicação textual
87
diz: “o velho puxa a pequena arquibancada” (para montar o
cenário alusivo a um circo).
No filme, como o cenário é natural, a câmera mostra num plano geral um circo de
verdade, com cores e formas que encantam o olhar do espectador. Vicente aparece de
costas e caminha em direção a ele, afastando-se da câmera que continua fixa.
Enquanto caminha, são mostrados em primeiro plano num leve travelling horizontal
cartazes com as atrações do circo (animais, mulher barbada...) acompanhados de um
som grave que sugere suspense (fig. 21, 22 e 23) alternando os planos com o olhar de
Vicente.
Fig. 21
Fig. 22
Fig. 23
Os closes nos cartazes são alusões aos perigos que Vicente enfrentará em sua
busca, já que os animais aparecem em posição de ataque, com expressões
assustadoras acompanhados por um som que remete ao suspense. Novamente a
metáfora se faz presente ao relacionar os animais do circo aos perigos da viagem que o
menino está começando. Seu caminhar firme, embora cauteloso em direção à porta do
87
MACHADO, op. cit. p. 29.
81
circo mostra sua determinação e sua coragem em perseguir seu ideal, ainda que o
medo apareça.
A câmera mostra a entrada do circo num travelling para frente. Vicente se
aproxima, de costas para o espectador até colocar a cabeça para dentro do circo,
espiando pela cortina. (fig. 24). O plano reaparece mostrando o lado de dentro do circo
(fig. 25) e segue com a visão de Vicente numa panorâmica pelo seu interior. Vê os três
músicos, a menina e o palhaço, que começa a apresentar o espetáculo e é mostrado
em plano americano ao som de tambores.
Fig. 24
Fig. 25
A montagem de planos descrita acima mostra a riqueza dos recursos técnicos do
cinema na elaboração cênica. Leva o espectador para dentro do circo, junto com o
olhar espantado do menino. Cria um certo suspense, pois o circo só é mostrado do lado
de dentro a partir do momento que Vicente espia, conforme mostrado na figura 25. Na
indicação textual, o circo inteiro já aparece antes no palco, diminuindo a expectativa.
Novamente se torna evidente a eficácia da utilização dos recursos técnicos próprios da
linguagem cinematográfica.
O palhaço, personagem que no texto dramático não possui um grande destaque,
no filme adquire importância maior e se mostra contrariado a cada ação de maldade
cometida pelos músicos. Algumas cenas demonstram esta afirmação, como quando o
músico toca bateria e o pedal do bumbo bate bem no rosto do palhaço, desenhado
nele; também nos vários momentos em que dão ordens incessantes e arrogantes para
ele ou ainda quando os três caminham de mãos livres enquanto ele carrega toda a
bagagem. Os sons que acompanham essas cenas, ora alegre, ora triste, colaboram
para expressar as emoções do personagem.
82
O palhaço se deixou conhecer pela maneira como se revelou, ou melhor, como a
câmera o fez revelar-se mostrando em primeiro plano e closes exagerados expressões
faciais e gestos, deixando claro ao espectador sua personalidade e o fato de que servia
aos músicos porque era obrigado. Sua voz e entonação vocal também foram decisivas
para ilustrar essa afirmação. Ainda a forma como os músicos o viam, e demonstravam
através das ações e diálogos, foi capaz de revelá-lo como descrito.
Esta observação remete ao primeiro capítulo, quando Décio de Almeida Prado e
Massaud Moisés são citados acerca do assunto88.
O papel criador da câmera revela ao espectador características dos personagens
com maior clareza, pois mostra através de imagens, sons e movimentos ações e
expressões com detalhes. Ao ler o texto, cabe ao leitor idealizá-los, já que a história
ganha vida na sua imaginação. Da mesma forma, o diretor teatral, ao colocar no palco o
texto escrito também obedece às imagens criadas pelo seu imaginário, associadas ao
seu contexto de vida. No cinema, a câmera exerce papel fundamental na criação e
produção.
Vale ressaltar a movimentação e a angulação da câmera em relação ao
personagem João de Deus, sempre mostrado em contra-plongée quando é visto (fig.
26), agigantando-o diante do espectador e em plongée quando a visão é a dele (fig.
27), denotando que está no alto e vê as coisas do alto, reforçando a idéia já citada de
que o personagem é uma alusão ao próprio Deus. Os planos que mostram sua
presença ao lado de Vicente e Maria em alguns momentos sem, no entanto, mostrá-lo
chegando, leva a crer que ele simplesmente apareceu ali, fato impossível para qualquer
ser humano. Também cria a ilusão de que ele os acompanhou por toda a trajetória, ora
como narrador, ora como personagem, o que acontece em todo o filme.
Tanto o palhaço como João de Deus são personagens simbólicos, idealizados
pelo diretor para levar o espectador à reflexão e ampliar a mensagem da trama.
O ponto de vista subjetivo coloca frente à frente, numa relação dialógica direta
personagem e espectador.
88
Primeiro capítulo, página 15.
83
Fig. 26
Fig. 27
No texto, a descrição inicial da 6ª cena indica que os personagens passam pelo
palco cansados, enquanto João de Deus narra a trajetória das crianças.
No filme, esta cena inicia-se com a câmera mostrando em detalhe alguns objetos
deixados por Maria no chão, a fim de marcar o caminho para a volta. Ouvem-se sons
agudos acompanhando o movimento da câmera ao alcançar os objetos em travelling
lateral (fig. 28)
Fig. 28
Neste fragmento pode-se perceber a influência dos contos maravilhosos,
recorrendo à história de João e Maria, quando ela deixa pedrinhas no chão para marcar
o caminho enquanto vão levar o almoço ao pai que está na floresta trabalhando. Tal
fato busca uma identificação com as histórias de tradição oral e contos de fadas e/ou
maravilhosos em função do fascínio que exerce sobre as crianças, público alvo do filme
em questão.
Vicente diz que não precisa deixar os objetos, pois o cavalinho saberá o caminho
e ela os recolhe. No entanto, se esquece de um que a câmera focaliza em detalhe,
acompanhada de um som grave, que sugere suspense. Remete ao recurso de
continuidade, sugerindo que este objeto terá importância numa ação seguinte.
Numa mudança de plano os três músicos são mostrados de bicicleta seguidos
pelo palhaço. A câmera acompanha num travelling lateral. (fig.29).
84
Fig. 29
Close no objeto que ficou no chão. A bicicleta passa por cima e explode um
pneu. Todos caem.
O travelling para acompanhar faz com que o movimento dos
músicos na bicicleta sejam vivenciados pelo espectador, acompanhando-os.
Um plano geral mostra Vicente e Maria numa trilha na mata de costas,
caminhando em sentido oposto à câmera em plongée. (fig. 30), como se fosse a visão
do velho, do alto, com a intenção de fazer com que o caminho se mostre amplo e a
aventura das crianças exageradamente grande. O enquadramento central mostrandoos a caminhar denota a determinação e a coragem diante do longo caminho a ser
percorrido.
O velho é mostrado, narrando a viagem dos meninos em contra-plongée numa
mudança de planos, dirigindo-se ao espectador (fig. 31)
Numa outra mudança os músicos são mostrados caminhando, num plano geral
(visão do espectador) enfaixados, machucados e mancando (fig. 32). Som de
decepção. Travelling para acompanhar.
Fig. 30
Fig. 31
Fig. 32
85
As cenas que envolvem os músicos, apesar de representarem os vilões da
história, são dotadas de humor, onde eles acabam sempre “se dando mal”. De uma
forma divertida e leve, quer dizer às crianças que o mal não compensa.
Os três músicos vêem um carro e entram nele a fim de roubá-lo. Sentem a falta
do palhaço. Saem na ponta dos pés acompanhados por um som e pela câmera num
travelling lateral. Numa mudança de planos o palhaço é mostrado sentado no chão,
num enquadramento central comendo um bolo de forma engraçada. Close no rosto dos
três músicos que lhe dão uma bronca. Os três se abaixam e entram no enquadramento
do palhaço e os quatro comem o bolo. Novamente uma cena de humor.
O plano muda e uma mulher é vista pelo lado de fora de uma janela. Aproximase. Câmera fixa. Em primeiro plano uma bandeja vazia é mostrada no parapeito da
janela. Detalhe que leva o espectador a deduzir que eles roubaram o bolo, constituindo
uma Elipse (fig. 33). A mulher se aproxima da janela e os planos se alternam mostrando
ora ela, ora os quatro comendo o bolo. Eles fogem no carro que, apesar da câmera
mostrar num ângulo frontal, com os rostos em primeiro plano (fig. 34), sugere estar em
movimento, enquanto ouvem-se os gritos da mulher cada vez mais longe.
Os três continuam a fazer maldades, ampliando o conflito dramático, provocando
no espectador o desejo de que sejam punidos.
Fig. 33
Fig. 34
O velho continua narrando a história em contra-plongée. A câmera mostra um
plano geral de Vicente na estrada. Maria entra no mesmo plano correndo e dizendo que
encontrou o cavalinho azul. Os dois correm de costas para a câmera que mantém o
mesmo plano (fig. 35). Há um corte e os dois são mostrados de frente (fig. 36) numa
86
mudança de plano, correndo em direção à câmera. Música num crescente.
Enquadramento que desperta expectativa, tensão.
Essa cena, no filme se torna grande, com vários cenários, todos naturais e
enquadramentos variados, diversificando o ritmo. Conforme as indicações textuais, se
fosse representada num palco, seria previsível e num único cenário, obrigando o diretor
a criar soluções adequadas para a linguagem teatral. O ritmo seria determinado pela
movimentação corporal dos atores num único espaço, ao contrário do que acontece no
cinema através do recurso da montagem.
A câmera mostra um carrossel com um cavalo azul (fig. 37) num plano geral,
alternando com o olhar decepcionado de Vicente num plano americano (fig. 38). Não
era o cavalo que procurava.
Fig. 35
Fig. 37
Fig 36
Fig. 38
A figura 38, ao mostrar Vicente de costas para o carrossel demonstra que ele já
deixou para trás a decepção e seguirá em frente em sua busca. Seu olhar para frente
parece já buscar um novo caminho a seguir.
Cansados, Vicente e Maria dormem embaixo de uma árvore (fig. 39), mostrados
num enquadramento frontal central. São vistos em plongée por João de Deus (fig. 40)
que se aproxima e canta uma canção de ninar com seu rosto em primeiro plano.
87
Fig. 39
Fig. 40
O cansaço, comum a todos que lutam para conquistar seus sonhos também
atinge as crianças. A árvore sob a qual se deitam transmite a idéia de acolhimento e a
angulação em plongée na figura 40 tem a intenção de mostrar a pequenez do homem
diante da grandiosidade da vida. A verticalidade da árvore transmite sensação de
ascensão e sua sombra de aconchego.
Chegam à cidade onde ninguém os ouve. O filme mostra cenas onde aparecem
pessoas caminhando apressadas e falantes (fig. 41).
O ritmo é rápido e determinado pela movimentação cênica dos atores, que
acontece de forma ordenada, lembrando uma montagem coreográfica.
Fig. 41
Os sons e a movimentação da cidade denotam que todos estão muito ocupados
para dar ouvidos às necessidades alheias.
Uma figura que merece destaque na história, embora apareça uma única vez, é
a velha-que-viu devido à importância do que ela representa: a esperança, o incentivo,
alguém que ainda acredita em sonhos quando todos já desistiram. Aparece num
88
momento crucial da história, quando as dificuldades vividas por Vicente e Maria estão a
ponto de fazê-los desistir da busca89.
VICENTE: (Gritando acima de todas as vozes.) Quem viu meu
cavalo azul? Quem viu meu cavalo azul? (Toda a cidade desaparece,
ouve-se então a voz da Velha-Que-Viu.)
VELHA-QUE-VIU: Eu vi... Eu vi. (Entra em cena, vestida de uma maneira
estranhamente fora de moda, como estas loucas que usam chapéu, xale
e bolsa e que, em outras épocas, foram elegantes.)
VICENTE: (Precipitando-se para ela.) Viu? Azul?
VELHA-QUE-VIU: Todo azul com enormes asas para voar na terra.
A velha é mostrada num plano geral no meio de uma fumaça densa, sugerindo
mistério, sobrenatural, divino, denotando a alegoria que a personagem representa na
história. (fig.42). Aproxima-se de Vicente que a ouve em êxtase. São mostrados num
plano frontal americano (fig. 43). A velha, enquadrada frontalmente dirige-se ao
espectador, colocando-o na posição de Vicente acompanhando seu entusiasmo ao falar
do cavalinho azul que viu.
Fig. 42
Fig. 43
A velha-que-viu trouxe de volta a Vicente a esperança de encontrar seu cavalo e
pode ser vista como as pessoas que ainda acreditam em sonhos, fantasias e são
89
MACHADO, op. cit. p. 50
89
capazes de despertar nos outros essa crença. Conforme Nelly Novaes Coelho90 é o
mediador, o “ajudante mágico”, também citado por Wladimir Propp91 quando trata da
estrutura dos contos maravilhosos, aspectos mencionados posteriormente. Esta
afirmação pode ser ilustrada na cena onde a velha desaparece correndo e reaparece
sentada no alto do coreto da praça enquanto se ouvem sons que sugerem suspense. A
magia dos contos maravilhosos faz-se presente na obra de Maria Clara Machado, que
no filme faz o papel da velha. O “maravilhoso” e sua importância na formação da
criança é parte integrante do primeiro capítulo.
Os três músicos raptam a velha e Vicente novamente se entristece, mas não
desiste, pois agora tinha um novo motivo para procurar seu cavalo: alguém o viu.
Um vendedor o aconselha a procurar no curral do cowboy.
O caminho para o curral do cowboy, no início da 8ª cena apenas narrada pelo
personagem João de Deus no texto é representada no filme. Vêem-se Vicente e Maria
ao fundo, numa estrada entre árvores num plano geral. Caminham em direção à
câmera. O plano muda mostrando uma bifurcação à frente (visão das crianças – ponto
de vista subjetivo – fig. 44). Há uma mudança de plano e as duas crianças são
mostradas de frente num plano americano (fig. 45). Decidem ir pela estrada da
esquerda. O plano muda novamente e mostra os dois de costas indo pela estrada,
afastando-se da câmera (visão do espectador – ponto de vista objetivo – fig. 46).
Fig. 44
90
91
Fig. 45
Fig. 46
COELHO, N. N. Literatura Infantil: teoria, análise, didática. São Paulo: Moderna, 2000.
PROPP, W. I. Morfologia do conto maravilhoso. Rio de Janeiro: Forense-Universitária, 1984.
90
A bifurcação encontrada pelas crianças significa o livre arbítrio, as escolhas que
a vida exige que sejam feitas a todo o momento e das quais depende o futuro.
Ao enquadrar a bifurcação de frente na figura 44, a câmera coloca o espectador
diante do desafio de escolher um dos dois caminhos, junto com os protagonistas da
história.
Os três músicos, em seguida, aparecem num outro plano da mesma forma que
Vicente e Maria, sugerindo perseguição. Param na bifurcação. Mesma movimentação
de câmera. Seguem pela estrada da direita, de costas até desaparecerem do ângulo de
visão da câmera.
Novamente o espectador é colocado na posição de escolher, e ainda torcer para
que os músicos não sigam pelo mesmo caminho escolhido pelas crianças, na tentativa
de que assim possam perdê-los de vista. Os enquadramentos frontais são utilizados
com o intuito de deixar o espectador diante das mesmas situações vividas pelos
personagens, fazendo-o participar da história.
Numa mudança de plano a câmera mostra Vicente e Maria num ângulo frontal,
plano americano olhando para a câmera. O plano muda e mostra um abismo nas
montanhas (visão das crianças – fig. 47) e a seguir um close nos rostos decepcionados.
(fig. 48 e 49).
Fig. 47
Fig. 48
Fig. 49
O abismo mostrado tem a conotação de vazio, insegurança, incerteza na
continuidade da busca. A decepção estampada nos rostos em close leva o espectador
a sentir-se decepcionado também, como que dialogando com Vicente e Maria.
Maria se irrita, mas Vicente, sem dizer uma só palavra corre em sentido oposto à
câmera demonstrando que ainda acredita. Diante da atitude de Vicente, Maria também
91
continua, o que pode ser interpretado como um exemplo, um apoio de um amigo na
hora certa, quando tudo parece “dar errado”.
Afastam-se do ângulo de visão da câmera de costas (visão do espectador).
Plano geral da visão do curral em plongée. Som de grilos. Noite. (fig. 50). O
plano muda com a câmera num travelling para cima mostrando em primeiro plano o
rosto dos três músicos iluminados por uma lanterna. Som de suspense. (fig. 51). A
movimentação de câmera dá a entender que os músicos chegaram primeiro ao curral,
já que as crianças erraram o caminho. Tal situação gera expectativa: o que acontecerá
quando Vicente e Maria chegarem? Os músicos pulam a porteira e vão iluminando os
cavalos. A câmera os segue num travelling para acompanhar, lateral.
Fig. 50
Fig. 51
Os recursos cênicos para o palco, indicados pelo texto são outros e demonstram
a diferença das linguagens e seus recursos92:
VELHO: O caminho para o curral do Cowboy era muito comprido. Vicente e
a meninazinha começaram a andar pela estrada, mas se perderam no
caminho. (Enquanto o velho fala no proscênio, os meninos passam com a
música n.º 1B)... e foram para longe do curral. (Cessa a música.) Mas os
velhos, que são bandidos muito espertos, vão chegar primeiro ao curral.
Neste lugar o cowboy criava cavalos para vender aos circos. Eram,
portanto cavalos ensinados. (Entram os quatro cavalinhos brancos. Os
atores que vestem a cabeça dos cavalinhos brancos entram de lado,
levando uma única peça de cenário que esconde o corpo e as pernas dos
atores e representa o curral). De noite os bandidos chegaram. Estava muito
92
MACHADO, op. cit. p. 59.
92
escuro. (Escurece em cena enquanto surgem os três bandidos com
lanternas e começam a procura, iluminando a cara de cada cavalo que
levanta o focinho à medida que é iluminado.)
A sensação de realidade passada através dos closes, angulações e
enquadramentos não aconteceria numa representação teatral, conforme indicado no
texto. Além disso, o ângulo de visão do espectador de teatro é outro, como se fosse
uma câmera fixa num enquadramento frontal, não sendo possível detectar expressões
faciais em detalhes nem planos extremamente amplos.
A proximidade e o distanciamento entre a câmera e os personagens, assim como
entre ela e os cenários, transportam o espectador para a cena de uma maneira
diferente, tanto na leitura do texto, quando é o leitor quem cria as cenas, como na
representação teatral.
Os recursos cinematográficos ampliam a sensação de realidade.
Vicente e Maria, no curral, descobrem que os três músicos são bandidos e
queriam roubar o cavalinho azul. São amarrados e ameaçados por eles que queriam a
todo o custo o animal para ficarem ricos com ele. Auge do conflito dramático. Início do
desfecho. O palhaço salva os meninos e o cowboy prende os bandidos. O bem vence o
mal, como nos contos maravilhosos.
Maria desiste da busca e vai embora levada por João de Deus, que esteve sempre
presente em todo o desenrolar da história. No texto, sentado no proscênio; no filme
aparecendo através da mudança de planos, subvertendo a ordem espaço-temporal.
Na última seqüência fílmica, que no texto é apenas narrada por João de Deus, o
desfecho surpreende pela perseverança de Vicente diante das dificuldades da busca,
conforme se pode perceber pela descrição a seguir.
Num plano geral, depois que a menina vai embora com o velho, a câmera mostra
Vicente seguindo por uma grande estrada num plano amplo, segundo a visão do
espectador. Depois mostra uma cachoeira. Vicente entra pelo lado inferior direito da
93
tela, no mesmo plano, e é mostrado de costas. Vira-se e seu rosto aparece num plano
médio olhando para cima (fig. 52) e a seguir a cachoeira (fig. 53), alternando os planos.
Fig. 52
Fig. 53
O olhar cansado de Vicente é revigorado pela força das águas da cachoeira, cuja
significação remete à limpeza da alma, renovação de energias. O movimento contínuo
da cachoeira, sem alterar sua forma simboliza o próprio correr da vida.
O menino, tão pequeno diante da grandiosidade dessa força da natureza sentese forte novamente para continuar sua busca. A angulação em contra-plongée mostra a
visão de Vicente e provoca uma sensação de superioridade, exaltação, triunfo.
A câmera movimenta-se num travelling vertical, mostrando ao espectador o lugar
para onde Vicente olhava: uma ponte onde ele aparece caminhando num plano geral
(fig. 54). Seu olhar e sua aparição em seguida remetem ao recurso de continuidade,
presente em boa parte destas últimas cenas, conforme poderá ser percebido.
Fig. 54
A ponte pode ser interpretada como a passagem para outra realidade, um lugar
por onde se passa para chegar a outro, a ligação entre dois mundos: o real e o
imaginário. A trajetória de Vicente significa a passagem do seu mundo de criança pobre
no sítio para um menino aventureiro, forte, que desafia perigos e enfrenta bandidos, ou
seja, a sua transformação interior, sua vontade de crescer, amadurecer, de deixar de
94
ser criança e torna-se adolescente, quando os referenciais se modificam e há o desejo
de mudar o mundo, correr atrás do sonho.
Os planos mudam rapidamente imprimindo um ritmo mais acelerado à história,
mostrando o quanto Vicente andou à procura de seu cavalinho:
•
Vicente numa estrada de ferro, num ângulo frontal, plano geral,
caminhando em direção à câmera (fig. 55), estrada de ferro vazia (fig. 56),
som de um trem, trem entrando na cena e Vicente dentro do trem em
movimento (fig. 57);
Fig. 55
Fig. 56
Fig. 57
A imagem da estrada de ferro retratada em perspectiva, enquanto Vicente ao
fundo parece pequeno, denota a grandeza da vida diante da “pequenez” do ser
humano; seu caminhar em direção à câmera, num enquadramento central, a ânsia, o
desejo de seguir em frente com determinação e confiança; a imagem da estrada de
ferro vazia tem a conotação do caminho a ser percorrido e, no ângulo retratado, onde
não aparecem o começo nem o fim, a incerteza do futuro, num caminho que tem vários
“começos” e vários “finais”, com desígnios e viagens constantes e a cena de Vicente
dentro do trem em movimento retrata a aceitação da vida em andamento, do dia a dia,
do cotidiano. Vicente não fraquejou diante da busca, acreditou e seguiu em frente.
•
Uma estrada de asfalto vazia, no mesmo plano uma movimentação da
câmera num travelling para baixo mostrando Vicente no lado direito da
tela (fig. 58), um caminhão se aproxima num ângulo frontal, plano geral
(fig. 59) Vicente no interior do caminhão em movimento (fig 60);
95
Fig. 58
Fig. 59
Fig. 60
A imagem de Vicente diante da estrada pedindo carona retrata a necessidade da
ajuda externa que se faz necessária para atingir um ideal e muitas vezes é recebida de
onde menos se espera. A angulação mostrando Vicente à direita da tela e a estrada em
perspectiva à esquerda destaca o tamanho do caminho a seguir, sem um final visível,
perdendo-se no horizonte, já que não é possível prever o final de uma trajetória; a vida
revela surpresas. O caminhão vindo em sua direção, num enquadramento central, traz
a sensação de que se dirige ao próprio espectador. Vicente no interior do caminhão
olhando alegremente para a frente significa a aceitação da ajuda num momento difícil e
a continuidade da caminhada.
•
Uma caverna num plano geral (fig.61), Vicente no interior dela, de costas
para a câmera num plano geral (fig. 62), close demorado no rosto de
Vicente com olhar sonhador (fig. 63);
Fig. 61
Fig. 62
Fig. 63
A caverna tem um sentido metafórico e representa o mundo interior de Vicente.
Diante dela ele se vê fechado, impossibilitado de continuar, em dúvida consigo quanto à
continuidade de sua busca. O enquadramento leva o espectador junto com ele ao seu
interior. A iluminação utilizada nesta cena, a mais escura de todo o filme e repleta de
sombras, sugere momento de intimidade, de busca ao próprio eu na tentativa de
96
conseguir forças para romper as paredes internas e continuar caminhando superando
os próprios limites. Seu olhar sonhador e perdido confirma esta idéia, dando a entender
que o desfecho se aproxima, gerando expectativa.
•
Plano geral de um gamado grande (fig. 64), Vicente sentado à sombra de
uma árvore (fig. 65), som de trovão, close no rosto de Vicente, som de um
cavalo relinchando. Vicente num plano americano, enquadramento frontal
olhando fixamente para o horizonte. (fig. 66).
Fig. 64
Fig. 65
Fig. 66
Vicente se levanta, olha para todos os lados num plano geral. Som de cavalo
relinchando, música de suspense. Desfecho.
O enquadramento no horizonte vazio sugere que algo vai acontecer enquanto
Vicente aguarda debaixo da árvore, protegido à sua sombra. Seu olhar para a câmera,
fixando o horizonte parece perguntar ao espectador, de forma direta “o que se esconde
além do horizonte”.
Close na cabeça de Vicente, de costas. Vira-se para frente (fig. 67) e a câmera
faz uma panorâmica de 360º acompanhada de um travelling para frente (fig. 68). Essa
movimentação de câmera repete-se por mais três vezes em direções diferentes, com a
intenção de criar suspense. A imagem se fixa no gramado num plano geral. Vicente
aparece de costas para a câmera olhando para o horizonte. (fig. 69)
97
Fig. 67
Fig. 68
Fig. 69
O enquadramento onde Vicente aparece de costas para a câmera, à esquerda,
olhando para o horizonte, faz com que o espectador vá com ele e participe da mesma
sensação de ansiedade. Essa sensação de amplitude não seria possível numa
representação teatral, seguindo as indicações textuais.
Expectativa. Música.
Do meio do mato surge cavalgando em direção à câmera o cavalo azul (fig. 70).
Os planos se alternam entre closes no rosto extasiado de Vicente (fig. 71) e o cavalgar
do cavalo em direção à câmera com travellings rápidos para frente em Vicente que
permanece imóvel. O cavalo cavalgando em sua direção significa a realização do sonho
que se aproxima, a recompensa pela perseverança na busca. A câmera mostra num
plano geral o menino montando no cavalo e saindo em cavalgada, de costas,
mostrando a visão do espectador, levando-o a cavalgar com o menino. (fig. 72). Música.
O sonho foi realizado, a viagem chega ao fim com a conquista do objetivo.
Fig. 70
Fig. 71
Fig. 72
A realização de um sonho geralmente envolve outras pessoas, que se alegram
ou não com o sonhador. No caso de Vicente, todos achavam impossível a existência de
um cavalo tal qual ele o descrevia. Seu galope azulado, recheado de encantamento
causou surpresa e espanto.
98
O palhaço é mostrado triste sentado no chão, enquadramento central, plano
geral, fazendo malabarismos com bolinhas coloridas e os três músicos deitados,
também num plano geral, enquadramento central. Ouve-se um relinchar. Os rostos dos
três músicos são mostrados atrás de uma grade em primeiro plano curiosos e sem
seguida no tom azul, espantadíssimos. (Fig. 73 e 74). Sugere a passagem de Vicente
com seu cavalo pelo lado de fora.
Fig. 73
Fig. 74
Neste fragmento pôde ser percebida com clareza a utilização da elipse, pois
embora a cena da prisão não tenha sido representada, o espectador deduzirá que
estão presos. A utilização da elipse pôde ser percebida ainda em toda a trajetória de
Vicente descrita nesta cena final, demonstrada através da mudança de planos
(montagem).
A expressão assustada dos músicos presos significa o espanto diante de uma
grande conquista que parecia impossível.
O palhaço aparece de costas, num plano geral seguindo o reflexo azul deixado
por Vicente e seu cavalinho (fig. 75), o que mostra sua satisfação com o objetivo
alcançado e reforça a idéia de que ele não era como os músicos nem gostava de suas
atitudes maldosas. Quis compartilhar com Vicente sua conquista, assim como Maria,
que é mostrada num plano geral na arquibancada do circo, como que esperando por
Vicente. Novamente a cor azul e o som do cavalgar do cavalo invadem a cena (fig. 76).
Maria corre para fora do circo onde encontra o palhaço e juntos seguem Vicente e seu
cavalo. A câmera acompanha toda a cena mostrando planos gerais.
Ao saírem, a câmera mostra um dos cartazes do circo que havia sido mostrado
em primeiro plano, no início da busca de Vicente para sugerir os perigos que enfrentaria
99
em sua jornada. O afastamento de Maria e o palhaço do cartaz demonstram que os
perigos também foram deixados para trás: Vicente os venceu (fig. 77).
Fig. 75
Fig. 76
Fig. 77
Como a família se revelou importante para Vicente quando deixou o bilhete antes
de partir e ao escrever uma carta para seus pais, numa cena não contida no texto
dramático, mas representada no filme contando sua aventura, a câmera mostra seu pai
sentado na varanda do sítio num plano geral, enquadramento central quando o azul
toma conta da tela.(fig.78). Sua mãe é mostrada no interior da casa também num plano
geral quando a cor azul reflete em toda a cena (fig. 79). A mãe fura o dedo com uma
agulha e a câmera mostra o dedo sangrando em primeiro plano. Tal angulação denota
o tamanho do susto da mãe ao ver seu filho no inacreditável cavalo azul.
Em seguida os pais são mostrados à frente da casa numa angulação frontal,
plano americano. Olhar cúmplice. A alegria dos pais reflete-se nas expressões
satisfeitas de ambos.
Fig. 78
Fig. 79
Vicente é mostrado cavalgando rapidamente num travelling para acompanhar.
Afasta-se da câmera e passa a ser mostrado de costas num plano geral. Em primeiro
plano aparecem Maria e o palhaço de costas, virando-se para a câmera e acenando
para o telespectador, como se estivessem despedindo-se, alegremente e dizendo:
100
“Vejam, ele conseguiu, você também pode!” (fig. 80). Viram-se de costas e seguem
correndo Vicente em seu cavalo.
João de Deus aparece no alto de sua montanha, olha para a câmera com um
sorriso se dirigindo ao espectador, encorajando-o a também seguir em busca de seus
sonhos. (fig. 81) enquanto seguem pela estrada o menino e seu cavalo num travelling
para acompanhar (fig. 82).
Fig. 80
Fig. 81
Fig. 82
O cavalgar final de Vicente em seu cavalo azul numa campina toda verde traz a
sensação de esperança na realização dos ideais.
“O cavalinho azul” foi escrito pela autora num momento muito difícil de sua vida,
quando havia perdido seu pai, a quem amava muito. Estava triste e deprimida.
Começou a fazer análise e foi muito doloroso. Começou também a entender o valor
simbólico da arte e o que ela poderia fazer pelas pessoas.
Conforme cita a própria autora93:
Talvez seja O cavalinho azul a peça que mais representa essa busca
sofrida; essa vontade quase impossível de alcançar o outro lado do
sofrimento. Aprendi que amadurecer dói, mas o fruto pode ser bom.
Vontade de amar, de compreender o outro, de se dar, de receber, de ser
amada, de sintetizar todos os desejos e afetos estão representadas
naquele galope azul e teatral do meu cavalinho azul no final da peça.
93
MACHADO, M. C. Eu e o Teatro. Rio de Janeiro: Agir, 1991. 267 p. p.254
101
A cor azul do cavalinho não foi escolhida por acaso; ela significa, numa
associação afetiva segundo Farina94 espaço, viagem, verdade, sentido, afeto,
intelectualidade, paz, serenidade, infinito, confiança, amizade, amor, fidelidade e
sentimento profundo.
Com certeza, Maria Clara conseguiu transmitir a mensagem que queria com uma
alegria contagiante para crianças de qualquer idade.
4.1. O CAVALINHO AZUL: UM CONTO MARAVILHOSO
A literatura nasceu de uma fonte misteriosa no início dos tempos: o maravilhoso.
Com ele nasceram também personagens com poderes sobrenaturais que se defrontam
com as forças personificadas do bem e do mal. Nas aventuras beneficiam-se com
milagres, desafiam as leis da gravidade e da lógica e sofrem metamorfoses contínuas.
Conforme afirma Nelly Novaes Coelho95 a forma do conto maravilhoso tem
origem nas narrativas orientais que foram difundidas pelos árabes, tendo como exemplo
a coletânea As mil e uma noites. O núcleo das aventuras é de natureza
material/social/sensorial, tendo como focos a busca de riquezas, a satisfação do corpo
e a conquista do poder, entre outros.
O texto dramático O cavalinho azul pode ser considerado um conto maravilhoso.
Segundo Abramovich96:
Porque se passa num lugar que é apenas esboçado, fora dos limites do
tempo e do espaço, mas onde qualquer um pode caminhar... Porque as
personagens são simples e colocadas em inúmeras situações diferentes,
onde têm que buscar e encontrar uma resposta de importância
94
FARINA, M. Psicodinâmica das cores em comunicação. 4. ed. São Paulo: Edgard Blucher, 2003. p.
114-115
95
COELHO, op. cit. p. 172
96
ABRAMOVICH, F. Literatura infantil: gostosuras e bobices. São Paulo: Scipione, 1994.
102
fundamental, chamando a criança a percorrer e a achar junto uma
resposta para o seu conflito...
A pesquisadora Dra. Rosângela Marçolla97 também evidencia as características
do conto maravilhoso:
Consideram-se como “maravilhoso” as situações que ocorrem fora da
nossa compreensão dos termos espaço e tempo, cujos fenômenos não
obedecem às leis naturais do planeta; possuem características mágicas,
sem a presença de fadas, dando ênfase aos aspectos materiais,
sensórios e sociais do homem.
Na obra estudada por esta pesquisa, é possível perceber claramente aspectos
que remetem às citações acima, aproximando-a da categoria de conto maravilhoso,
embora se tratando de um texto dramático. A seqüência de ações acontece de forma
estruturada e definida.
Em seu livro “Morfologia do Conto” Wladimir Propp98 elenca sete funções, que
podem ser identificadas na história de Vicente:
1. Esfera de ação do agressor: ação dos músicos (ladrões);
2. Princesa e seu pai: Vicente e João de Deus;
3. Mandatário: Pai de Vicente;
4. Herói: Vicente;
5. Falso herói: músicos;
6. Doador: Maria;
7. Ajudante mágico: velha que viu.
Com a finalidade de tornar mais prática e clara essa classificação das funções
estruturais do conto maravilhoso, a autora Nelly Novaes Coelho99 extraiu cinco
97
MARÇOLLA, R. Formas simples das histórias de tradição oral à literatura infantil, 2006.
PROPP. Op cit.
99
COELHO. Op. cit. p. 109
98
103
invariantes que estão sempre presentes nos contos maravilhosos e que também podem
ser percebidas na história de Vicente:
1. Desígnio: aspiração ou motivo que levam o herói à ação.
Vicente quer encontrar seu cavalo.
2. Viagem: saída de casa, ambiente não familiar.
A busca de Vicente.
3. Desafio ou obstáculo: aspecto dificultador da ação do herói.
Caminho longo; músicos, indiferença das pessoas.
4. Mediação natural: afasta ou neutraliza os perigos e ajuda o herói a vencer.
A velha que viu (ajudante mágico)
5. Conquista do objetivo
Vicente encontra o seu cavalo e cavalgam felizes de volta para casa.
Um aspecto importante a ser considerado acerca dessa classificação é que a
essas invariantes básicas correspondem inúmeras variantes tornando cada conto único,
diferente. Cada conto pode apresentar uma sucessão de desígnios e conseqüentes
acontecimentos, que gerarão outros desígnios, e assim por diante.
Tal afirmação se torna clara quando essas etapas são trazidas para a realidade,
para a vida.
1. Desígnio: todas as pessoas possuem um ideal, uma aspiração;
2. Viagem: para alcançar esse ideal é preciso “correr atrás”, enfrentar o meio exterior.
Muitas vezes, a viagem também pode ocorrer no interior de cada um, buscando
respostas e soluções próprias;
3. Obstáculos: dificuldades a serem vencidas;
4. Mediadores: auxílio;
5. A conquista do objetivo: abre espaço para um recomeço, onde um novo ideal
passará a ser perseguido, num processo contínuo durante toda a vida.
Na vida, não existe apenas um desígnio, mas um que sucede outro, e outro, num
desenrolar de experiências vividas. Para cada etapa da vida existe um desígnio
104
diferente, que leva a uma viagem diferente onde outros tipos de obstáculos serão
encontrados e vencidos, até a conquista do objetivo momentâneo.
Para Nelly:
A vida é um processo em contínuo fazer-se. Cada conquista
corresponde a um fim e a um novo começo. É essa analogia existente
entre as invariantes do universo literário e as do universo humano que
explica a fascinação que, através dos séculos, essas narrativas
fantasiosas continuam a exercer sobre os povos e sobre as crianças,
em particular.
Considerando as transferências da estrutura narrativa para a história de Vicente
e observando as citações das autoras acima, é possível perceber que O cavalinho azul
enquadra-se perfeitamente na categoria de conto maravilhoso, sendo capaz de mostrar
para a criança que a busca do sonho não é fácil e deve ser constante.
105
CONSIDERAÇÕES FINAIS
Embora pertençam a sistemas semióticos diferentes, a linguagem literária e a
linguagem cinematográfica convergem para pontos comuns como a multiplicidade de
códigos, a pluralidade e a ambigüidade.
Um texto fílmico narra uma história, uma seqüência de ações ocorridas a
determinados personagens num determinado espaço e tempo, assim como acontece
no texto dramático.
No entanto, os recursos utilizados por ambas as linguagens são muito diferentes.
O texto dramático é composto por palavras escritas por um dramaturgo numa
ordenação que obedece a certas regras gramaticais submetidas à sua criatividade.
Sua estrutura, formada pelo texto principal (diálogos e didascálias) e pelo texto
secundário (cenário) remete o leitor a um mundo imaginário que, por sua vez, também
obedece ao contexto histórico, social e cultural vivido por ele.
O enredo e os personagens são as forças que movimentam o texto,
estabelecendo entre todos os elementos constituintes da obra uma inextrincável
interação, compondo uma só entidade.
O texto escrito, base para a criação cinematográfica, foi capaz de transmitir com
clareza as idéias da autora, que no caso de uma possível representação teatral, utilizarse ia dos elementos estéticos específicos do palco, com suas limitações de espaço,
tempo e técnica.
Cabe ao leitor visualizar as cenas descritas no texto, ao contrário do filme, que
traz aos olhos do espectador a cena pronta, com cores, sons e movimentos.
Assim, o discurso fílmico decorre de uma série de procedimentos técnicos como
enquadramentos, ângulos, definições de planos, sonorização e ainda da montagem,
que é o procedimento que seleciona e articula os planos, definindo toda a narrativa.
O filme O cavalinho azul situa-se num tipo de montagem denominada por Marcel
Martin intelectual ou ideológica, onde há uma alternância das montagens narrativa, que
conta uma história de forma clara e expressiva que apela para o lado psicológico, ou
seja, o filme, povoado por metáforas e símbolos, direciona o espectador para o sentido
desejado por meio de reações emocionais.
106
Na transcodificação o diretor manteve-se fiel ao espírito do texto, embora tenha
acrescentado algumas cenas e situações não descritas pela autora. A idéia central foi
mantida, assim como os personagens e a maioria das indicações cênicas, é claro,
utilizando os recursos peculiares à linguagem cinematográfica.
A câmera pode ser considerada co-autora do filme, pois é através dela que as
imagens foram registradas nos mais variados ângulos. Tal variação de pontos de vista
tornou a história mais atraente e clara.
Ela apresentou os personagens, alertou o
espectador para detalhes através do zoom (travelling para frente), e ilustrou
características psicológicas dos envolvidos na história ao focalizar o personagem em
primeiro plano captando-lhe com riqueza de detalhes a expressão.
Os ângulos de filmagem e os movimentos de câmera permitiram uma enorme
flexibilidade de variação nas cenas, conforme pôde ser percebido no capítulo anterior
através das imagens captadas.
O ritmo, determinado pela montagem, não se manteve constante, variando de
acordo com a intensidade dramática das cenas. Como o filme tem como público alvo as
crianças, este é um fator positivo, pois a variação rítmica tende a tensionar e relaxar,
mantendo o nível de atenção e curiosidade sem tornar-se cansativo.
O cenário rural mostrou claramente a influência do movimento Cinema Novo, ao
qual pertenceu o diretor Eduardo Escorel e ilustrou ainda uma tendência da literatura
infantil predominante no início do século XX, assim como o figurino bem brasileiro, que
teve a intenção de traduzir simbolicamente os tipos sócias, a linguagem simples e a
iluminação natural.
O uso da elipse foi uma constante durante todo o transcorrer do filme, de forma
evidente e eficiente, não deixando nenhum detalhe sem continuidade, sendo possível
ao espectador entender tudo que aconteceu, ainda que não tenha sido apresentado na
tela.
A música e os sons utilizados foram adequados e imprimiram realidade às cenas,
além de identificar os personagens e exercer forte apelo emocional. Cada cena foi
acrescida de emoção e realismo graças aos efeitos sonoros, como por exemplo a
música do personagem João de Deus, os sons ouvidos cada vez que o palhaço sentia-
107
se contrariado com as maldades cometidas pelos músicos e a música que caracteriza
suspense quando algo estava para acontecer.
As mudanças temporais e espaciais foram elucidadas através da montagem
seqüencial dos planos e da movimentação da câmera, alternando planos gerais,
primeiros planos e tomadas nas variadas direções impondo dinamismo ao filme.
Em suma, a adaptação fílmica de O cavalinho azul foi capaz de trazer para a tela
um pouco do universo infantil com personagens circenses e alegres sem deixar de lado
o fato de a criança possuir seu próprio mundo, com vitórias e derrotas, alegrias e
tristezas e com um caminho a seguir e um ideal a alcançar. Sugere experiências que
são necessárias à formação e desenvolvimento do caráter da criança, mesmo àquelas
que habitam dentro dos adultos, muitas vezes escondidas e tolhidas de qualquer
fantasia.
O texto, escrito por Maria Clara foi capaz de elucidar, com riqueza de detalhes,
os elementos artísticos e estéticos necessários para que a mensagem fosse transmitida
com veracidade e magia, proporcionando ao diretor exercer sua criatividade ao
transformá-lo em texto cinematográfico utilizando-se de seus recursos específicos.
Trata-se de duas linguagens com peculiaridades distintas: uma, o texto
dramático, com infinitas possibilidades de leitura criadas pelo próprio leitor, que
transforma as situações escritas em imagens formadas pela sua imaginação,
obedecendo as regras do seu imaginário e de seu contexto pessoal; outra, o texto
cinematográfico, traz aos olhos as situações ilustradas pelos procedimentos técnicos
específicos do cinema, mostrando a cena pronta, com cores e formas.
Tanto uma como outra permitem a vivência da história, ainda que cada uma à
seu modo. O leitor do texto escrito pode visualizar o cavalinho azul da maneira que
quiser, enquanto que no filme, ele aparece de uma forma definida, exemplificando a
afirmação acima. No entanto ambas expressam a mesma mensagem.
Vicente correu atrás de um sonho, portanto o cavalinho azul pode ser
considerado como a idealização de um sonho. Cabe ressaltar aqui o princípio da
verossimilhança: todos possuem um sonho... Muitos correm atrás deles, outros não. Os
que correm encontram pelo caminho ladrões (os músicos) que querem roubá-lo;
dificuldades (ninguém via o cavalinho nem acreditava que ele pudesse existir de
108
verdade); grandes distâncias e grandes esforços (a trajetória de Vicente); as
necessidades pessoais (a falta de comida, o cansaço, as roupas esfarrapadas com o
passar do tempo), mas encontram também apoio (João de Deus, Maria que o
acompanhou e acima de tudo a velha que viu, que acreditou no sonho de Vicente e lhe
devolveu a esperança de encontrá-lo quando ele estava quase desistindo).
O reflexo azul deixado pelo cavalinho quando foi encontrado e cavalgava com
Vicente, que no filme coloriu a tela e no texto foi sugerido pela iluminação azul do palco,
representa o brilho do sonho realizado, o brilho daqueles que lutam e alcançam ideais
às vezes almejados durante toda uma vida.
Na última cena do filme, enquanto Vicente cavalga radiante em seu sonho, do
alto de sua montanha, João de Deus o observa com olhar complacente e satisfeito. Faz
um gesto de aprovação e dá um sorriso para a câmera... É como se Deus, do alto de
sua misericórdia abençoasse a todos aqueles que lutam por seus ideais com dignidade
e perseverança!
O cavalinho azul está presente em todas as pessoas: crianças, jovens e adultos,
e Maria Clara Machado sabia disso quando, num momento de inspiração divina
escreveu esta história. Ela deixou para toda a humanidade uma mensagem de
otimismo e paciência através do sonho de Vicente.
109
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file:///C:/Documents%20and%20Settings/Admin/Meus%20documentos/Monteiro%20Lob
ato%20(1882-1948)%20-%20Lobato%20um%20expoente%20brasileiro.htm.
CRISTIANE MADANÊLO DE OLIVEIRA. "MONTEIRO LOBATO (1882-1948) LOBATO: UM EXPOENTE BRASILEIRO” ·
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ANEXOS
1
O CAVALINHO AZUL
Maria Clara Machado
1 ato e 9 cenas
Música de Reginaldo de Carvalho
PERSONAGENS
João de Deus
Vicente, o menino
O pai
A mãe
O pangaré
O palhaço
O músico gordo
O músico alto
O músico baixo
A menina
O 1.º homem
O 2.º homem
O 3.º homem
A lavadeira
O vendedor
Os três soldados
Velha-que-viu
O cowboy
Os três elefantes
Os quatro cavalos
Os personagens dos três elefantes podem ser os mesmos dos três soldados. Os
quatro cavalos podem ser os soldados, o 1.º e o 2.º homem.
CENÁRIO
O palco vazio com fundo azulado. Os elementos das várias cenas vão sendo
colocados à medida que a ação se desenrola.
1.ª cena: Sugestão de uma casa.
2.ª cena: O mesmo.
3.ª cena: Cena vazia.
4.ª cena: Sugestão de arquibancada de circo. 3 cadeiras.
5.ª cena: O mesmo.
6.ª cena: Cena vazia.
7.ª cena: Sugestão de uma cidade: um coreto.
8.ª cena: O curral do cowboy.
9.ª cena: Cena vazia.
1.ª CENA
(Ao abrir-se o pano, vê-se apenas o palco vazio. Enquanto se ouve a música n.º
1A, 1B, um velho de longas barbas, maltrapilho e vagabundo, simpático e bonachão se
dirige em direção à platéia segurando um tamborete.)
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VELHO
Eu me chamo João de Deus. Sou vagabundo. Estou aqui para contar a história do
menino Vicente e de seu cavalo. Um dia perdi a tesoura de cortar barba e tive que deixar
crescer esta barba. No princípio não gostava; sujava muito quando eu comia, mas agora
gosto; quando faz frio cubro-me assim, (Mostra.) e minha barba serve de cobertor.
Também aprendi a comer com minha barba: faço assim. (Mostra.) Gosto dela também
por causa do Vivente, que me achou parecido com o Padre Eterno. Isto quer dizer que
minha barba se parece com a barba de Deus. Por isso cuido dela. Barba de Deus é coisa
séria. Vou contar como é que esta história começou. Aqui (Pela esquerda entram o pai
e a mãe carregando a casa.) morava Vicente com seu pai e sua mãe, nesta casinha. (O
pai e a mãe colocam a casa e o banquinho e desaparecem.) E ali vem ele – nem me viu
ainda – com seu cavalo. Vou deixar esta história contar-se por si mesma, enquanto vou
ajudando aqui, ao lado. (O velho senta-se no tamborete, fora da cena, perto da cortina,
na semi-obscuridade, enquanto a luz cresce dentro do palco, onde se vê um menino
pobre puxando uma enorme corda que prende ao pescoço de um feio pangaré, sujo,
magro, com cara infeliz. O menino, em êxtase, procura convencer o cavalo. (Dois
atores em pé, um fazendo a cabeça com uma máscara e o outro fazendo de traseiro.)
VICENTE
Se você der mais uma voltinha, só mais uma voltinha, meu cavalinho, eu prometo
levar você lá numa campina toda verdinha de tanto capim verde. Vamos, vamos, meu
cavalinho azul! (O cavalo se levanta com grande esforço e começa a trotar em volta do
menino.) Vamos meu cavalinho azul! Upa! Upa! Upa! (O cavalo, cansado, começa a se
arrastar.)
VICENTE
(Zangado.) Assim você não poderá trabalhar no circo! Não pode. Veja como eu
faço. Como aquele grande cavalo branco lá do circo da cidade. Buuuuuuuu, assim,
levantando as patas e depois me levando na garupa como a bailarina Lili, toda verde de
tão bonita, e o domador Rogério de boné dourado e calças vermelhas... Upa! Upa! Upa!
Vamos, vamos! (O cavalo está exausto.) Bem, por hoje, chega. Amanhã treinaremos
mais. Você está cada vez melhor e mais bonito.
MÃE
(De dentro.) Vicente!
VICENTE
O que é mamãe?
MÃE
(Saindo com uma trouxa de roupas para lavar.) Venha estudar, menino. Está
quase na hora da escola.
VICENTE
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azul.
Já vou, mamãe. Deixe eu conversar mais um pouquinho só com meu cavalinho
MÃE
Que cavalinho azul, que nada! Um pangaré velho que não presta mais nem para
puxar a carroça de teu pai (Saindo com a trouxa.) Cavalinho azul!... Azul!
VICENTE
(Baixo, para o cavalo.) Não liga não, meu cavalinho. (Para a platéia.) Mamãe
chame meu cavalinho de sujo e velho, porque ele pensa que ele é sujo e velho, porque
mamãe é gente grande e gente grande tem que lavar roupa, fica cansada e maltrata o
cavalinho sem querer. Como é que ela pode saber a cor do meu cavalo se nem vê ele
direito de tanto cozinhar, arrumar e lavar roupa! Também ele anda um pouco sujo hoje,
mas é porque e água do nosso rio está quase seca, não lava mais direito, (Para o
cavalo.) mas amanhã vou também te levar num rio muito grande, muito branco de tão
limpo, que passa perto da campina verde. Lá você tomará um banho e vamos para o
circo. Quem não estiver muito limpo e lindo também não pode entrar no circo, está
ouvindo?
PAI
(Chegando com o balde.) Vicente, olha a ração do Mimoso. E chega de faze-lo
rodar. Ele está muito magro, precisa descansar.
VICENTE
Vou levar ele, papai, para a grande campina verde e vou dar um banho nele no rio
de água branca.
PAI
(Bem humorado.) Onde é que existe esta campina, menino? Tudo está seco, isto
sim. Seco e esturricado. Onde é que tem um rio grande e branco?
VICENTE
Aquele lá longe.
PAI
Longe, onde?.
VICENTE
Ora, papai, lá longe, do outro lado daquele morro mais longe.
PAI
Lá longe é a cidade.
VICENTE
4
Onde está o circo, não é?
PAI
É. Vá estudar, menino.
VICENTE
Vou buscar meu livro e venho estudar aqui, ta bem? (Entra por trás da casa.)
PAI
(Depois de misturar a comida do cavalo.) Toma, pangaré, come isto para não
morrer de fome. (O pangaré enfia a cara no balde. O pai sai e volta o menino.)
VICENTE
Você sabe o que é uma ilha? É uma quantidade de terra cercada de água por todos
os lados... Um istmo (Diz baixinho, como procurando decorar.) Um istmo... é... Sabe,
cavalinho, nós vamos lá... nós vamos na ilha cercada de água por todos os lados,
cercada de istmos... de cabos, de tudo. Depois vamos ao promontório. Depois eu monto
em você e saímos correndo atrás das capitanias hereditárias... Vai ser ótimo!
MÃE
(De dentro.) Vicente, venha estudar cá dentro. Sozinho, longe deste cavalo.
VICENTE
Estou indo. (Entra gritando.) Vamos para as capitanias hereditárias! Eu e meu
cavalinho azul...
PAI
(Chegando e ouvindo as últimas palavras do filho.) Mulher! Venha cá. (A mãe
chega.) Mulher, temos que vender o pangaré. (O cavalo levanta a cara do balde,
assustado.)
MÃE
(Preocupada.) Vender? Por que?
PAI
Este pangaré não serve mais para nada. Já vendi a carroça. Este cavalo só serve
para comer mais dinheiro. Se for vendido, posso apurar uns cobres e com eles comprar
umas galinhas e começar uma criação.
MÃE
E o menino?
5
PAI
O menino esquece. Arranja outro brinquedo.
MÃE
Esquece não. Ele só pensa nisto.
PAI
Está ficando doido; melhor é levar o cavalo logo. (Põe o chapéu, pega o cavalo
pela corda.) Vou à cidade vende-lo. Pro menino trago um brinquedo. Adeus mulher.
(Sai.)
MÃE
Por que você não vende a vaquinha?
PAI
(Parando e voltando-se.) A vaquinha dá leite.
MÃE
Mas o cavalo dá alegria ao menino.
PAI
Mas não dá dinheiro. O menino se acostuma. (O pai sai puxando o pangaré. No
proscênio ele se encontra com o velho João de Deus e pára.)
VELHO
Bom dia.
PAI
Quem é o senhor?
VELHO
Sou João de Deus.
PAI
O que é que está fazendo aqui?
VELHO
Estou vendo tudo.
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PAI
Para quê?
VELHO
Para contar aos outros, (Para a platéia.) eles.
PAI
(Depois de olhar para a platéia.) Vai contar na certa que sou um pai muito ruim
porque vou vender o pangaré!...
VELHO
O senhor tem que vender mesmo?
PAI
Depois quem vai arranjar dinheiro para o menino comer? É muito fácil ter pena do
pangaré, mas de mim ninguém tem. Adeus. (Sai muito zangado.)
VELHO
O pai ficou muito zangado e partiu para a feira, onde vendeu o cavalo. Pensamos
que o menino ia ficar muito triste. Alguns dias se passaram, e vejam o nosso Vicente
sentadinho na porta, com sua bola, presente do pai. (Escurece no velho e clareia na
cena.)
2.ª CENA
Vicente, sentado na soleira da porta, de vez em quando dá uma espiadela para
fora. (Ouve-se a música n.º 3A.)
VICENTE
Mamãe!
(Aparecendo.) Que é, menino?
VICENTE
Que horas que ele volta?
MÃE
Quem?
VICENTE
O meu cavalinho azul.
MÃE
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Acho que ele volta... amanhã. Venha para dentro, Vicente. Nem almoçou direito.
Assim sem comer você não pode ficar.
VICENTE
Estou esperando.
MÃE
(Com muito jeito.) Acho, meu filhinho, que seu cavalo não volta mais. Seu pai
trouxe esta bola para você brincar com ela. Você não acha bonita esta bola?
VICENTE
Acho. Por isso que eu quero mostrar ela ao meu cavalo.
MÃE
(Exasperada.) Seu cavalo foi vendido.
VICENTE
Eu sei, mamãe, não precisa gritar. Papai me disse. Mas depois ele volta.
MÃE
Mas agora ele tem outro dono.
VICENTE
(Rindo.) Outro dono. Ah! ah! ah! Como é possível isto, mamãe? Dono a gente só
tem um. Ele volta.
MÃE
Volta não.
VICENTE
Volta sim. Volta porque estou esperando ele para irmos ao circo.
MÃE
(Entrando na casa.) Ah, menino. Assim não é possível.
VICENTE
(Música n.º 3B)
(Sozinho.) Estou achando é que meu cavalinho perdeu o caminho. (Suspirando
forte.) Ele é tão distraído! Preciso ir atrás dele. Mamãe disse que este mundo está cheio
de perigos. Não posso mais deixar meu amigo perdido por aí. Talvez ele tenha ido para
as Antilhas Holandesas ou então para a ilha de Brocoió cercada de água por todos os
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lados, ou algum istmo ou cabo... sei lá, todos estes perigos... e se ele foi para a Serra da
Mantiqueira? Coitadinho! Adeus meu pai, adeus minha mãe, me esperem que eu volto
com ele. Adeus. (O menino sai pelo proscênio em direção oposta ao lugar onde está o
velho e a música continua até o encontro com o velho.)
3.ª CENA
(O velho entra na cena e tira a casa. Vicente torna a aparecer na cena nua;
enquanto o velho o aguarda.)
VELHO
Sozinho, menino, neste caminho?
VICENTE
Quem é o senhor?
VELHO
(Meio surdo.) O quê?
VICENTE
Quem é o senhor?
VELHO
João de Deus.
VICENTE
(Espantadíssimo.) O senhor é... o Deus?
VELHO
(Depois de uma pausa, gozador, topando a confusão.) Sou.
VICENTE
Do catecismo?
VELHO
Ih! ih! ih… sou.
VICENTE
Bem que eu estou vendo, tanta barba. (Pausa.) Deus no duro? Padre Eterno?
VELHO
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No duro.
VICENTE
Aquele que está em toda a parte?
VELHO
Aquele mesmo.
VICENTE
Então Senhor Deus, quer fazer o favor de olhar onde está o meu cavalinho azul?
VELHO
O quê?
VICENTE
Pois o senhor não vê tudo?
VELHO
Vejo. Claro que sim...
VICENTE
Cabos, ilhas, istmos, serra da Mantiqueira, e tudo? E idéia na cabeça e tudo?
VELHO
E tudo.
VICENTE
Então cadê ele?
VELHO
Ele?
VICENTE
O cavalo. Não viu? O meu?
VELHO
Não vi.
VICENTE
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Mas você não vê tudo?
VELHO
Ah! vi sim. Muito lindo seu cavalo.
VICENTE
Azul.
VELHO
Com a cauda azul, muito grande...
VICENTE
Não, a cauda é branca, ó Deus, você esqueceu?
VELHO
Esqueci não. Fico cansado de ver tudo ao mesmo tempo...
VICENTE
Deve cansar ,es,o ver tudo ao mesmo tempo. Não tem dor de cabeça? Eu não. Não
sou como o senhor. Coitado! Só vejo poucas coisas e meu cavalinho.
VELHO
Então vamos acha-lo.
VICENTE
O senhor vem comigo?
VELHO
Não posso, menino. Se vou procurar seu cavalo, quem é que vai vigiar o mundo?
VICENTE
O senhor não pode deixar algum outro santo fazer isso por uns dias?
VELHO
Não posso.
VICENTE
Então, adeus.
VELHO
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Espera, menino. Onde é que você vai?
VICENTE
Vou indo por aí ver se acho ele.
VELHO
Quando você precisar de mim, é só chamar que estou ali sentado naquele
banquinho.
VICENTE
É dali que o senhor vigia o mundo?
VELHO
É.
VICENTE
Ahn! Então, adeus! (Desaparece do lado oposto.)
4.ª CENA
VELHO
Foi assim que conheci Vicente. Uns achavam que ele era um menino mentiroso
porque inventava coisas; via cavalos azuis, circos enormes, campinas verdes; achava
que um vagabundo como eu era Deus, imaginem vocês.
Outros achavam que ele era louquinho. Cá para mim, acho que ele nem era
mentiroso, nem louco. Apenas via as coisas diferentes e acreditava mesmo no que via.
Só sei que ele andou pelo mundo atrás de seu cavalo. Será que encontrou? Vamos ver
por onde ele anda agora. Depois de muito caminhar chegou primeiro a um circo numa
cidade pequena perto da cidade dele. (O velho puxa a pequena arquibancada.) Os
donos deste circo são aqueles três músicos que vêm ali (O velho volta ao tamborete. Os
músicos entram com suas cadeiras, solenemente. Um gordo e alto, o segundo alto e
magro, e o terceiro, baixinho. O gordo leva um violino, o alto leva um piano, e o
baixinho, um contrabaixo, que vão buscar fora de cena depois de colocarem as
cadeiras no fundo da cena. Estes instrumentos são feitos de madeira compensada, bem
leves para serem carregados e a música é tocada nos bastidores enquanto os músicos
de cena apenas pretendem que tocam como instrumentos de brinquedo. O gordo abre a
portinhola de seu violino que só tem a utilidade de guardar dinheiro, e retira uma
flauta. Os três começam a tocar a música n.º 5A, enquanto chega a meninazinha que
cumprimenta os velhos e senta na arquibancada. Os velhos usam fraque e cartola,
barbas postiças e pedaços de cabelos caindo das cartolas.)
VELHO
Estes velhos alugaram um palhaço para fazer graça enquanto eles tocavam e
ganhavam dinheiro.
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(Tambor forte para a chegada do palhaço.)
PALHAÇO
Caro público! Boa tarde, bom dia e boa noite! Este é o nosso grande circo
americano! Boa tarde, bom dia e boa noite! Os melhores (Acentuando.) trapezistas do
mundo vão voar por este teto! Cinco elefantes vermelhos, domesticados, educados,
amestrados, vão cantar! Cantar, caro público, cantar com voz de elefantes! Um cachorro
chamado Doly vai tocar violino... Tocar violino, caro público, com pata de cachorro...
Um gato vai cantar... Um gato cantor, caro público, com voz de barítono... Uma foca
bailarina e uma bailarina gente vão dançar ao mesmo tempo, ao mesmo tempo, caro
público... Um homem que engole fogo e cospe gelo, caro público. (Ouve-se um tambor
forte. Segue-se grande silêncio.)
PALHAÇO
... Tudo por cinco cruzeiros!
(O palhaço passa pela arquibancada esperando quem pague, enquanto os
músicos terminam a valsinha. A menina se levanta e tira de uma bolsinha cinco
cruzeiros, que entrega ao palhaço; este leva o dinheiro para o gordo, que abre a
portinhola de seu violino e guarda o dinheiro.)
E, para começar, o grande palhaço, o mais engraçado do mundo, vai fazer um
número de corda bamba. Este palhaço sou eu e aqui está corda bamba.
(O palhaço estica no chão uma corda, abre um guarda-chuva mirim e começa a
fingir que se equilibra no clássico número. Os músicos acompanham o número. A
menina bate palmas.)
PALHAÇO
Muito obrigado! Muito obrigado, caro público! E agora o grande palhaço do
grande... (Neste momento entra Vicente; o palhaço faz uma pausa para olha-lo, depois
recomeça.)... do grande circo americano vai fazer o número do contorcionismo.
(Vicente, entusiasmado, começa a bater palmas. O palhaço fica nervoso com tanto
entusiasmo e desanda a fazer uma série de números e evoluções, sempre com Vicente e
a menina batendo palmas, até que, exausto, se senta no chão.)
VICENTE
(Aproximando-se.) Grande palhaço do grande circo americano, quer fazer o favor
de me dizer se o meu cavalo azul está aqui?
PALHAÇO
O quê? Um cavalo azul? Nunca vi. (Põe-se de pé. Os músicos também.)
VICENTE
Com um rabo enorme, branco!
PALHAÇO
Isto existe? Um cavalo azul?
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VICENTE
O meu. É lindo. Dança, canta e voa.
PALHAÇO
(Correndo para os músicos.) Cavalo azul... Cavalo azul... Deve ser mentira...
Deixa de bobagem, menino. Não vê que estou trabalhando? Não atrapalhe meu número
contando coisas (Meio em dúvida.) que não existem... Sai daí. (Num canto,
desconfiado.) Cavalo azul!
(Vicente sobe na arquibancada, os músicos tocam um acorde esquisito, o palhaço
presta atenção e corre para Vicente.)
PALHAÇO
Se quiser assistir, tem que pagar.
VICENTE
Mas eu não tenho dinheiro.
MENINA
Eu pago para ele. (A menina tira o dinheiro e dá ao palhaço; este leva-o ao
músico gordo, que o guarda dentro do violino.)
VICENTE
Obrigado, menininha.
PALHAÇO
Agora podem bater palmas. Acabei meu número de contorcionismo. (Vicente e a
menina batem palmas.)
PALHAÇO
(Trocando de casaca e pondo uniforme de domador.)
Atenção. Agora o grande circo americano vai apresentar o número dos três
elefantes que vieram especialmente da África para o nosso circo.
(Entram três elefantes muito cansados que dançam muito sem graça uma valsa
tocada pelos músicos (10). Depois, os elefantes vão-se embora e os meninos batem
palmas.)
PALHAÇO
E por hoje é só, caro público.
MENINA
Mas o senhor disse que ia ter uma porção de coisas mais!
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PALHAÇO
Eu disse?
MENINA
Disse sim. Cachorro que toca violino. Trapezistas no ar, e a dançarina Lili? Ea
foca? Cadê?
PALHAÇO
(Cortando.) Ah! é verdade... mas isto tudo vai ser amanhã... Amanhã, caro
público. Imaginem que a dançarina Lili (Confidencial.) está com dor de barriga... e o
trapezista... o trapezista... (Entusiasmando-se.) caro público, torceu o pé... o cachorro
que toca violino foi despedido porque... mordeu o rabo do gato cantor... e o gato cantor
foi para o hospital... mas amanhã... caro público... amanhã por cinco cruzeiros teremos
tudo isto... Boa tarde... bom dia... boa noite... (Vai saindo enquanto fala. A música
recomeça: 5A.)
(Vicente acompanha a música com o corpo. A menina observa-o.)
MENINA
Ele é azul mesmo?
VICENTE
O quê? (Os músicos param de tocar e põem ouvidos.)
MENINA
(Repetindo.) Ele é azul mesmo?
VICENTE
Tão azul que nem sei!
MENINA
Eu gostaria tanto de procurar um cavalo azul!
VICENTE
Você quer vir comigo?
MENINA
Não posso.
VICENTE
Por quê?
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MENINA
Paguei cinco cruzeiros e estou esperando acontecer alguma coisa aqui no circo.
VICENTE
E não acontece nada?
MENINA
Todos os dias é a mesma coisa. O palhaço dá cambalhotas e os três elefantes
dançam. Já dei todas as minha notas de cinco e ainda não vi o cachorro tocar violino.
VICENTE
Vai ver que é mentira do palhaço.
MENINA
Será?
VICENTE
Vamos buscar o cavalinho. É melhor procurar nós dois do que sozinho. Vai ser
lindo!
MENINA
Tenho que pagar cinco cruzeiros?
VICENTE
Não. Você pode vir de graça.
MENINA
Então, vamos.
VICENTE
Para que lado você quer ir primeiro? No Pacífico ou no Índico?
MENINA
Tenho um tio que mora no Ceará. Vamos lá primeiro?
VICENTE
Capital Fortaleza?
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MENINA
É.
VICENTE
Fortaleza é um nome lindo. Então vamos lá primeiro.
(Saem. Clareia sobre o tamborete onde está o velho João de Deus.)
VELHO
Enquanto Vicente saía com a menina, os três velhos músicos que na verdade são
três bandidos disfarçados. (Os velhos tiram a barba e fazem cara de bandido.) estes
bandidos que fingiam que eram músicos, obrigavam o palhaço a trabalhar de graça, não
davam comida aos elefantes dançarinos, roubavam tudo que viam, quando ouviram a
história do cavalinho azul ficaram loucos para rouba-lo do menino.
(Penumbra sobre o velho.)
BAIXINHO
Você ouviu? Ele tem um cavalo azul.
GORDO
Se conseguirmos este cavalo para o circo, ganharemos tanto dinheiro que
ficaremos milionários... Todo mundo vai querer ver esta maravilha.
ALTO
Vamos pegar o menino.
BAIXINHO
Chame o palhaço.
(O Alto sai e volta com o palhaço.)
BAIXINHO
Você ouviu o menino, palhaço?
PALHAÇO
Ele tem um cavalo azul.
ALTO
Com um rabo enorme, branco.
BAIXINHO
E sabe dançar.
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OS QUATRO
E voar.
(Os três velhos se entreolham, vestem as barbas e se precipitam para fora da
cena, trazendo em seguida Vicente e a menina um pouco atrás. Vicente está assustado.
Os três estão querendo adular o menino.)
BAIXINHO
Palhaço, vai buscar pipoca para ele. (Palhaço sai.)
ALTO
Sente-se aqui, menino.
GORDO
E você aqui, menina. (Os dois meninos sentam-se nas duas cadeiras oferecidas
pelos músicos.)
(O palhaço volta com as pipocas. Os quatro olham para os meninos comerem
pipocas.)
BAIXINHO
Faz uma graça, para o menino rir, palhaço.
(O palhaço faz umas caretas, mas o menino não ri. Só os três músicos dão
gargalhadas estrondosas para impressionar o menino, que finalmente começa a rir. A
menina está um pouco assustada.)
BAIXINHO
(Quando todos param de rir de repente.) É verdade mesmo, menino?
VICENTE
É.
OS TRÊS
Azul?
VICENTE
Azul.
ALTO
Como o céu?
VICENTE
18
Não.
GORDO
Como o mar?
VICENTE
Não.
OS TRÊS
Oh!
BAIXINHO
Como os olhos do palhaço?
VICENTE
Não.
ALTO
Então como é ele?
VICENTE
(Música n.º 13)
(Enleado.) Às vezes ele fica como o céu, depois, quando vem a tarde, ele fica um
pouco como os olhos do palhaço, mas à noite é sempre como o mar à noite.
OS QUATRO
É lindo! Sem-as-ci-o-nal.
VICENTE
É. (Cessa a música.
BAIXINHO
(Rapidamente.) Por quanto você quer vender?
VICENTE
Não quero vender nunca. Meu pai já vendeu, mas vou busca-lo.
MENINA
Não vende não!...
19
BAIXINHO
(Chamando os outros para confabularem num canto.) Venham cá. Fica aí,
palhaço, fazendo mais graça para ele. (Enquanto os três músicos bandidos confabulam,
o palhaço tenta continuar as graças.)
VICENTE
Não precisa disso não, palhaço. Você já deve estar cansado.
BAIXINHO
(Voltando-se para Vicente.) Ele come muito, seu cavalo?
VICENTE
Só milho e capim, às vezes um pouco de nuvem que desmancha.
BAIXINHO
(Como para si mesmo.) Nuvem desmanchada é chuva. É barato. (Para Vicente.) E
por onde anda ele?
VICENTE
Ai pelo mundo... Na serra da Mantiqueira, no Ceará ou... (Os três se aproximam.)
OS TRÊS
Ou...
VICENTE
Nas capitanias hereditárias.
OS TRÊS
!!!!
VICENTE
É. Um dia ele fugiu de casa e foi correr o mundo; agora tenho que ir atrás dele,
senão é capaz de se perder por estes perigos que existem promontórios e istmos de terra.
(Começa a sair com a menina.)
GORDO
Você vai por que estrada?
VICENTE
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Pela estrada do Ceará. Adeus, velhos. Na volta passo por aqui montado nele... (Sai
com a menina.)
5.ª CENA
BAIXINHO
Precisamos deste cavalo.
GORDO
Vamos matar o menino.
ALTO
Não adianta matar o menino sem termos primeiro o cavalo.
BAIXINHO
É de um cavalo assim que estamos precisando. Um cavalo milagroso, que nos
dará dinheiro sem precisarmos trabalhar.
ALTO
Ele como pouco milho.
GORDO
E capim.
BAIXINHO
Nós lhe daremos só capim. O milho está caro.
OS DOIS
Só capim.
BAIXINHO
Escutem aqui, amigos. Iremos atrás do menino. Quando ele achar o cavalo,
matamos o menino e trazemos o cavalo.
ALTO
Que grande idéia, Baixinho!
BAIXINHO
(Chamando.) Palhaço! Tira este circo daí. Vamos viajar.
(O palhaço tira as arquibancadas. Os velhos saem com seus instrumentos. João
de Deus tira as cadeiras e fala do meio da cena.)
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6.ª CENA
VELHO
Vicente, sempre acompanhado pela menina, começou sua busca pela estrada. Foi
primeiro até o Ceará. E o cavalinho não estava em Fortaleza nem em Cabrobó, nem em
lugar nenhum. Foi a Pernambuco, ao Amazonas, andou perto do Rio Negro e do
Tocantins. E nada. Depois voltou para o sul. Os dois meninos viajavam de dia e dormia
à noite... Mas não sabiam do perigo que vinha atrás deles. Os três velhos, fingindo que
eram músicos de verdade, para não serem vistos, andavam durante a noite e dormiam de
dia. Os velhos, cada vez mais gulosos, só pensavam no dinheiro que o cavalo azul ia
dar-lhes. (Volta para o tamborete.)
(A cena da viagem dos meninos perseguidos pelos músicos é feita com mudança
de luz e de música. Enquanto roca a música número 14A – BC – passam o menino e a
menina. A cena escurece para sugerir noite, mudando também a música para o número
14AB e passam os três músicos com ares de perseguição. Os meninos tornam a passar
e torna a clarear em cena. Os meninos estão visivelmente cansados. Voltam a passar os
velhos também cansados e finalmente tornam os meninos que se dirigem a João de
Deus no proscênio. Cessa a música.)
MENINA
Já andamos muito, Vicente. Vamos descansar um pouco.
VICENTE
Vamos. Também estou muito cansado. Ei, Sr. Deus! Este meu cavalo está me
dando tanto trabalho!...
(Os dois sentam-se perto do velho e dormem.)
VELHO
Tão cansados, coitadinhos. (O velho sussurra uma canção de ninar enquanto
escurece sobre eles e os velhos entram em cena com sua música e param também para
descansas. Cessa a música.)
ALTO
(Sentando-se perto de seu piana.) Quanto você acha que ele vale, hem Baixinho?
BAIXINHO
(Abrindo a portinhola do contrabaixo e tirando uma banana.) Milhares de notas
de cinco cruzeiros.
ALTO
Ficaremos ricos e não precisaremos mais trabalhar. (Abre seu piano e tira também
uma banana, dando outra para o Gordo. Eles comem a banana.)
BAIXINHO
22
Vamos embora que está a amanhecendo. Não podemos perder a pista do menino.
OS DOIS
Não podemos perder a pista do cavalo azul. (Saem.)
7.ª CENA
VELHO
Enquanto dormem um pouquinho, vou preparar a cidade aonde eles vão chegar.
(O velho puxa o coreto para o meio da cena. Os meninos se levantam, espreguiçam e
entram na cidade enquanto o velho volta ao tamborete.)
VICENTE
Vem ali um homem. (Aparece um homem bem vestido. Cessa a música.) Homem,
será que o senhor viu um cavalo azul passando por aqui?
HOMEM
Um, o quê?
VICENTE
Um cavalo azul
HOMEM
Você está doido? Isto aqui é uma cidade. Não existe destas coisas por aqui. (Quer
sair.)
VICENTE
(Puxando-o.) Existe sim, o meu. Quer saber como ele é?
HOMEM
Tenho mais o que fazer do que ouvir histórias de cavalos azuis. Já estou atrasado
cinco minutos. Não posso chegar atrasado.
(Vem vindo outro homem.)
VICENTE
O senhor viu?
2.º HOMEM
Meu relógio estava atrasado três minutos. Não posso perder a hora. (Sai.) (Vem
vindo o 3.º homem.)
23
VICENTE
Será que o senhor viu?
3 .º HOMEM
Não vi nada. (Desaparece.)
VICENTE
(Vem vindo a lavadeira.)
E a senhora viu?
LAVADEIRA
Não adianta perguntar, que não vi nada. Se vejo alguma coisa, não posso lavar
toda a roupa. (Sai.)
VICENTE
E os senhores?
(Vêm vindo os soldadinhos.)
TRÊS SOLDADINHOS MARCHANDO
(Cantando em cadência.) Não temos tempo a perder... Não temos tempo a
perder... Não temos tempo a perder... (Saem.)
VENDEDOR
Quem quer comprar?... Quem quer comprar?... Quem quer comprar?...
(A menina sai atrás do vendedor. A cidade, num ritmo mais acelerado, torna a
voltar e todos, sem perceberem Vicente passam de um lado para o outro, sempre
dizendo suas frases apressadas.)
VICENTE
(Gritando acima de todas as vozes.) Quem viu meu cavalo azul? Quem viu meu
cavalo azul? (Toda a cidade desaparece, ouve-se então a voz da Velha-Que-Viu.)
VELHA-QUE-VIU
Eu vi... eu vi. (Entra em cena, vestida de uma maneira estranhamente fora de
moda, como estas loucas que usam chapéu, xale e bolsa e que, em outras épocas, foram
elegantes.)
VICENTE
(Precipitando-se para ela.) Viu? Azul?
VELHA-QUE-VIU
24
Todo azul com enormes asa para voar a terra.
VICENTE
É. É.
VELHA-QUE-VIU
E com grandes barbatanas para nadar no mar.
VICENTE
(Achando que a velha está exagerando.) Bem, isto...
VELHA-QUE-VIU
(Contando.) E dois olhos de fogo, numa cabeça tão linda... tão linda...
VICENTE
(Não se contendo.) Ela viu... Ela viu! (Para a velha.) Espera, vou chamar minha
amiga. (Sai de cena.) Menina... menina... ela viu...
(Enquanto Vicente procura a menina, chegam os três velhos e raptam a velha.)
GORDO
Ela viu. É nossa. (Desaparecem com a velha, que não reage.)
VICENTE
(Voltando com a menina.) Onde está a Velha-que-viu? Para onde foi a Velha-queviu? Desapareceu! Velha! Velha!
MENINA
(Sentando-se na escada do coreto muito desanimada.) Vicente, não adianta mais a
gente procurar... já andamos tanto... tanto!
VICENTE
Já estamos quase encontrando. A velha viu. Ela vai nos dizer para onde ele foi...
Onde? Onde está você, meu cavalinho? Bem perto?
VENDEDOR
(Chegando.) Quem quer comprar?... Quem quer comprar?...
MENINA
(Desanimada.) O senhor tem um cavalinho azul?
25
VENDEDOR
Azul, vermelho, amarelo... da cor que o freguês quiser...
VICENTE
De verdade?
VENDEDOR
De papelão.
MENINA
Quanto custa?
VENDEDOR
Cinco cruzeiros. (Tira um cavalinho de massa azul.)
VICENTE
Será que o senhor não viu um de verdade?
MENINA
Este mesmo serve, Vicente. Vamos embora. Estaou com medo.
VENDEDOR
Por que é que você não procura no curral do Cowboy?
VICENTE
Lá tem cavalos?
VENDEDOR
Muitos. (Sai.) Quem quer comprar? Quem quer comprar?
VICENTE
Então vamos lá, meninazinha?
MENINA
Quero ir para casa, Vicente. Este mesmo serve.
VICENTE
É a última vez que procuramos, está bem?
26
Promete?
MENINA
VICENTE
Depois você pode voltar.
MENINA
E você?
VICENTE
Só volto quando encontrar meu cavalinho. Coitado. Tão sozinho.
MENINA
Então, vamos. (Os dois saem. A menina puxando o cavalo de papelão.)
VICENTE
(Saindo.) Pena que a Velha-que-viu tenha sumido. (Voltam os três músicos
carregando a velha.)
BAIXINHO
Agora pode falar, velha.
ALTO
E depressa, que não temos tempo a perder. (A velha fica quieta e entra no coreto
cantarolando.) Fala, velha. Onde é que está o cavalo? Você viu?
VELHA-QUE-VIU
O vento é verde, a chuva é branca, e lá vem o menino cavalgando no cavalo azul.
OS TRÊS
É ele. Onde? (Amedrontados, eles saem de cena e tornam a voltar com os
instrumentos de onde tiram armas.)
VELHA-QUE-VIU
Cavalgando na nuvem...
OS TRÊS
(Olhando e apontando armas para as nuvens.) Nas nuvens? Deve ser um
monstro!
27
GORDO
Um dragão!
ALTO
Um dragãozão!
VELHA-QUE-VIU
(Agora bem rápido.) Lá vem o menino cavalgando no cavalo azul... Cavalgando
na nuvem que preta e grita: ai! ai! ai! Quero cair, quero molhar... quero virar rio, pro
cavalo beber... (A velha começa a passear pela cena seguida pelos velhos estupefatos.)
Pacata, pacata ... pacata...
BAIXINHO
Ela é doida!
VELHA-QUE-VIU
Quero cair.
Quero molhar.
Virar um rio.
Pacatá, pacatá, pacatá.
Um rio virar
Pro cavalo beber... ah! ah! ah!
BAIXINHO
Pára com isto, velha (Segura a velha.) Quer matar de susto três pobres velhos que
sofrem do coração? hem? Onde é que você viu o cavalo azul, hem? Diz logo, velha,
senão eu te mato.
VELHA
Me larga, velho horroroso... (A velha se desprende e sai correndo com os velhos
atrás numa corrida bastante ridícula. A velha escapole e some.)
ALTO
Depressa, Gordo. Lá vem gente. Ninguém deve saber que estamos aqui.
(Os três mais que depressa tomam seus instrumentos, guardam as armas, entram
no coreto e começam a tocar uma valsinha lenta. Música n.º 5 AB. Pela frente e por
trás dos velhos passam os habitantes da cidade que nós já conhecemos. Ninguém
repara nos velhos. Todos saem. Menos o vendedor.)
VENDEDOR
Quem quer comprar...
GORDO
28
Psiu! Seu vendedor!
VENDEDOR
Quer comprar, senhor?
BAIXINHO
Queria saber se o senhor não viu um menino com uma menina.
VENDEDOR
Ora, senhor, eu vejo tantos todos os dias.
BAIXINHO
Mas este é diferente. Ele anda atrás de um cavalo azul.
VENDEDOR
Ah! Aquele? Vi sim. A menina até me comprou um brinquedo.
ALTO
Para onde foram eles?
VENDEDOR
Acho que foram até o curral do Cowboy. Lá está cheio de cavalos. Pode ser que
ele encontre o dele lá.
BAIXINHO
Curral do Cowboy onde é?
VENDEDOR
No fim desta estrada que começa ali. Quem são os senhores? Parentes do menino?
BAIXINHO
Tios dele. E donos de um circo lá no sul. Obrigado pela informação. Vamos,
pessoal. Precisamos encontrar nosso sobrinhozinho.
OS DOIS
Nosso sobrinhozinho. (Os velhos saem com a música n.º 14B.)
VENDEDOR
Quem quer comprar... (O vendedor sai e o velho tira o coreto.)
29
8.ª CENA
VELHO
O caminho para o curral do Cowboy era muito comprido. Vicente e a meninazinha
começaram a andar pela estrada mas se perderam no caminho.
(Enquanto o velho fala no proscênio, os meninos passam com a música n.º 1B)... e
foram para longe do curral. (Cessa a música.) Mas os velhos, que são bandidos muito
espertos, vão chegar primeiro ao curral. Neste lugar o cowboy criava cavalos para
vender aos circos. Eram portanto cavalos ensinados. (Entram os quatro cavalinhos
brancos. Os atores que vestem a cabeça dos cavalinhos brancos entram de lado,
levando uma única peça de cenário que esconde o corpo e as pernas dos atores e
representa o curral). De noite os bandidos chegaram. Estava muito escuro. (Escurece
em cena enquanto surgem os três bandidos com lanternas e começam a procura,
iluminando a cara de cada cavalo que levanta o focinho à medida que é iluminado.)
BAIXINHO
Este é branco (Os outros respondem sempre: é branco.) Este também é branco.
Este também é branco. Este também é branco.
OS DOIS
Tudo branco.
OS TRÊS
Onde está o azul?
ALTO
Só se está trancado. Vamos esperar o dia chegar e perguntar ao vaqueiro.
GORDO
Por que não procurar logo?
ALTO
Se o vaqueiro desconfia pode mandar nos prender.
GORDO
Por que não pedimos a ele para nos vender?
BAIXINHO
Você é cretino, Gordo? Acha que alguém vai querer vender um cavalo que voa,
que canta e que é azul?
ALTO
30
Temos é que roubar.
GORDO
Vamos logo, então.
ALTO
Vê se o dia está nascendo?
GORDO
(Olhando.) Já. (Clareia em cena, os cavalos relincham e levantam a cabeça. Os
bandidos se escondem. Chega o Cowboy com seu grande chapéu.)
COWBOY
Que barulho é este? Se é ladrão de cavalo, atenção! Que eu atiro. (Puxa os
revólveres.) Não há ninguém aí? (O Cowboy corre a cena até que ouve o barulho de um
dos instrumentos, e muito desconfiado aponta os revólveres. Os três músicos,
apavorados, imediatamente saem do esconderijo segurando os instrumentos.)
BAIXINHO
Somos três pobres músicos pedindo esmola.
COWBOY
Músicos, aqui no curral. Isto está me cheirando a mentira.
ALTO
Somos músicos, sim.
GORDO
Sim, somos músicos.
BAIXINHO
Ouça, senhor Cowboy. (Começam a tocar a música n.º 5B.)
COWBOY
(Interrompendo.) Vocês não vieram roubar meus cavalos? (Os três começam a rir
nervosamente.)
BAIXINHO
Que bobagem!
ALTO
31
Que bobagem!
GORDO
Que bobagem!
BAIXINHO
Vamos continuar a tocar para ele. (Os três põem-se a tocar – música n.º 5A,
enquanto o Cowboy passeia desconfiado. Enquanto tocam, chegam Vicente e a
menina.)
VICENTE
Olha quem está aqui. O circo! Os nossos amigos do circo. Os músicos! (Os três
bandidos param de tocar e ficam estatelados.) Queridos músicos, como é que vocês
vieram parar aqui? (Os três se entreolham e olham para o Cowboy.)
BAIXINHO
Andando.
ALTO
Andando.
GORDO
Andando.
VICENTE
Para que vocês estão aqui?
BAIXINHO
Viemos tocar música para este Cowboy. (Música 5A.)
ALTO E BAIXINHO
Viemos (Confirmando.)
COWBOY
Acho que eles são ladrões de cavalos.
VICENTE
São não, seu Cowboy. Eles são músicos do maior circo do mundo. Como vai o
palhaço?
32
GORDO
Vai bem.
ALTO
Vai bem.
BAIXINHO
Vai bem.
VICENTE
Com licença. Quero falar agora com o Cowboy, porque (Falando
confidencialmente.) o meu cavalinho azul está aqui. Com licença. (Vicente leva o
Cowboy para um canto e começa a conversar. Os músicos querem ouvir a conversa.)
Ouve-se apenas o Cowboy dizer alto:
COWBOY
Azul? Sim, claro, venha comigo. (Os três saem de cena.)
BAIXINHO
(Para os músicos.) Vocês não ouviram? (Os três abrem as portinholas dos
instrumentos e tiram os revólveres.) Agora o cavalo está no papo. (Vem vindo o Cowboy
com os meninos.) Mãos ao alto!
ALTO
Mãos ao alto!
BAIXINHO
Mãos ao alto!
GORDO
Passem já para cá o cavalo azul. (Os cavalos brancos, assustados, fogem em
disparada. O Cowboy levanta a mão. Vicente e a menina olham sem compreenderem o
que está se passando.)
GORDO
Mãos ao alto, menino!
ALTO
Mãos ao alto, menina! (Todos estão de mãos erguidas.)
COWBOY
33
Ladrão de cavalos. Bem que eu desconfiava.
BAIXINHO
Passem logo o cavalo azul, se não querem levar tiros na barriga.
VICENTE
Mas ele não está aqui, seu músico.
BAIXINHO
Não me faça de bobo, sim, menino? Já estou cansado de ouvir mentiras. Pensa que
não ouvi o Cowboy dizer que o azul estava aqui?
VICENTE
Mas não é o meu, seu Baixinho. O meu não igual àquele.
BAIXINHO
Seu Cowboy, não tenho tempo a perder. O cavalo ou a vida.
COWBOY
(Vendo que não pode fazer nada contra tanta arma apontada.) Hip! Hip! Hip!
Azul! Azul! (Todos aguardam ansiosos a chegada do cavalo.)
BAIXINHO
Vamos, por que ele não aparece?
COWBOY
Hip! Hip! Hip! Azul! (Surge um dos cavalos brancos, muito tímido.)
GORDO
Mas este não é azul!
OS TRÊS
É branco.
COWBOY
O nome dele é Azul, porque tem olho azul.
BAIXINHO
(Para Vicente.) É este o seu?
34
VICENTE
(Rindo.) Não... O meu é todo azul e grande!
ALTO
(Meio akucinado.) E sabe cantar.
GORDO
(Idem.) E voar!
BAIXINHO
(Realista.) E vai dar muito dinheiro ao Baixinho aqui... Vamos, (Gritando.) quero
seu cavalo azul, está ouvindo? (Sacode o menino, enquanto o Cowboy e a menina saem
disfarçadamente.) Quero o seu cavalo para o meu circo, compreende? Agora, neste
minutinho.
VICENTE
Mas eu estou procurando o meu cavalo, e depois vou leva-lo ao circo. Fica calmo,
seu músico, não é preciso isso aí. (Revólver.) O senhor é músico mesmo, ou é bandido?
BAIXINHO
Bandido... e músico.
VICENTE
Mais bandido do que músico... ou mais músico do que bandido?
BAIXINHO
Quase que só bandido.
VICENTE
Vocês três?
OS TRÊS
Nós três. (Os três tiram as barbas e fazem caras de bandidos.)
VICENTE
Que caras feias, meu santo Deus. Vocês roubam pianos, violões, violoncelos,
violinos, violas e vitrolas?
ALTO
35
Nós roubamos tudo.
BAIXINHO
Ghega de conversa, amarrem o menino. Enquanto ele não nos der seu cavalo azul,
não será solto. (O Alto e o Gordo amarram o menino.) Vamos, agora trate de descobrir
o seu cavalo.
VICENTE
Amarrado ninguém pode procurar nada. Se vocês fazem o favor de me
desamarrar.
BAIXINHO
Vai é morrer, porque estou desconfiado que este negócio todo é mentira.
ALTO
Nos fez andar meses e meses atrás dele...
GORDO
Estou cansado de procurar.
BAIXINHO
Menino que faz bandido ficar cansado e não acha cavalo azul, deve morrer.
OS DOIS
Morrer.
VICENTE
Mas, se eu morrer, quem vai procurar meu cavalinho?
BAIXINHO
Não interessa.
ALTO
Não interessa.
GORDO
Não interessa. (Ouve-se de fora a voz do Cowboy, que em seguida aparece
armado.)
COWBOY
36
Mãos ao alto! (Os três largam tudo e ficam de mãos para o alto.) Músicos de meia
tigela! Ldrões de cavalos! Já, já, para a polícia, andem!
BAIXINHO
(Fingindo.) Deixe ao menos levar nossos instrumentos, Sr. Cowboy. Assim,
quando estivermos na prisão sozinhos, nossa música distrairá...
COWBOY
Está bem. Mas andem logo. (Os músicos fingem que vão pegar os instrumentos e
saem correndo com o Cowboy atrás.) Parem, seus bandidos, que eu atiro mesmo... (Sai
atrás dos bandidos. A menina se apressa em desamarrar o menino.)
MENINA
Vicente, meu amigo, vamos embora? para nossa casa? Minha mãe e meu pai
devem estar muito aflitos procurando.
VICENTE
Estou com muitas saudades lá de casa, também.
MENINA
Então vamos.
VICENTE
Preciso primeiro achar ele. Depois eu volto. Você vai na frente, está bem? A gente
pede ao Sr. Deus para te levar. O senhor leva? (dirigindo-se ao velho.)
VELHO
(Sem se mexer.) Levo, sim, Vicente. Eu levo a meninazinha para a casa dela.
VICENTE
Eu sabia, Sr. Deus. (Para a menina.) Diga a papai e mamãe que estou quase
achando o meu cavalinho. Diga a mamãe para preparar uma cama bem macia para mim.
Estou cansado de tanto dormir no chão duro. Diga a papai para preparar capim verde
para o cavalinho. Diga ao palhaço que os músicos são bandidos e quando eu chegar
vamos fazer um circo só para nós. Me esperem todos na entrada da cidade que vou
chegar como um doido galopando no meu cavalo...
MENINA
Adeus, Vicente, e volta logo. Cuidado com os perigos. (Sai.)
VICENTE
37
(Enquanto a menina dá a mão ao velho, saindo em seguida pelo proscênio.) Diga
a mamãe para botar vestido novo para minha chegada e fazer doce de coco e canja de
galinha para eu comer... Adeus... (Enquanto a menina sai, puxando seu cavalinho de
papelão, ouve-se a música n.º 1B (só flauta-contrabaixo.) (Ao mesmo tempo, o
cavalinho branco de olho azul sai, levando seu curral. Vicente fica sozinho, olhando
sair o cavalo de papelão.) Agora vou à serra da Mantiqueira, (Maroto.) Acho que você
está é lá, meu cavalinho! (Vicente sai de cena. Cessa a música.)
(Pela cena aparecem os três bandidos fugindo do Cowboy, que vem logo atrás
com a música n.º 14B. Voltam os três músicos em mãos ao alto com o cowboy atrás.
Desaparecem.)
(Música n.º 3B.)
VELHO
Como vocês viram, os três músicos foram presos, a menina levei para a casa dela.
Todos na cidade estão esperando Vicente voltar. Ele continuou correndo mundo. (Na
cena surge Vicente todo esfarrapado, sem um pé de sapato, comendo um pedaço de pão
– O ator ou atriz que faz o Vicente deve trocar de roupa para esta cena.) Quando estava
muito cansado, vinha deitar aqui perto de mim. (Vicente deita-se perto de João de
Deus.) E foi assim que um dia... Vejam vocês...
(No palco uma luz azulada e estranha começa a clarear a cena. Vicente se
apruma e aproxima-se do meio do palco, atento. Ele está quase em silhueta. Tudo está
azulado e escuro. A música n.º 30 A.B.C. num crescendo, acompanhada pelo galopar
de um cavalo anuncia a aproximação do cavalinho azul, que surge do fundo da cena
imponente e todo azul, com cauda branca. Este cavalo representa o mesmo pangaré do
início da peça agora transfigurado. Vicente, imóvel, observa.)
VICENTE
(Como se estivesse fazendo a coisa mais natural do mundo, sem absolutamente
encarar a aparição do seu cavalinho como coisa impossível, pega a corda que, como
na primeira cena, caía do pescoço do cavalo e começa a fazer com ele as mesmas
evoluções). Upa! Upa! meu cavalinho. Vamos já para casa, meu cavalinho! Papai,
mamãe, a menina, o palhaço, estão todos nos esperando na entrada da cidade! Todos
esperam nossa volta! Upa! Upa! Upa! Para casa, meu cavalinho. A galope! Para casa!
(O cavalo dá várias galopadas em torno do menino, enquanto a música cresce, a
luz se acende e se apaga em vários tons de cores, e o pano se fecha.)
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