Daniel Buren
nascido em 1938, em Boulogne-Billancourt. Vive e trabalha in situ.
Daniel Buren
born in 1938, in Boulogne-Billancourt. He lives and works in situ.
Após estudar na Ecole des Métiers d’Art entre 1957 e 1960, seguido por um curto
período na Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts, Daniel Buren conduziu
uma série de experimentos que ficavam na fronteira entre pintura, escultura e
cinema no início de sua carreira artística. Após seus primeiros trabalhos pictóricos
em 1960, ele rapidamente seguiu para uma economia de meios que já revelava a
neutralização do conteúdo ilusionista da pintura e sua indiferença com relação ao
sujeito da narrativa, temas centrais em seu trabalho artístico. Em setembro de
1965 ele começou a utilizar material de cortinas listradas, cujos componentes se
transformaram na base de sua sintaxe artística – listras verticais brancas e coloridas
com 8,7 cm de largura alternadas. Este motivo manufaturado industrialmente foi a
resposta perfeita ao seu desejo pela objetividade e permitiu com que ele acentuasse
o impessoal de seu trabalho, embora, inicialmente, fosse utilizado apenas como
apoio. Após sua experiência com Olivier Mosset, Michel Parmentier e Niele Toroni,
em 1966–67, fundado na repetição sistemática do mesmo motivo e na vontade de
cada artista de realizar a ‘última pintura’ de sua própria forma, Buren começou a
explorar as possibilidades do motivo listrado como signo, afastando-se da pinturaobjeto e seguindo em direção ao que chama de ‘utensílio visual’. Em novembro de
1967, ele começou a imprimir papel listrado. Posteres e papel pintado permitiam
com que cobrisse superfícies muito variadas de forma praticamente infinita. A rua é
um de seus locais favoritos até hoje. Ele inventou a noção do ‘in situ’ no campo de
artes plásticas para caracterizar uma prática intrinsicamente ligada ao topológico e
especificidade cultural dos locais em que o trabalho é apresentado.
After studying at the Ecole des Métiers d’Art from 1957 to 1960, followed by
a brief spell at the Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts, Daniel Buren
conducted a series of experiments at the beginning of his artistic career that
lay on the boundary between painting, sculpture and cinema. Following his first
pictorial works in 1960, he moved rapidly towards an economy of means which
already revealed a neutralization of the illusionistic content of painting and his
indifference for the narrative subject, central themes in his work as an artist.
In September 1965 he began to use a striped curtain material, the components
of which became the basis of his artistic syntax – alternate white and coloured
vertical stripes 8.7cm wide. This industrially manufactured motif responded
perfectly to his desire for objectivity and enabled him to accentuate the
impersonal nature of his work, even though initially it was only used as a support.
After his experience in 1966–67 with Olivier Mosset, Michel Parmentier and Niele
Toroni, founded on the systematic repetition of the same motif and each artist’s
desire to realize the ‘last painting’ in their own way, Buren began to explore the
possibilities of the striped motif as sign, moving away from the painting-object
to what he called the ‘visual utensil’. In November 1967, he began having striped
paper printed. Posters and painted paper enabled him to cover very disparate
surfaces in a virtually infinite series of ways. The street is one of his preferred
spaces to this very day. He invented the notion of ‘in situ’ in the field of plastic
arts in order to characterize a practice intrinsically bound up with the topological
and cultural specificity of the places where the work is presented.
Mudanças políticas nos anos 1980 permitiram com que ocupasse espaços públicos de
forma menos transitória, e ele começou a produzir obras permanentes, a primeira,
e talvez a mais celebrada, foi a Les Deux Plateaux (1985–1986) no Palais-Royale.
Em 1986 ele venceu o Leone d’Oro na Bienal de Veneza pelo melhor pavilhão.
Buren logo começou a focar a crescente influência da arquitetura (principalmente
a arquitetura de museus) em sua arte. Ele começou a produzir trabalhos mais
tridimensionais e a conceber trabalhos não apenas como objeto mas como uma
modulação do espaço. Em 1975, veio seu primeiro Cabane Eclatée. Este momento
foi uma virada e acentuou a interdependência entre a obra e o local em que ela
está situada através de uma sutil jogada de construção e desconstrução. A obra
transformou-se em seu próprio local e um local para movimento e para caminhar.
Suas obras mais recentes ganham instrumentos de complexidade arquitetônica cada
vez maior que dialogam constantemente com a arquitetura existente, e envolvem
uma alteração do espaço, uma multiplicação lúdica de materiais (madeira, vinil,
materiais plásticos, grades) e uma explosão de cor.
Political changes in the 1980s allowed him to occupy public spaces in a less
fleeting fashion, and he began producing permanent works, the first and perhaps
most celebrated of which is Les Deux Plateaux (1985–1986) at the Palais-Royale.
In 1986 he was awarded the Leone d’Oro at the Venice Biennale for best pavilion.
Buren soon began to focus on the rising influence of architecture (particularly
museum architecture) in art. He began to produce more three-dimensional work
and to conceive of work no longer as an object but as a modulation of space. In
1975 came his first Cabane Eclatée. This was something of a turning point and
accentuated the interdependence between the work and where it is sited through
a subtle play of construction and deconstruction. The work became its own site
and a place for movement and for walking around. His more recent offerings
are ever-increasingly complex architectural instruments that constantly dialogue
with the existing architecture, and involve an alteration of space, a playful
multiplication of materials (wood, vinyl, plastic materials, grids) and an explosion
of colour.
Desde o início de 1990, a cor não era mais aplicada apenas a paredes, mas
literalmente ao ‘espaço instalado’ na forma de filtros e vidros ou plexiglass (acrílico)
colorido. A impressão resultante de uma explosão do trabalho, acentuada pelo uso
de espelhos, convida não apenas a uma mudança no olhar mas também do corpo
todo. Até hoje, Daniel Buren já produziu milhares de instalações in situ ao redor do
mundo. A maioria são desmontadas após a apresentação, e, assim, não existem
além do tempo e espaço em que foram concebidas. Entretanto, há também um
importante corpo de obras permanentes nas coleções dos principais museus ao
redor do mundo, e é surpreendente notar como tal economia de meios gera tanta
riqueza e complexidade de trabalho.
From the beginning of the 1990s, colour was no longer just applied to walls, but
literally ‘installed in space’ in the form of filters and coloured sheets of glass
or plexiglas. The resulting impression of an explosion of the work, accentuated
by the use of mirrors, invites not only a shift of the gaze but also of the entire
body. To date Daniel Buren has produced thousands of in situ installations all
over the world. The majority of these are destroyed after being presented, and so
do not exist outside the time and space for which they are conceived. However,
there is also an important body of permanent works in the collections of leading
museums around the world, and it is surprising to note how such an economy of
means has generated such a richness and complexity of work.
CORES, LUZ, PROJEÇÃO, SOMBRAS, TRANSPARÊNCIA: OBRAS IN SITU E
SITUADAS
CORES, LUZ, PROJEÇÃO, SOMBRAS, TRANSPARÊNCIA: OBRAS IN SITU E SITUADAS
Galeria Nara Roesler, 2015
Galeria Nara Roesler, 2015
A Galeria Nara Roesler do Rio de Janeiro tem o prazer de apresentar a individual
do francês Daniel Buren. Conhecido no mundo todo por suas intervenções públicas
com listras brancas e coloridas, sua marca registrada, o icônico artista conceitual
foi exibido pontualmente no Brasil (na Bienal de São Paulo em 1983 e 1985 e no
Centro Municipal de Arte Hélio Oiticica em 2001). Após 14 anos sem uma mostra
inteiramente dedicada a seu trabalho, ele exibirá entre 24.03 e 02.05 intervenções
criadas especialmente para o espaço da galeria em Ipanema.
Para a Galeria Nara Roesler do Rio de Janeiro, além de criar uma instalação
inédita nos moldes de suas instalações mais recentes, Buren deve utilizar a
claraboia do corredor para criar seus jogos cromoluminosos, em que o espectador
vê sua percepção cotidiana ser alterada para uma nova ordem, que remete ao
lúdico.
Galeria Nara Roesler in Rio de Janeiro is proud to present a solo exhibition by
France’s Daniel Buren. Known worldwide for his public interventions featuring his
trademark white and colored stripes, the iconic conceptual artist has had his work
shown occasionally in Brazil (at the São Paulo Art Biennial in 1983 and 1985 and at the
Hélio Oiticica Municipal Art Center in 2001). After a 14-year span without an exhibit
devoted entirely to his work, from 24.03 to 02.05 he will show interventions created
especially for the gallery in Ipanema.
For Galeria Nara Roesler in Rio de Janeiro, besides creating a brand new installation
along the lines of his latest pieces, Buren will likely take advantage of the hallway
skylight to create his color-and-light games, whereby spectators watch as their
commonplace perception gets altered into a new, playful order.
vista da exposição/exhibition view Galeria Nara Roesler, Rio de Janeiro. Foto/Photo: Pat Kilgore
vista da exposição/exhibition view Galeria Nara Roesler, Rio de Janeiro. Foto/Photo: Pat Kilgore
vista da exposição/exhibition view Galeria Nara Roesler, Rio de Janeiro. Foto/Photo: Pat Kilgore
vista da exposição/exhibition view Galeria Nara Roesler, Rio de Janeiro. Foto/Photo: Pat Kilgore
Cores, luz, projeção, sombras, transparência: obras in situ e situadas 2015
vista da exposição/exhibition view Galeria Nara Roesler, RIo de janeiro
foto/photo Pat Kilgore
vista da exposição/exhibition view Galeria Nara Roesler, Rio de Janeiro. Foto/Photo: Pat Kilgore
vista da exposição/exhibition view Galeria Nara Roesler, Rio de Janeiro. Foto/Photo: Pat Kilgore
COMME UN JEU D’ENFANT no MAMCS,
Estrasburgo, 2014 - 2015
COMME UN JEU D’ENFANT at MAMCS,
Strasbourg 2014 - 2015
A exposição Like Child’s Play, Works On-site, 2014 (Como Brincadeira de Crianças,
Trabalhos No Local, 2014) apresenta duas novas obras de Daniel Buren para o
Strasbourg Modern and Contemporary Art Museum. Elas foram instaladas na fachada
de vidro de de 1500 m2 do MAMCS e em 600 m2 de área de exposição temporária. O
projeto em duas partes complementares, em ambos os casos, oferece aos visitantes
uma chance de redescobrir, em uma nova luz, a arquitetura do museu e suas áreas de
exposição temporárias.
The exhibition Like Child’s Play, Works On-site, 2014 presents two new works
created by Daniel Buren for the Strasbourg Modern and Contemporary Art
Museum (MAMCS). They have been installed on the MAMCS’ 1500 m2 glazed
façade and in the 600 m2 temporary exhibition area. The project is in two parts
that fully complement each other and in both cases give the visitors a chance to
rediscover in a new light the architecture and temporary exhibition spaces of the
museum.
Na claraboia de vidro e nas grandes janelas ao lado da “nave” do MAMCS, Buren
continua a abordagem in situ que usa desde 1968. A arquitetura do museu (desenhado
pelo estúdio Fainsilber) é vista e compreendida pelo que é, a proposta de Buren que
consiste na ampliação desta área extensa. Ele alcança isso através de seu trabalho com
luz e valores cromáticos, modificados pelo uso de filme colorido fixado diretamente no
vidro da claraboia. Acrescentados assim à “nave” de 25 metros de altura, estes “vitrais”
criam um efeito impressionante, alternado radicalmente nossa visão da icônica fachada
do museu conforme visto do lado de fora, além de nossa percepção do espaço interior.
On the glass canopy and the large windows lining the “nave” of the MAMCS,
Buren continues the in situ approach he has been using since 1968. The
museum’s architecture (designed by the Fainsilber studio) is seen and understood
for what it is, Buren’s proposal consisting in enlarging this extensive area. This he
achieves through his work on light and chromatic values, modified by the use of
tinted film affixed directly to the glass canopy. Thus added to the 25 metre high
“nave”, these “stained glass windows” create a striking effect, radically altering
our vision of the museum’s iconic facade as seen from the outside, as well as our
perception of the interior space.
No espaço de exposição, completamente esvaziado para a ocasião, uma paisagem
arquitetônica foi construída em um plano regular de três quadrados, com cem
componentes de madeira pintada pelos quais os visitantes transitam. Os módulos, com
formas geométricas (cuboides, cilindros, cubos, pirâmides ou arcos) são organizados
simetricamente na sala, como um grande jogo de construção. Os componentes
instalados na primeira metade da sala são brancos, enquanto os próximos participam
de um jogo de cores. As listras alternadas de 8,7 cm de largura, emblemáticas no
trabalho do artista, são discretas embora visíveis no interior dos módulos em formato
de arco. A sala é dividida por uma passarela em seu cumprimento, marcada por
estruturas de 6 metros de altura; esculpidas centralmente em um “oculus”, os módulos
criam o efeito de um telescópio gigante. Com esta exposição dupla, Daniel Buren criou
instalações específicas à instalação que combinam a compreensão de uma estrutura
existente com uma proposta arquitetônica afirmativa, ou até escultural.
In the exhibition space, entirely cleared for the occasion, an architectural
landscape has been built on a regular plan of three squares, with a hundred
painted wooden components for the visitor to wander among. The geometrically
shaped modules (cuboids, cylinders, cubes, pyramids or arches) are arranged
symmetrically in the room, rather like a giant construction game. The components
installed in the first half of the room are left in white, while the following ones
play a colour game. The alternating, 8.7 cm wide stripes, emblematic of the
artist’s work, are discreet yet visible on the inside of the arch-shaped modules.
The room is divided lengthwise by a walkway, marked out by structures over 6
metres high; hollowed out in their centre by an “oculus”, the modules give the
effect of a giant telescope. With this double exhibition, Daniel Buren has created
site-specific installations that combine understanding of an existing structure
with an affirmative architectural, even sculptural, proposal.
Photo-souvenir : Comme un jeu d’enfant, work in situ,
vista da exposição/exhibition view MAMCS, Strasbourg, 2014-2015. detalhe/detail © DB-ADAGP Paris
Photo-souvenir : Comme un jeu d’enfant, work in situ,
vista da exposição/exhibition view MAMCS, Strasbourg, 2014-2015. detalhe/detail © DB-ADAGP Paris
Photo-souvenir : Comme un jeu d’enfant, work in situ,
vista da exposição/exhibition view MAMCS, Strasbourg, 2014-2015.
detalhe/detail © DB-ADAGP Paris
DANIEL BUREN no BALTIC CENTRE FOR CONTEMPORARY ART 2014
DANIEL BUREN at BALTIC CENTRE FOR CONTEMPORARY ART 2014
No Baltic Centre for Contemporary Art, Buren apresentou uma intervenção
em grande escala, colorindo as janelas do lado oeste do edifício e saturando
o interior com feixes de luz colorida, permeando os espaços e passagens. O
edifício todo se transformou em uma espetacular obra de arte na qual, em cada
visita, pessoas podem encontrar mudanças de acordo com a hora do dia e a
intensidade da iluminação ingressando na área.
At the Baltic Centre for Contemporary Art, Buren staged a large-scale
intervention, colouring the windows of the building’s west façade and saturating
its interior with swathes of coloured light, pouring into the spaces and
passageways. The whole building became a spectacular artwork for visitors to
experience with each encounter changing according to the time of day and the
intensity of the light flooding through.
Dentro da galeria Level 03, ele também apresentou uma seleção de relevos,
pinturas e esculturas raramente vistas nos últimos sete anos, com três novas
obras feitas especialmente para a exposição. Obras de fibra ótica da série
Electric Light (2011) do artista seguem sua preocupação com a forma, espaço,
luz e cor. Outras obras feitas com tinta, painéis de fibra e fitas brincam com a
oportunidade, superfície e arquitetura, fornecendo maior insight à largura da
prática de Buren.
Within the Level 03 gallery, he also presented a selection of rarely seen reliefs,
paintings and sculptures from the past seven years alongside three new works
made especially for the exhibition. Luminous fibre optic works from the artist’s
Electric Light series (2011) continue his preoccupation with form, space, light
and colour. Other works made with paint, fibreboard and tape play with depth,
surface and architecture providing further insight into the breadth of Buren’s
practice.
Trabalhando com a arquitetura de museus, Buren criou uma ambiciosa
intervenção que explora e responde ao incrível volume e escala do espaço da
galeria. Uma série de grandes espelhos esculturais refletem e fazem refração
da luz devido à luz colorida vindo das janelas acima, criando um ambiente de
imersão que muda durante o dia.
Working with the architecture of the museum, Buren created an ambitious
intervention which explores and responds to the remarkable volume and scale
of the gallery space. A series of large sculptural mirrors reflecting and refracting
light from coloured windows above, creating an immersive environment which
shifts throughout the day.
Catch as catch can: work in situ 2014 -- vista da exposição/exhibition view Baltic Centre for Contemporary Art
10 espelhos moldurados com adesivo vinil branco, vinil transparente (07 cores) na claraboia/
10 mirrors framed with white opaque vinyl, transparent vinyl (7 colours) on skylights -- foto/photo: John McKenzie
Catch as catch can: work in situ 2014 -- vista da exposição/exhibition view Baltic Centre for Contemporary Art
10 espelhos moldurados com adesivo vinil branco, vinil transparente (07 cores) na claraboia/
10 mirrors framed with white opaque vinyl, transparent vinyl (7 colours) on skylights -- foto/photo: John McKenzie
vista da exposição/exhibition view
Baltic Centre for Contemporary Art 2014
foto/photo: John McKenzie
vista da exposição/exhibition view -- Baltic Centre for Contemporary Art 2014 -- foto/photo: John McKenzie
vista da exposição/exhibition view -- Baltic Centre for Contemporary Art 2014 -- foto/photo: John McKenzie
Catch as catch can: work in situ 2014 -- vista da exposição/exhibition view Baltic Centre for Contemporary Art
10 espelhos moldurados com adesivo vinil branco, vinil transparente (07 cores) na claraboia/
10 mirrors framed with white opaque vinyl, transparent vinyl (7 colours) on skylights -- foto/photo: John McKenzie
DANIEL BUREN no S.M.A.K 2012
DANIEL BUREN at S.M.A.K 2012
Para a exposição ‘Chambres d’Amis’, em 1986, Daniel Buren aplicou seu famoso
motivo listrado ao quarto de hóspedes na casa dos colecionadores de arte Annick e
Anton Herbert. Na ocasião, ele também instalou uma cópia do quarto no museu. Esta
metade pública do ‘Le Décor et son Double’ foi recriado e incorporado na coleção
S.M.A.K.
For the ‘Chambres d’Amis’ exhibition in 1986, Daniel Buren applied his familiar
banded motif to the guest room in the house of the art collectors Annick and
Anton Herbert. He also installed a copy of the room in the museum at the time.
This public half of ‘Le Décor et son Double’ was recreated and incorporated into
the S.M.A.K. collection.
Em 1986, Jan Hoet – então diretor do Museu de Arte Contemporânea de Ghent, agora
S.M.A.K. – organizou a exposição extra muros ‘Chambres d’Amis’, que mostrou arte
contemporânea em casas particulares ao redor de Ghent. Daniel Buren foi um dos 51
artistas internacionais que criaram uma obra in situ, integrada à habitação do dia-adia de cidadãos que estavam dispostos a abrir suas portas primeiro para um artista e
depois para o público. ‘Le Décor et son Double’ (1986) foi concebido como uma obra
em duas partes, com uma metade localizada na casa dos colecionadores Annick e
Anton Herbert no Raas van Gaverestraat, e a outra metade no museu público.
In 1986, Jan Hoet – then director of the Museum of Contemporary Art in Ghent,
now called S.M.A.K. – organized the extra muros exhibition ‘Chambres d’Amis’,
which showed contemporary art in private houses throughout the city of Ghent.
Daniel Buren was one of the 51 international artists who created a work in situ,
integrated in the everyday living space of citizens who were willing to open their
doors first to an artist and then to the public. ‘Le Décor et son Double’ (1986)
was conceived as a work in two parts, with one half located at the home of the
collectors Annick and Anton Herbert at Raas van Gaverestraat, and the other half at
the public museum.
Seguindo as regras do ‘Chambres d’Amis’, Buren interviu na casa dos Herberts
aplicando uma ‘ferramenta visual’ em seu quarto de hóspedes – papel listrado branco
e fúcsia – em superfícies delimitadas por diagonais em dois lados da área interna.
Entretanto, o artista recusou-se a deixar completamente o espaço do museu –
conforme pretendido por Hoet – e, então, reconstruiu completamente e de forma
perfeitamente idêntica o quarto de hóspedes dos colecionadores entre as paredes
da instituição pública. Enquanto os Herberts preservaram a intervenção de Daniel
Buren em seu quarto de hóspedes, a parte pública de ‘Le Décor et son Double’ não foi
conservada. Hoje, 25 anos após ‘Chambres d’Amis’, a parte pública foi reconstruída e
faz parte da coleção do S.M.A.K.
Playing by the rules of ‘Chambres d’Amis’, Buren intervened in the home of the
Herberts by applying in their guest room his ‘visual tool’ – white and fuchsia striped
paper – on surfaces delimited by diagonals on two sides of the interior. The artist
refused nevertheless to leave the space of the museum completely – as intended
by Hoet – and placed an integral and perfectly identical reconstruction of the
collectors’ guest room within the walls of the public institution. While the Herberts
had preserved Daniel Buren’s intervention in their guest room, the public part of ‘Le
Décor et son Double’ was not conserved. Today, 25 years after ‘Chambres d’Amis’,
the public half has been rebuilt to become part of the S.M.A.K. collection.
EXCENTRIQUE(S), TRAVAIL IN SITU.
MONUMENTA 2012. GRAND PALAIS, PARIS.
2012
EXCENTRIQUE(S), TRAVAIL IN SITU.
MONUMENTA 2012. GRAND PALAIS, PARIS.
2012
A exposição Monumenta 2012 convidou Daniel Buren a criar uma obra para o espaço
monumental do átrio com 45 metros de altura na nave de 13.500 metros quadrados
do Grand Palais de Paris. Buren baseou sua instalação, Excentrique(s), travail in situ,
na observação de que a arquitetura do edifício do Grand Palais, de artistas barrocos
do século 19, tinha como base a geometria do círculo. Ele criou uma lagoa e floresta
de lírios de mastros de bandeira suportando discos de plástico transparentes que
projetavam o espectro de luz no piso.
The Monumenta 2012 exhibition invited Daniel Buren to create a work for the
monumental space of the 45-metre high glass atrium in the 13,500-square-metre
nave of the Grand Palais in Paris. Buren based his installation, Excentrique(s), travail
in situ, on the observation that the late 19th century baroque architecture of the
Grand Palais building was based on the geometry of the circle. He has created a
lily-pond forest of flagpoles supporting transparent, plastic discs, which project the
spectrum of light onto the ground.
Buren adota sequências matemáticas para a estrutura da obra. Os discos de
policarbonato são limitados a quatro cores – azul (repetido 95 vezes), e amarelo,
vermelho, verde (cada um repetido 94 vezes) apresentados em sequência alfabética.
No espaço central, uma plataforma de vidro de espelho reflete o domo acima. Uma
trilha sonora repete os nomes das cores em 40 línguas diferentes.
Buren adopts mathematical sequences to the structure of the work. The
polycarbonate discs are limited to four colours – blue (repeated 95 times), and
yellow, red, green (each repeated 94 times) displayed in an alphabetical sequence.
In the central space a mirror glass platform reflects the dome above. A soundtrack
repeats the names of the colours in 40 different languages.
Entrevista: Marc Sanchez e Daniel Buren
Interview: Marc Sanchez and Daniel Buren
Marc Sanchez: Como você escolheu as cores e organizou-as na obra?
Marc Sanchez: How did you choose the colours and arrange them in the work?
Daniel Buren: Em primeiro lugar, e isso frequentemente acontece comigo, as decisões
e escolhas feitas dependiam não apenas nas restrições do local mas também nos
materiais disponíveis. Para colorir as luzes como queria, a melhor solução acabou
sendo filme plástico, luz, um material flexível e transparente esticado sobre estruturas
de aço circular feitas especialmente para a ocasião. Mas este filme é oferecido apenas
em quatro cores básicas: azul, amarelo, laranja e verde. Assim, utilizei estas quatro
cores pois não havia outra escolha. Então, estas foram basicamente as cores do
material, às quais acrescentei branco e preto.
Daniel Buren: First of all, and this often happens to me, the decisions and choices
made depended not only on the constraints of the venue but also on the materials
available. For colouring the light as I wanted to, the best solution turned out to
be plastic film, a light, flexible, transparent material, stretched over circular steel
frames specially made for the occasion. But this film comes only in four basic
colours: blue, yellow, orange and green. So I used those four colours because there
was no other choice. So that was my basic coloured material, to which I added
white and black.
Então, utilizando um sistema muito simples que provou ser muito eficiente, distribui
as quatro cores em todo o plano, começando a partir do canto superior esquerdo
(o norte fica à direita) e sistematicamente completei todos os círculos com as cores
dispostas em ordem alfabética dos seus nomes (em francês): azul, amarelo, laranja,
verde. Isso gerou uma incrível distribuição na qual a primeira cor (azul) foi usada 95
vezes e as outras três cores, 94 vezes. Uma distribuição igual, além da primeira cor.
Assim, o ciclo Az, Am, L, V, Az, Am, L, V, Az, Am, L, V poderia seguir para sempre, mas
tinha de acabar com a primeira cor, o azul.
Then, using a very simple system which proved to be very effective, I distributed
those four colours over the plan of the whole device, starting from the top left (the
north is on the right) and systematically filling in all the circles with colours in the
alphabetical order of the names of the colours (in French): blue, yellow, orange,
green. That gave an astonishing distribution in which the first colour (blue) was
used 95 times and the three others 94 times. An equal distribution, plus the first
colour, as if the cycle B, Y, O, G, B, Y, O, G, B, Y, O, G could go on forever but had
to end with the first colour, blue.
No centro, a projeção vertical da circunferência do domo interrompe o acúmulo de
círculos coloridos e abre um grande espaço circular vazio no piso. O círculo foi enchido
de espelhos redondos que refletem a imagem do domo, nos quais os visitantes
In the centre, the vertical projection of the circumference of the dome stops the
accumulation of coloured circles and opens a big circular empty space on the
ground. This ring is filled with round mirrors reflecting the image of the dome,
podem subir. O domo é colorido com um quadriculado de filtros, colocados no
ponto mais alto do espaço, na própria claraboia, a uma altura de mais de 35
metros. A cor utilizada é o azul, e estou ansioso para ver como vai se misturar e
como as novas cores que vão surgir quando forem projetadas abaixo nas quatro
cores dos círculos, e nas listras pretas e brancas dos postes verticais.
MS: As cores são os principais aspectos do projeto: você quer que as pessoas
as vejam, andem por elas e que elas sejam projetadas no local e nos próprios
visitantes. Mas você também quer que seus nomes sejam falados e ouvidos em
muitas línguas diferentes. Por que incluiu som na exposição e como vai fazer com
que o público escute os nomes das cores?
DB: A ideia é usar o som para agir com o volume do espaço, misturar o som
com o ar ambiente, utilizando um sistema muito específico e sofisticado que vai
influenciar os visitantes no local, surpreendendo os ao invés de bombardeá-los
com um fluxo contínuo de sons. O som será feito de palavras, principalmente o
nome das quatro cores, mais preto e branco, e números. Eles serão ao chave para
a construção final da toda a peça e vão terminar com o número total de círculos
coloridos preenchendo o espaço.
Este texto será vociferado em cerca de quarenta línguas, de todo o mundo, como
por exemplo crioulo, galês, hebraico, tcheco, albanês, francês, alemão, finlandês,
árabe, inglês, espanhol, italiano, berbere, português, turco, etc. Os falantes dizem
os nomes de todas as cores em ordem alfabética em suas línguas respectivas e
então sons adicionais serão acrescentados por Alexandre Meyer.
MS: No centro da obra está um espaço aberto em que você colocou pódios nos
quais o público pode subir. O topo está coberto por vidro espelhado. Para que
serve este espaço?
DB: Falando metaforicamente, assim que os visitantes entrarem na nave, eles
entram em uma “floresta” de postes verticais brancos e pretos formados pelas
pernas que servem de apoio aos círculos coloridos; no centro desta “floresta”
há uma “clareira”, um espaço vazio circular, repentinamente livre, onde podem
parar e descansar por um tempo. Nesta clareira, a “sombra” colorida não está
mais presente pouco acima das cabeças dos visitantes, mas a cerca de 35 metros
acima. O espaço repentinamente fica “vazio”, na comparação com a confusão pela
qual acabam de passar, e ao sugá-los para cima, isso faz com que fiquem a par da
dimensão espacial da construção e do volume de ar e luz que o permeia. Assim, o
domo se transforma em uma enorme esfera, um grande balão ou uma aeronave,
que de repente sobe livremente para o céu, um tipo de corrente de ar irresistível,
em contraste com os dispositivos ancorados ao piso abaixo.
Os espelhos circulares, nos quais os visitantes podem sentar, deitar ou caminhar,
refletem a imagem do domo central, cujo formato e cor é projetada diretamente
no piso com o primeiro raio de sol.
which visitors can climb on to. The dome is coloured with a chequerboard pattern of
filters, placed at the highest point in the space, on the skylight itself, more than 35
metres in the air. The colour used here is blue, and I am looking forward to seeing
how it will mix and the new colours that will appear when it is projected on the four
colours of the circles underneath and on the black and white stripes on their vertical
posts.
MS: The colours are foremost in this project: you wanted people to see them, walk
into them and for them to be projected on the place and on the visitors themselves.
But you also wanted their names to be spoken and heard in many different
languages. Why did you include sound in the exhibition and how will you get the
public to hear the names?
DB: The idea is to use sound to act on the volume of the space, to mix sound with
the ambient air by using a very specific, particularly sophisticated system, which
will influence the visitors in the space, taking them by surprise rather than inflicting
a steady flow of sound on them. The sound will be made up of words: mostly just
the names of the four colours, plus black and white, and numbers. They will be the
keys to the construction of the whole piece and will end up with the total number of
coloured circles filling the space.
This text will be spoken in about forty different languages, from all over the world,
such as Creole, Gaelic, Hebrew, Czech, Albanese, French, German, Finnish, Arabic,
English, Spanish, Italian, Berber, Portuguese, Turkish, etc. The speakers will say the
names of the colours in alphabetical order in their respective languages and then
additional sound will be mixed by Alexandre Meyer.
MS: In the centre of the work is an open space where you have put podiums that the
public can climb on. The top side is covered with mirror glass. What is this space for?
DB: Metaphorically speaking, as soon as visitors step into the nave they enter a
“forest” of vertical black and white posts formed by the legs supporting the coloured
circles; in the centre of this “forest” there is a “clearing”, an empty, circular space,
suddenly free, where they can stop and rest for a while. In this clearing, the coloured
“sunshade” is no longer just over the visitors’ heads but nearly 35 metres higher up.
The space is suddenly “empty”, compared to the clutter they have just been through,
and by sucking them upwards should make them aware of the spatial dimension
of the building and the volume of air and light filling it. The dome then becomes an
enormous sphere, a great balloon or sort of airship, which suddenly rises freely into
the sky, a sort of irresistible air current, in contrast to the devices anchored to the
ground below.
The circular mirrors, that visitors can sit, lie or walk on, reflect the image of the
central dome, whose pattern and colour are projected directly on to the ground with
the first ray of sunshine.
Excentrique(s) 2012
vista da exposição/exhibition view Monumenta, Grand Palais, Paris
trabalho in situ/work in situ
Excentrique(s) 2012
vista da exposição/exhibition view Monumenta, Grand Palais, Paris
trabalho in situ/work in situ
Excentrique(s) 2012
vista da exposição/exhibition view Monumenta, Grand Palais, Paris -- trabalho in situ/work in situ
ECHOS no CENTRE POMPIDOU METZ 2011
ECHOS at CENTRE POMPIDOU METZ 2011
O Centre Pompidou-Metz desenvolveu um relacionamento privilegiado com Daniel
Buren, notadamente através da pré-inaugurarão de Constellation em 2009, que
produziu dois projetos: 5,610 flammes colorées pour un arc-en-ciel (5,610 chamas
coloridas formam um arcoiris), uma obra específica para o local na Rue Serpenoise, em
Metz, e, em setembro, Couleurs superposes (Cores em camadas), uma performance
que ele dirigiu na Metz Métropole Opera House and Theatre.
The Centre Pompidou-Metz has developed a privileged relationship with Daniel Buren
notably through the Constellation pre-inauguration event in 2009 which produced
two projects: 5,610 flammes colorées pour un arc-en-ciel (5,610 coloured flames make
a rainbow), a site-specific work in the Rue Serpenoise in Metz, and, in September,
Couleurs superposes (Layered colours), a performance which he directed at the Metz
Métropole Opera House and Theatre.
Um ano após a abertura, o Centre Pompidou-Metz convidou Daniel Buren a produzir
um projeto específico para a Galerie 3, em uma iniciativa conjunta com o Mudam
de Luxemburgo (Museu de Arte Moderna Grão Duque Jean). Buren criou uma peça
específica para o Grand Hall de Mudam, chamado Architecture, contre-architecture:
transposition (2010). O Centre Pompidou- Metz tomou então sua proposta com uma
instalação que integrará uma estrutura museográfica.
A year after its opening, the Centre Pompidou-Metz has invited Daniel Buren to
produce a project specifically for Galerie 3, in a joint initiative with Luxemburg’s Mudam
(Grand Duke Jean Museum of Modern Art). Buren has created a site-specific piece
for the Mudam’s Grand Hall, entitled Architecture, contre-architecture : transposition
(2010). The Centre Pompidou-Metz then takes up this proposal with an installation
that will integrate a museographic structure.
Photos-souvenirs : La ville empruntée, multipliée et fragmentée 2011
vista da exposição/exhibition view Centre Pompidou-Metz -- trabalho in situ/work in situ
Photo-souvenir :Les cabanes éclatées imbriquées 2011
vista da exposição/exhibition view Centre Pompidou-Metz -- trabalho in situ/work in situ
ARCHITECTURE, CONTRE-ARCHITECTURE : TRANSPOSITION no MUDAM 2010
ARCHITECTURE, CONTRE-ARCHITECTURE : TRANSPOSITION at MUDAM 2010
A exposição de Daniel Buren no Grand Hall de Mudam é fruto de uma intervenção
conjunta entre o artista, Mudam e o Centre Pompidou-Metz para criar uma instalação
específica com relação a seus espaços respectivos. Como frequentemente ocorre com
seus trabalhos, a instalação que o artista criou para Mudam considera as “molduras”
– sejam estéticas, arquitetônicas ou institucionais – que condicionam qualquer arte
exposta ao deixar certos aspectos visíveis.
The exhibition by Daniel Buren in the Grand Hall of Mudam is the fruit of a joint
invitation to the artist from Mudam and Centre Pompidou-Metz to create a specific
installation in relation to their respective spaces. As it is often the case with his work,
the installation the artist has conceived for Mudam is concerned with “frames” - be
they aesthetic, architectural or institutional - which condition any exhibited art by
rendering certain aspects visible.
A obra que Daniel Buren desenvolveu nos últimos quarenta anos é bem conhecida por
muitos cidadãos de Luxemburgo graças a uma série de peças externas chamadas D’un
cercle à l’autre Le paysage emprunté (De Um Círculo a Outro – Paisagem Emprestada)
instalado desde 2001 em diferentes locais na cidade de Luxemburgo. Tomando a forma
de painéis quadrados, listrados com faixas laranjas e brancas e perfurados com grandes
aberturas redondas, ele guia nossa atenção para vistas diferentes e pitorescas da
cidade, apresentando uma “imagem” emoldurada. O artista há muito considerava as
listras uma “ferramenta visual”: sem qualquer significado particular, mas emblemáticas
em seu trabalho, elas agem como signo, basicamente servindo para atrair a atenção e o
olhar direto. Com o passar do tempo, também viraram a assinatura do artista.
The work that Daniel Buren has developed over the last forty years is particularly
familiar to a lot of Luxembourgers thanks to a series of outdoor pieces titled D’un
cercle à l’autre Le paysage emprunté (From One Circle to Another - Borrowed
Landscape) installed since 2001 in different locations in the city of Luxembourg. Taking
the form of square panels, striped with orange and white bands and pierced with large
round openings, it directs our attention towards different picturesque views of the the
city, by presenting a framed “image”. The stripes were long considered by the artist
to be a “visual tool”: without any particular meaning, but emblematic of his work, they
act as a sign, basically serving to attract attention and direct the gaze. With time, they
have also become the signature of the artist.
Através de sua instalação em Mudam, Daniel Buren lidou com a “moldura” mais simbólica
do museu, a arquitetura de Ming Pei, enquanto subvertia, não sem certa ironia, o convite
para expor no espaço central do Grand Hall (que, por si, soma todos os aspectos mais
importantes do discurso arquitetônico de Pei). Em resposta a estes “controles”, Daniel
Buren muda um fragmento arquitetônico completo no Grand Hall: sua instalação toma o
porte real do pavilhão do museu (que tem o mesmo tipo de átrio do Grand Hall).
Through his installation at Mudam, Daniel Buren addresses the most symbolic “frame”
of the museum, namely the architecture of Ming Pei, while subverting, not without a
certain irony, the invitation to exhibit in the central space of the Grand Hall (which in
itself sums up the most important aspects of Pei’s architectural discourse). In response
to these “constraints”, Daniel Buren is shifting an entire architectural fragment into the
Grand Hall: his installation taking the life-size form of the museum pavilion (which has
the same type of atrium as the Grand Hall).
Ao expor a arquitetura por dentro da arquitetura instalação de proporções raras, Daniel
Buren não apenas enfatiza certas características arquitetônicas do museu, como também
salientou a função do edifício como “envelope” para a arte. Esta não é a primeira vez
que Daniel Buren subverte a arquitetura de um museu desta forma. Como ocorreu em
algumas das intervenções prévias, ele expõe o museu dentro deste museu, atraindo
assim a atenção aos limites entre interior e exterior, não apenas do edifício, mas da arte
em si.
By exhibiting the architecture within the architecture through this installation of rare
proportions, Daniel Buren is not only emphasizing certain architectural characteristics
of the museum, he is also highlighting the function of the building as an “envelope” for
art. It is not for the first time that Daniel Buren is subverting museum architecture like
this. As in some of his previous interventions, he is exhibiting the museum within the
museum here, thus drawing attention to the limits between interior and exterior, not
just of the building, but of art itself.
Além desta leitura artística de “molduras”, as peças recentes de Daniel Buren também
são distinguidas por considerações essencialmente pictóricas, que podem evocar seu
trabalho inicial nos anos de 1960 quando adotou a abordagem imediata mais possível
para pintura, significando nada mais do que ela mesma. Ao utilizar cor e luz, dois
materiais básicos da arte pictórica, com este átrio colorido Buren cria um tipo de pintura
3d que só fica completa com o olhar atento dos visitantes que cruzam o espaço. É a
experiência visual dos visitantes que é de interesse central ao artista.
Beyond this critical reading of artistic “frames”, Daniel Buren’s recent pieces are also
distinguished by essentially pictorial considerations, which may evoke his early work
of the 1960s when he adopted the most immediate possible approach to painting,
signifying nothing other than itself. By using colour and light, two basic materials of
pictorial art, Buren creates, with this coloured atrium, a sort of 3d painting which is
only completed by the attentive gaze of viewers wandering through the space. It is the
visual experience of the viewer that is of central interest to the artist.
Photos-souvenirs: Architecture, contre-architecture : transposition,
trabalho in situ/work in situ, MUDAM, Luxembourg, 2010. Detail.
Photos-souvenirs: Architecture, contre-architecture : transposition,
trabalho in situ/work in situ, MUDAM, Luxembourg, 2010. Detail.
Photos-souvenirs: Architecture, contre-architecture : transposition,
trabalho in situ/work in situ, MUDAM, Luxembourg, 2010. Detail.
ALLEGRO VIVACE em KUNSTHALLE BADEN-BADEN 2011
ALLEGRO VIVACE at KUNSTHALLE BADEN-BADEN 2011
Daniel Buren desenvolve uma sequência de intervenções específicas ao local para
a Staatliche Kunsthalle Baden-Baden engajando com o edifício neoclássico de
Hermann Billing. As estruturas com a altura da parede alteram decisivamente a
nossa percepção da arquitetura e, ao interagir com a luz, cor e reflexões, criam
uma impressionante sensação espacial dos quartos em que são lançados. O Café
Kunsthalle também passou por uma nova configuração, preservada pela duração da
exposição e além.
Daniel Buren develops a sequence of site-specific interventions for the Staatliche
Kunsthalle Baden-Baden that engage with Hermann Billing’s neoclassicist building.
The wall-high structures decisively alter our perception of the architecture and, by
interacting with light, color, and reflections, create impressive spatial sensations of
the rooms in which they are deployed. The Café Kunsthalle also underwent a new
configuration, which was preserved for the duration of the exhibition and beyond.
Além do mais, Daniel Buren espalha a exposição pela paisagem urbana de BadenBaden. Com mais de 100 bandeiras, desenvolvidas pelo artista, a glamorosa cidade
spa é transformada em uma extensão do espaço de exposição, com Staatliche
Kunsthalle Baden-Baden no centro.
Furthermore Daniel Buren spans the exhibition across the urban landscape of BadenBaden. With more than 100 flags, designed by the artist, the glamorous spa town is
transformed into an extension of the exhibition space, with the Staatliche Kunsthalle
Baden-Baden as its core.
Allegro Vivace, 2011 -- vista da exposição/exhibition view Staatliche Kunsthalle Baden-Baden
Allegro Vivace, 2011 -- vista da exposição/exhibition view Staatliche Kunsthalle Baden-Baden
Allegro Vivace, 2011
vista da exposição/exhibition view -- Staatliche Kunsthalle Baden-Baden
MODULATION em NEUES MUSEUM NUREMBERG 2010
MODULATION at NEUES MUSEUM NUREMBERG 2010
Em Nuremberg, Daniel Buren encontra a impressionante arquitetura de Volker
Staab, cuja simbiose e diferentes atrações arquitetônicas representam um marco
na história da arquitetura de museus modernos. A exposição apresenta obras
in situ concebidas exclusivamente para o Neues Museum, onde o artista explora
certos elementos distintos do design do museu. Com referências específicas à
fachada, ao saguão e sua escadaria, à sala de exposições, Buren cria obras que
combinam luz e movimento, criando situações singulares e excepcionais.
In Nuremberg Daniel Buren encounters the striking architecture of Volker Staab, whose
symbiosis of different architectural traditions represents a milestone in the history of
modern museum architecture. The exhibition presents work in situ conceived exclusively
for the Neues Museum, where the artist explores certain distinctive elements of the
museum’s design. Making specific reference to the façade, to the foyer and its staircase,
and to the exhibition hall, Buren creates works that combine light and movement to
create singular and exceptional situations.
Modulation 2010 -- vista da exposição/exhibition view Neues Museum Nuremberg
Modulation 2010 -- vista da exposição/exhibition view Neues Museum Nuremberg
LE VENT SOUFLE OÙ IL VEUT (BEAUFORT) 2009
LE VENT SOUFLE OÙ IL VEUT (BEAUFORT) 2009
Para Beaufort, Daniel Buren queria fazer uma obra que criaria a ilusão de uma floresta.
Ao invés de criar árvores, ele criou Le vent souffle où il veut (O vento sopra para onde
quer): um design com uma centena de mastros de bandeiras, com relógios do tempo
em cores diferentes. Cada relógio do tempo começa e termina com cores claras e
faixas coloridas, como sempre nas obras de arte de Buren, são alternadas com o
branco. A obra foi comprada pela cidade de Nieuwpoort. No calçadão, os visitantes
podem admirar a impressionante obra do Royal Marina ou podem caminhar entre os
diferentes mastros e apreciar um espetáculo de cores balançando ao vento.
For Beaufort, Daniel Buren wanted to make a work that would create the illusion
of a forest. Instead of putting up trees, he created Le vent souffle où il veut
(The wind blows wherever it pleases): a design of a hundred flagpoles, with
weathercocks in different colours. Each weathercock begins and ends in a bright
colour and the coloured bands are, as always in the works of art by Buren,
alternated with white. The work was purchased by the town of Nieuwpoort. On the
promenade the spectator can admire the impressive work at the Royal Marina or
he can walk around between the different poles and enjoy a spectacle of flapping
colours.
Photo-souvenir : Le Vent soufle où il veut, trabalho in situ/work in situ
vista da instalação/installation view “Beaufort 03”, Le Coq, Belgiium 2009
coleção/collection ville de Nieuport.detail. © DB-ADAGP Paris
Le Vent soufle où il veut, trabalho in situ/work in situ
vista da instalação/installation view
“Beaufort 03”, Le Coq, Belgiium 2009
coleção/collection ville de Nieuport.detail.
CAPANNA ROTONDA CON 7 COLORI em ASIAGO 2009
CAPANNA ROTONDA CON 7 COLORI at ASIAGO 2009
Em 2007, um colecionador italiano convidou Daniel Buren a criar uma intervenção
de arte permanente na pequena cidade de Asiago. Dois anos mais tarde, o artista
instalou Capanna Rotonda: uma instalação externa composta de uma cabine circular
com painéis coloridos (sete cores no total). A estrutura, com dez metros de diâmetro,
é composta por vinte oito painéis com largura de um metro, e sete portais, com um
metro de largura e 2 metros de altura.
In 2007 an Italian collector invited Daniel Buren to create a permanent art
intervention in the small town of Asiago. Two years later, the artist installed
Capanna Rotonda: an outdoor installation composed of a circular cabin adorned
with colored panels (seven colors total). The structure, measuring ten meters in
diameter, is composed of twenty eight panels, one meter wide, and seven portals,
one meter wide and 2 meters tall.
A obra têm cinco particularidades: ela é redonda, não angular, como é geralmente
o caso, e é essencialmente composta por um material transparente e colorido.
Enquanto o público experiência a obra através de diferentes pontos de vista, ou
circulando a instalação ou entrando no espaço interno, sua percepção do ambiente é
drasticamente alterada enquanto os painéis de cores translúcidas mesclam uns com
os outros e alteram seu tom, segundo a luz atmosférica. Assim, Buren propõe uma
obra de arte ótica e participativa.
The work possesses three particularities: it is round, opposed to being angular as is
usually the case, and is essentially composed of transparent and colorful material.
As the public experiences the work through different viewpoints, either circling the
installation or entering its internal space, his/her perception of the environment is
drastically altered as the translucent color panels meld into each other and alter its
tint and hue depending on atmospheric light. In this way, Buren proposes an optical
and participatory work of art.
Photo-souvenir :Capanna rotonda con 7 colori 2009
trabalho permanente in situ/permanent work in situ, coleção particular/private collection, Asiago, 2009 ©DB - ADAGP Paris
Photo-souvenir :Capanna rotonda con 7 colori 2009
trabalho permanente in situ/permanent work in situ,
coleção particular/private collection, Asiago, 2009 ©DB - ADAGP Paris
LA COUPURE no MUSÉE NATIONAL PICASSO 2008
LA COUPURE at MUSÉE NATIONAL PICASSO 2008
Antes de 1985, quando o Hôtel Salé se transformou no museu mais importante
dedicado à obra de Picasso no mundo, o edifício era a sede da École des Métiers
d’Arts, em que Daniel Buren foi aluno no final dos anos 1950. Algum tempo antes,
quando Buren tinha apenas 17, ele encontrou Pablo Picasso que convidou-o a visitar
o cenário do filme Mystère Picasso (1955). Cinquenta anos mais tarde, Buren tomou
posse dos espaços do Museu Picasso.
Before 1985, when the Hôtel Salé became the world’s most important museum
dedicated to Picasso’s work, the building housed the École des Métiers d’Arts
where Daniel Buren was a student in the late 1950s. Some time before, when
Buren was just 17, he met Pablo Picasso who invited him to the set of the film
Mystère Picasso (1955). Fifty years later, Buren took possession of the spaces
within the Picasso Museum.
Com La Coupure, Daniel Buren produziu uma “obra in situ”, que olha o edifício de
forma específica. A La Coupure é uma parede com 16 metros de altura, dissecando
o principal terraço e chegando ao edifício em um ângulo reto. Ele é mantido no
lugar por um andaime e uma estrutura com fechos e painéis de madeira que são
parte integrante do muro. A superfície do muro-tela é, por sua vez, cortada por uma
diagonal ao longo de seu comprimento total (mais de 35 m), formando dois grandes
triângulos, um coberto por espelhos e o outro com painéis pretos.
O material usado é policarbonato reflexivo. A “lâmina” reflexiva brilha no terraço, cruza
os onze metros da fachada, corta os três pisos do prédio, sai pelas janelas do fundo e
termina onze metros jardim adentro.
A obra também inclui a transformação visual dos principais espaços públicos dentro
do Hôtel Salé: a entrada, a escadaria principal, a sala Júpiter. Espelhos são o meio e o
apoio para a obra, pois apresentam uma transformação ótica e física dos espaços ao
mascarar aberturas e passagens e abrir circuitos e corredores dentro do museu.
With La Coupure, Daniel Buren has produced a “work in situ”, which looks at the
building in a new way. La Coupure is a wall, sixteen metres in height, dissecting
the main courtyard and meeting the building at right angles. It is held in place
by scaffolding and a structure made of latches and wooden panels which are an
integral part of the wall. The surface of the screen-wall is in its turn dissected by
a diagonal along its entire length (over 35 m) drawing two great triangles, one
covered with mirrors and the other with black panels.
The materials used are reflective polycarbonates. This reflective “blade” starts in
the courtyard, travels the eleven metres of the facade, slices through all three
floors of the building, protrudes from the windows at the back and comes to a
stop eleven metres into the garden.
The work also includes the visual transformation of the main public spaces inside
the Hôtel Salé : the entrance, the main staircase, the Jupiter room. Mirrors are
the medium and support for the work as they bring about an optical and physical
transformation of the spaces by masking openings and passageways and opening
up unexpected circuits and corridors inside the museum.
Photo-souvenir : La coupure, work in situ, Musée National Picasso, Paris, 2008. detalhe/detail. © DB-ADAGP Paris
Photo-souvenir : La coupure, work in situ, Musée National Picasso, Paris, 2008. detalhe/detail. © DB-ADAGP Paris
THE EYE OF THE STORM: WORKS IN SITU BY DANIEL BUREN
GUGGENHEIM MUSEUM 2005
THE EYE OF THE STORM: WORKS IN SITU BY DANIEL BUREN
GUGGENHEIM MUSEUM 2005
Mais de trinta anos após a monumental obra Peinture-Sculpture de Daniel Buren ser
removida da Sixth Guggenheim International Exhibition do Museu Guggenheim em
1971 (após protestos de vários artistas expositores), Buren resumiu seu diálogo com
a lendária rotatória desenhada por Frank Lloyd Wright.
More than thirty years after Daniel Buren’s monumental work Peinture-Sculpture was
removed from the Guggenheim Museum’s Sixth Guggenheim International Exhibition
in 1971 (following the protests of several fellow exhibiting artists), Buren has resumed
his dialogue with the museum’s legendary Frank Lloyd Wright–designed rotunda.
O trabalho de Buren para o Guggenheim expõe a poderosa presença da arquitetura
do edifício e as várias condições que informam a arte nele. Around the Corner
(2000/05) surge do piso da rotatória até o topo da sexta rampa, cortando o grande
espaço. A estrutura representa um dos quatro cantos de um cubo imaginário,
grande o suficiente para que todo o museu caiba dentro dele. Empurrado ao centro
da rotatória, a massa cúbica é visível como um fragmento (um canto) do cubo.
Lembrando um edifício em construção, as paredes retas da obra, que se encontram
em ângulos retos no centro do edifício, reintegram a grade da cidade no desafiador
espiral de Wright.
Buren’s work for the Guggenheim exposes the powerful presence of the building’s
architecture and the various conditions which inform the art within it. Around
the Corner (2000/05) rises from the floor of the rotunda to the top of the sixth
ramp, bisecting the great space. The structure represents one of four corners of an
imagined cube, large enough for the entire museum to be inscribed within it. Pushed
into the center of the rotunda, the cubic mass is visible as a fragment (one corner) of
the cube. Reminiscent of a skyscraper under construction, the work’s straight walls,
which intersect at a right angle in the building’s center, reintegrate the grid of the
city into Wright’s defiant spiral.
Photo-souvenir: Around the corner
work in situ -- The eye of the storm, 2005
vista da exposição/exhibition view
Guggenheim Museum, New York © DB-ADAGP Paris
The eye of the storm, 2005
vista da exposição/exhibition view -- Guggenheim Museum, New York © DB-ADAGP Paris
The eye of the storm, 2005
vista da exposição/exhibition view -- Guggenheim Museum, New York © DB-ADAGP Paris
The eye of the storm, 2005
vista da exposição/exhibition view -- Guggenheim Museum, New York © DB-ADAGP Paris
EARLY WORKS
Effet, Contre Effet, 2004
work in situ, Parc du Chateau de Versailles, Paris, 2004
Le cube décentré, 1990
work in situ, Staatsgalerie, Stuttgart
Les Deux Plateaux 1985-1986
permanent sculpture in situ, Cour d’honneur du Palais-Royal, Paris
Sha-Kkei ou Emprunter le paysage, 1985
work in situ, Ushimado (Japon)
Up and Down, in and out, step by step 1977
work in situ, The Art Institute of Chicago
Voile/Toile – Toile/Voile, 1975
work in situ, Lac Grasmere, Grasmere
Effet, Contre Effet, work in situ, Parc du Chateau de Versailles, Paris, 2004
Photo-souvenir : Le cube décentré, work in situ, Staatsgalerie, Stuttgart, 1990. © DB-ADAGP Paris
Photo-souvenir: Les Deux Plateaux, permanent sculpture in situ, 1985-1986, cour d’honneur du Palais-Royal, Paris. © DB-ADAGP Paris
Photo-souvenir: Sha-Kkei ou Emprunter le paysage, work in situ, Ushimado (Japon), 1985. © DB-ADAGP Paris
Up and Down, in and out, step by step 1977 -- work in situ, The Art Institute of Chicago.
Voile/Toile – Toile/Voile 1975 -- work in situ -- Lac Grasmere, Grasmere
OUTROS TRABALHOS SITUADOS
OTHER SITUATED WORKS
Cores, luz, projeção, sombras, transparência: obras situadas yellow 2015
madeira, acrílico e vinil adesivado/wood, acrylic and adhesive vinyl
200 x 200 cm
Cores, luz, projeção, sombras, transparência: obras situadas green 2015
madeira, acrílico e vinil adesivado/wood, acrylic and adhesive vinyl
200 x 200 cm
Cores, luz, projeção, sombras, transparência: obras situadas pink 2015
madeira, acrílico e vinil adesivado/wood, acrylic and adhesive vinyl
200 x 200 cm
Cores, luz, projeção, sombras, transparência: obras in situ 6 2015
estrutura metálica, vinil adesivado, acrílico e espelho/metal structure, vinyl, acrylic and mirror
200 x 200 x 50 cm
Cores, luz, projeção, sombras, transparência: obras in situ 2 2015
estrutura metálica, vinil adesivado, acrílico/metal structure, vinyl, acrylic
200 x 200 x 50 cm
Cores, luz, projeção, sombras, transparência: obras in situ 1 2015
estrutura metálica, vinil adesivado, acrílico/metal structure, vinyl, acrylic
200 x 200 x 50 cm
Boîte à LED rayée pour monochrome orange 2014
tecido de fibra óptica, pintura branca, vinil autoadesivo, caixa de metal e eletricidade/
optical fiber fabric, white paint, adhesive vinyl, metal case and electricity
252,3 x 252,3 cm (tecido/cloth) / 4,35 x 252,3 x 16,53 cm (barra de fixação/fixture barre)
Boîte à LED rayée pour monochrome blanc 2014
tecido de fibra óptica, pintura branca, vinil autoadesivo, caixa de metal e eletricidade/
optical fiber fabric, white paint, adhesive vinyl, metal case and electricity
252,3 x 252,3 cm (tecido/cloth) / 4,35 x 252,3 x 16,53 cm (barra de fixação/fixture barre)
Triptyque électrique - Bleu 2014
tecido de fibra óptica, caixa de metal e eletricidade/
optical fiber fabric, metal case and electricity
113,1 x 113,1 cm (cada painel/each panel) / 4,35 x 113,1 x 16,53 (barras de fixação/fixture barre)
Zimbabwe noir (Zimbabwe) / Blanc Thasos (Grecia) 2015
25 ripas /25 slabs
trabalho situado/situated work
detalhe/detail ©DB-ADAGP Paris
Forest Green (India) / Blanc Thasos (Grecia) 2015
25 ripas /25 slabs
trabalho situado/situated work
detalhe/detail ©DB-ADAGP Paris
Quadrato al Quadrato (giallo navone) 2015
trabalho situado/situated work, San Gimignano, 2015
detalhe/detail ©DB-ADAGP Paris
Quadrato al Quadrato (viola erica) 2015
trabalho situado/situated work, San Gimignano, 2015
detalhe/detail ©DB-ADAGP Paris
homage. He took a decidedly more disruptive route, focusing less on the architect and more on the architecture.
He combined the familiar mainstays of his visual vocabulary—expanses of mirrored glass and narrow whiteand-colored stripes—with Le Corbusier’s recurring square motifs to shatter and distort the architecture and its
surroundings, which, in this outdoor space, mean Marseilles’ mountains, sea, and sky.
Infinity and Beyond
07.31.14
Daniel Buren, Défini, Fini, Infini, 2014. Installation view, MAMO, Marseille, France. Photo: Sébastien Véronèse.
Daniel Buren, Défini, Fini, Infini, 2014. Installation view, MAMO, Marseille, France. Photo: Sébastien Véronèse.
MARSEILLE MODULOR (MAMO), the art space on the newly refurbished roof of Le Corbusier’s Cité radieuse
housing block, a midcentury experiment in vertical-urban planning in the south of France, has taken an
audacious step forward in its sophomore annual summer exhibition. The show (on view through September 30)
presents a monumental, site-specific installation by Daniel Buren, DÉFINI, FINI, INFINI, which significantly raises
the bar for the fledgling space by staging a remarkable encounter between a weighty architectural context and an
ambitious artistic intervention.
MAMO has evinced a strategic awareness of the historical import of their location from the beginning, opening
last year with an exhibition of explicit homages to Le Corbusier by French artist Xavier Veilhan. He transformed
images of the venerated modernist architect, real and imagined, into sculpture: A small-scale diorama featured
bronze versions of Le Corb rowing a catamaran with his contemporaries, Pierre Jeanneret and Buckminster
Fuller; a monumental bust created the illusion that the late architect, pencil in hand, had drawn the entire building
into being. “Xavier was a perfect fit for the opening,” says Ora Ito, the Paris-based but Marseille-born designer
who founded MAMO after leading the roof’s renovation process. “For me, it was very important that people could
see the space. He didn’t hide anything. He didn’t transform the building.”
By contrast, Ito’s second show has separated itself entirely from such literal representations and genuflections
to the Le Corbusier legend; as little as Buren’s abstract work has to do with image, it has even less to do with
The exhibition begins quietly as visitors pass through a southward-facing door toward 4 Carrés pour 3 Couleurs,
bas-relief, travail in situ (4 Squares for 3 Colors, bas-relief, travail in situ), 2014, four square panels colored
green, white, and yellow to correspond with the square tiles Le Corbusier had scattered on the walls throughout
his design. Turning the corner, the show explodes into a series of colors and illusions: Fragments de ciels, hautrelief, travail in situ (Fragments of sky, haut-relief, work in situ), 2014, in which a row of alternatingly convex and
concave angled mirrors are a checkerboard of red, white, and blue panels and mirrors that create exactly the
condition suggested by the work’s title. It is difficult to discern what is real and what is a mirror image, what is
blue panel and what is a reflection of cloudless sky. The mirrored panels, too, turn Le Corbusier’s ship-shaped
concrete solarium on its side as if it were sinking, and redistribute architectural elements in new compositions.
Throughout the progression of the day the panels undergo constant change, representing what Ito calls the infini
(“infinite”) aspect of Buren’s work; as midday turns to dusk, their reflections shift from blue to orange to deep
purple. The squares of light they reflect onto the béton brut floor grow long and distant before they disappear
entirely.
On the façade of the concrete solarium, Buren created La Mire, travail in situ, 2014, a Mondrianesque,
kaleidoscopic composition of brightly colored inlays of square and rectangular film on its windows. On the
tubular (rather than rectangular) interior, sunlight filters through the colored film and is reflected by the mirrors
Buren placed on the floor below, encircling the viewer with streams of rainbow light. The effect falls between the
religious, meditative experience of being enclosed in stained glass and the whimsy of standing inside a mansized kaleidoscope. Yet despite these evocations, Buren’s works are largely indifferent to the space’s deified
historical legacy: “If someone were to say these works were an homage to Le Corbusier, I wouldn’t say no, but
in my mind, it’s not an homage. It’s a work in such a place which I found absolutely interesting, very well thought
out, and even beautiful.”
With his long-running history of installing works in venerated spaces (the Grand Palais, Palais Royal, and the
Guggenheim rotunda, to name a few), Buren is quite the match for Le Corbusier. Unbeknownst to him (actually
pointed out by Ito), his lines follow the modulor, the system of measurement Le Corbusier invented to guide the
proportion of the modular, from which the space takes its name. Perhaps more importantly, Buren’s work also
brings to light the particular characteristics of a space: its site and the nuances of its architecture, which is, after
all MAMO’s defining asset.
Défini, Fini, Infini runs through September 30, 2014 at Marseille Modulor.
— Janelle Zara
Russeth, Andrew. “Daniel Buren Shows his Stripes.” The Observer (January 14, 2013) p B1 and B4 [ill.]
Buren, Daniel. “Being Curated: Exhibiting Exhibitions.” Frieze (Issue 156, April, 2013): p 132-134 [ill.]
May 2015
Daniel Buren
b. 1938, France. Lives and works in situ.
1960-61
First public commission of wall paintings for a hotel at Saint Cross Island (Caribbean, USA).
More than 180 exhibitions in USA have followed this first one.
1975 / 1979 / 1980 / 1983 / 1998 / 1999 / 2004 / 2005
Toile/Voile – Voile/Toile, regattas followed by a museum presentation of Voiles – Toiles in Berlin,
Geneva, Lucerne, Thun, Villeneuve d’Ascq, Lyon-Villeurbanne, Tel-Aviv, Seville, Grasmere.
1965
Grand Prix of the Paris Biennial.
Prix Lefranc of Young Painting.
1976
Fist solo show at the Lisson Gallery: On two Levels with two Colours, work in situ.
Three simultaneous exhibitions in Netherlands, Stedelijk Van Abbemuseum, Eindhoven / Stedelijk
Museum, Amsterdam / Kröller-Müller Museum, Otterlo.
1966-67
Happenings by the association Buren, Mosset, Parmentier and Toroni.
1967
First Affichages Sauvages in the streets of Paris.
1968
First solo exhibition, Apollinaire Gallery, Milan.
1968 / 1969 / 1970 / 1973
Participation to ‘Prospect’, Düsseldorf.
1969
Interruption, exhibition – presentation of 8 movies, Yvon Lambert Gallery, Paris.
1970
Participation to the 10th International Exhibition of Tokyo Biennial, Japan.
Affichages Sauvages in the Paris, Tokyo and New York undergrounds.
1971
Eine Manifestation, first museum solo exhibition, Städtisches Museum, Mönchengladbach.
Painting-sculpture, censored work at the VIth Guggenheim International, Guggenheim
Museum, New York.
1972 / 1977 / 1982
Participation to Documenta, Kassel.
1972 / 1974 / 1976 / 1978 / 1980 / 1984 / 1986 / 1993 / 1997 / 2003 / 2007
Participation to the Venice Biennial.
1973 / 2006
Solo exhibitions at MOMA, Oxford.
1975
Creation of the first Cabane Eclatée for the Städtisches Museum, Mönchengladbach.
1980
Included Excluded, works in situ, Lisson Gallery, London.
1982 / 1983 / 1984 / 1985 / 2000 / 2005
Performances of Couleurs Superposées at Genazzano, Tokyo, Berne, Eidhoven, Venice, Villeneuve
d’Ascq, New York, Paris.
1986
Depending on the Situation, works in situ, Lisson Gallery, London.
Les deux plateaux, work in situ, public commission for the Cour d’Honneur of the Palais-Royal,
Paris.
Golden Lion of the best Pavilion, XLII Venice Biennial, Italy.
1989
Solo exhibitions, Touko Museum of Contemporary Art, Tokyo and ICA, Nagoya.
1990
‘Living Treasure’ (Trésor Vivant), price awarded by New Zealand.
1991
International Award for Best Artist, The Bad Wurtemberg Land, Stuttgart, Germany.
1992
Grand Prix National de Peinture, Paris.
1994
Déplacement-Jaillissement: D’une fontaine les autres, work in situ, public commission for the
Place des Terreaux, Lyon.
Sens dessus-dessous, sculpture in situ and in movement, commissioned by the Lyon Car Parc for
the Parc des Célestins (first Grand Prix of Europe’s best car park awarded to Budapest).
1996
Transparency of the light, solo exhibition, Art Tower Mito, Mito.
25 Porticoes: the colour and its reflections, public commission for the Odaïba bay, Tokyo.
2001
Daniel Buren Les Couleurs Traversees, Kunsthaus, Bregenz
2002
Le Musée qui n’existait pas, works in situ, solo exhibition, Municipal Museum of Art, Toyota,
Japan, Centre Pompidou, Paris
2003
Transitions : works in situ, solo exhibition, Municipal Museum of Art, Toyota, Japan.
2004-2006
Six exhibitions in China (Beijing, Jinan, Hangzhou and Tianjin).
2005
The eye of the storm, solo exhibition, Guggenheim Museum, New York.
Participation to the International Triennial of Contemporary Art, Yokohama, Japan.
2006
Daniel Buren, Intervention II, Modern Art Oxford
2007
New Situated Works, Lisson Gallery, London.
Curator for the collective exhibition L’emprise du lieu, Domaine Pommery, Reims.
Curator for Sophie Calle’s exhibition, French Pavilion, Venice Biennial.
2009
A mancha humana / the human stain – public exhibition, CGAC - Centro Galego de Arte
Contemporánea, Santiago de Compostela, Spain
Constanti del classico nell’arte del XX e XXI secolo – public exhibition, Fondazione Puglisi
Cosentino - Palazzo Valle, Catania, Italy
Daniel Buren- Artists Books, Fundacao Serralves, Porto
Transmutation, travail in situ, in ‘Arte in memoria 5’, Sinagoga di Ostia Antica, Ostia, Rome,
Italy
Voir Double, travail in situ - Xavier Hufkens, Brussels
Vide ou Plein? Work in situ for two spaces, Art Dubai, Madinat Jumeirah, Dubai, UAE
Le Vent soufflé ou il veut, Beaufort 03 – The Triennial of Contemporary Art by the Sea,
Ostende, Belgium
Arte Povera bis Mininal, Museum Wiesbaden, Wiesbaden
Les Anneaux, Estuarie 2009, Ile de Nante
Daniel Buren - Neues Museum - Staatliches Museum für Kunst und Design in Nürnberg,
Nuremberg
25 Obras, 17 Artistas, 4 Relatos - Centre d’Art la Panera, Lérida
Just What It is, ZKM, Karlsruhe
Play Van Abbe, Part 1: The game and the players”, Stedelijk Van Abbemuseum, Eindhoven
2010
Daniel Buren, Westwind Arbeiten Situes, Buchmann Galerie, Berlin
Bilder uber Bilder, Museum Moderner Kunst Stiftung, MUMOK, Vienna
In between Minimalisms – Play van Abbe, Part 2: Time Machines, Stedelijk van Abbemuse-
um, Eindhoven
Daniel Buren, MUDAM, Luxembourg
Malerei: Prozess und Wxpansion, MUMOK, Vienna
Multiplications Work in Situ for a Synagogue, Synagogue Stommeln, Pulheim
Daniel Buren & Alberto Giacometti, oeuvres contemporaines 1964-1966, Kamel Mennour, Paris
2011
Echos, travail in situ, Solo Exhibition at the Centre Pompidou-Metz, France
2011-2012
Daniel Buren, One thing to another, situated works, Lisson Gallery, London
2012
Daniel Buren – Excentrique, travail in situ, Monumenta at the Grand Palais, France
2013
Electricity…Fabric…Paint..Paper…Vinyl Works in Situ & Situated Works from 1968 to 2013 (Dedicated to Michael Asher), Bortolami Gallery, New York
Daniel Buren. Broken Squares, Works In Situ and Situated 2011- 2013, Museum Ritter, Waldenbuch, Germany
Daniel Buren. Écho d’échos: From Above, Work in situ, Centre Pompidou-Metz, Paris
Deviation, travail in situ, Jardin du Grand Launay, Bretagne, France
Les Aventures de la Vérité: Peinture et Philosophie, Fondation Maeght, Saint-Paul de Venice,
France
Daniel Buren. Un bouquet: Cinq Couleurs Moins Une, Travail in situ, La Pyramide, Istres
Daniel Buren et Côme Mosta-Heirt, Granville Galerie, Paris
La Grande Diagonale, travail in situ pour deux couleurs plus le blanc et le noir, avec 57 piliers de
114 à 505 cm de hauteur, Istres, France
2014
Buren. De un patio a otro: laberinto-trabajos in situ, 2014, Hospicio Cabañas, Guadalajara, Mexico
Comme un jeu d’enfants, travaux in situ 2014, Musée d’Art Moderne et Contemporain, Strasbourg
Sept Couleurs pour une cheminée, (travail in situ permanent), Chemnitz, Germany
Daniel Buren. Lavori luminosi / Già quarantanni! novembre 1974-maggio 2014, Galleria Massimo
Minini, Brescia, Italy
Daniel Buren. Défini, Fini, Infini, travaux in situ, MaMo — Marseille Modulor, Centre d’art de la Cité,
Marseille, France
Daniel Buren. Catch as catch can: works in situ, Baltic Centre for Contemporary Art, Gateshead,
UK
2015
Cores, Luz, Projeção, Sombras, Transparência: Obras In Situ E Situadas, Galeria Nara
Roesler, Rio de Janeiro, Brazil
OBRAS PERMANENTES EM ESPAÇOS PÚBLICOS OU SEMIPÚBLICOS
17 Peintures sur bois,
1960-1961, obra in situ, Grapetree Bay Hotel,
Santa-Cruz, Ilhas Virgens, Estados Unidos.
4 Mosaïques,
1965, obra in situ, Grapetree Bay Hotel,
Santa-Cruz, Ilhas Virgens, Estados Unidos.
Essas duas primeiras obras in situ permanentes ficaram “de
pé” presas aos muros, ao passo que o hotel foi completamente
destruído após a passagem de um furacão em 1989.
Lambris,
junho de 1980, obra in situ – em colaboração com Charles
Vandenhove, arquiteto, Liège –Hôpital Universitaire,
Liège, Bélgica.
In the Dining Room,
1982, obra in situ, Chase Manhattan Bank,
Cidade de Nova York, Estados Unidos.
Les Deux Plateaux,
1985-1986, escultura in situ – com assistênca de Patrick Bouchain,
arquiteto –, pátio de honra do Palais Royal,
Paris, França.
Du trait
1984-1986, obra in situ – em colaboração com Charles
Vandenhove, arquiteto –, Théâtre de la Monnaie, Salon Royal,
Bruxelas, Bélgica.
Diagonale pour des bambous,
1986-1987, obra in situ – em colaboração com Alexandre
Chemetov, arquiteto paisagista–, Parc de la Villette,
Paris, França.
La Porte
1987, obra in situ, Domgasse,
Münster, Alemanha.
Frieze Paint – Peinture sur/sous Plexiglas,
1987, obra in situ, Refco collection, salle des marchés,
Cidade de Nova York, Estados Unidos.
Von der Heydt-Museum : Das cafe,
1987-1990, obra in situ – com assistencia de M. Bussman,
arquiteto –, Von der Heydt Museum,
Wuppertal, Alemanha.
[Sem Título],
1990, obra in situ, Furkablicke Hotel,
Furkapasshöhe, Suiça.
La Marche des Fédérés - Aux couleurs de la ville :500 flammes de
Marseille à Paris : 7 stations,
1989-1992, obras in situ
Avignon, Charenton, Mâcon, Marseille, Saulieu, Valence, Viena,
França.
(Obras retiradas a pedido do artista, pois sua manutenção não
foi garantida.)
Double Rythme : Frise, peinture acrylique et vinyle auto-adhésif
junho de 1991, obra in situ, Sarebrücken Kongresshalle,
Sarrebrück, Alemanha.
Passage blanc et noir,
1992, obra in situ - em colaboração com Charles Vandenhove,
arquiteto –, De Liefde,
Amsterdã, Países Baixos.
Horizontal cut - Vertical cut - Fragmented reflexion- Frise
1992, obras in situ, Hypo-Bank,
Kempfenhausen, Alemanha.
Autour du Puits
1993, obra in situ, realizada por ocasão da “Trésors de voyage,
XLV Biennale di Venezia”, Monastero dei Padri Mechitaristi,
Veneza, Ilha de San Lazaro degli Armeni,
Veneza, Itália
Poser/Déposer/Exposer,
1993, obra in situ – com assistência de Jean-Michel Wilmotte,
arquiteto–, Café Richelieu, Galerie Richelieu, Grand Louvre,
Paris, França.
Les Arches,
1994, obra in situ, Southampton City Art Gallery,
Southampton, Grã-Bretanha.
Sens Dessus Dessous,
1994, escultura in situ e em movimento – em colaboração
com Jean-Michel Wilmotte e com assistência de Michel Targe,
arquiteto–, Parc des Célestins,
Lyon, França.
Déplacement-Jaillissement : D’une fontaine les Autres,
1994, obra in situ - em colaboração com Christian Drevet,
arquiteto, Lyon e do consurso de Art/Entreprise Georges
Verney-Carron, Villeurbanne –, Place des Terreaux,
Lyon, França.
From one Place to another. From one Material to another.
Passages in and out,
1993-1995, obras in situ – uma iniciativa de Nanjo &
Associates, Tóquio –, Shinjuku I-Land,
Tóquio, Japão
Diagonale pour des pilastres – Losanges pour des couleurs,
1995, obra in situ – uma iniciativa de Achenbach Art
Consulting, Dusseldorf –, sede social, Deutsche Telekom,
Bonn, Alemanha.
D’une Place l’autre : Placer, déplacer, ajuster, situer,
transformer,
1994-1996, obra in situ, Museum Boymans van Beuningen,
Roterdã, Países Baixos.
25 Porticos : la couleur et ses reflets,
1996, obra in situ – uma iniciativa de Shiraishi Contemporary
Art Inc. –, baía d’Odaiba, Saera Odaiba,
Tóquio, Japão.
La Montée de la couleur et la Cascade de la couleur,
1996, obra in situ – uma iniciativa Brigitte Oetker –, New
Trade Fair Center,
Leipzig, Alemanha.
Neuf Couleurs au vent,
1984 -1996, obra in situ in “Québec 1534-1984”, Québec,
Canadá, maio de 1984. Instalada em caráter permanente desde
1996, place Urbain-Baudreau-Gravenile,
Montreal, Canadá.
Soleils et Garde-corps,
1996, obras in situ - em colaboração com Charles Vandenhove,
arquiteto –, Théâtre des Abbesses,
Paris, França.
Diagonale pour un lieu,
1996-1997, obra in situ – com assistência de Jean-Christophe
Denise, arquiteto, e de Henn Architekten Ingenieure –, Technische
Unbiversität,
Munique, Alemanha.
La Salle de concert - La Salle des miroirs,
1996-1997, obras in situ – com assistência de Jean-Christophe
Denise, arquiteto, e do escritório de arquitetura ABB, Francfort-surle-Main –, sede social, Dresdner Bank AG,
Francfort, Alemanha.
Encoder-Décoder : du code à sa lecture, Couleurs, Reflets,
Transparence,
1996-1997, obras in situ – em colaboração com Patrick Bouchain,
arquiteto –, sede social Thomson,
Boulogne-Billancourt, França.
À travers le miroir incliné : la couleur,
1997, obras in situ – uma iniciativa da galeria Hete Hünerman,
Dusseldorf –, sede social, IKB (Industrial Kredit Bank),
Dusseldorf, Alemanha.
Ipotesi su alcuni indizi – Part II,
1987-1997, obra in situ – com assistência de Incontri Internazionali
d’Arti, Roma, e de Alberto Zanmatti, arquiteto – Museo di
Capodimonte,
Nápoles, Itália.
Cercles,
1998, obra in situ – uma iniciativa e com assistência de Achenbach
Art Consulting – restaurante e cafeteria, Victoria Insurance,
Dusseldorf, Alemanha.
Sit Down,
1997-1998, obra in situ, Storm King Art Center,
Mountainville (Nova York), Estados Unidos.
Passage sous-bois,
1998, obra in situ – uma iniciativa de Sounjou Seo, Coreia –, Kimpo
Parc National,
Kimpo, Coreia do Sul.
From floor to ceiling and vice versa,
1998, obra in situ – uma iniciativa de Fumio Nanjo –, sede social,
Obayashi Corporation,
Tóquio, Japão.
Installation im Treppenhaus des Neuen Museums Weimar,
1996-1998, obra in situ – uma iniciativa de Paul Maenz –, Neues
Museum Weimar, Kunstsammlungen zu Weimar,
Weimar, Alemanha.
Arc-en-ciel pour Fausto,
1999-2000, obra in situ, instalação permanente na sede social
de Radicichimica GmbH, de Polygone pour Poggibonsi : 180
drapeaux, 9 couleurs, realizada em “Arte all Arte”, Cassero
della Fortezza di Poggio Imperiale, Poggibonsi em setembro de
1999.
Troglitz, Alemanha.
Triangles coulissants,
1999, obra in situ, sede social de Michaux Gestion,
Lyon, França
Trois Points de vue pour un dialogue – Oeuvre en hommage au
cardinal Decourtray,
1998-2000, obra in situ – uma iniciativa da The Jerusalem
Foundation –, Monte-Sião,
Jerusalém, Israel.
Par Transparence,
1997-2000, obra in situ, Institut français,
Roterdã, Países Baixos.
Transparences colorées,
1999-2001, obra in situ, Allianz Haupterverwaltung,
Munique, Alemanha.
Sulle Vigne : punti di vista = Sur les Vignes: points de vue,
2001, obra in situ – uma iniciativa de Galleria Continua, San
Gimignano, com assistência de de Studio Polvani Pianigiani,
Architectes associés –, Castello di Ama,
Lecchi in Chianti,Toscana, Itália.
La Grande Fenêtre,
1998-2001, obra in situ - em colaboração com Joseph Paul
Kleihues, arquiteto-, Bundesministerium für Arbeit und
Sozialordnung,
Berlim, Alemanha.
Au-dessus des Vagues, l’Horizon,
2001, obra in situ, He Xiangning Art Museum,
Shenzhen, República Popular da China.
2000-2002, obra in situ - com a colaboração de Claes
Söderquist, sede social, Telenor Eiendom Fornebu AS,,
Oslo, Noruega.
Projection colorée,
2001-2002, obra in situ – em colaboração com Dominique
Perrault, arquiteto –, Prefeitura,
Innsbruck, Aústria.
Somewhere along the way, some colors,
2002-2003, obra in situ – uma iniciativa de Art Front
Gallery, Tóquio –, Toki Messe,
Niigata, Japão.
The Colors suspended: 3 exploded Cabins
2002-2003, obra in situ, Toyota Municipal Museum of Art,
Toyota, Japão.
Prière de toucher : La signalétique tactile et visuelle Pliages,
2000-2003, obras in situ – em colaboração com la
Fondation de France e le Bureau des Compétences
et Désirs, IRSAM, Institut Régional des sourds et des
aveugles,
Marseille, França.
White and Green Fence,
2001-2003, obra in situ evolutiva, The Farm, Gibbs
Sculpture collection,
Auckland, Nova Zelândia.
Cerchi nell’aqua,
2002-2004, obras in situ – em colaboração com Naples
Azienda risorse idriche di napoli Arin, Ponticelli,
Nápoles, Itália.
Le Jardin imaginaire,
2004, obra in situ – uma iniciativa do BLAC (Beau local
d’art contemporain, Bruxelas) –, Sint-Donatuspark,
Louvain, Bélgica.
D’un Cercle à l’Autre: le paysage emprunté,
2001, obra in situ, na cidade de Luxemburgo,
Luxemburgo.
La Cabane Éclatée aux 4 Salles,
2003-2005, obra in situ pour Giuliano Gori – uma iniciativa
de Galleria Continua, San Gimignano –, Fattoria di Celle,
Santomato di Pistoia, Itália.
Rayonnant,
2000-2002, obra in situ - em colaboração com Nicolas Guillot
arquiteto -, Parc de la Cigalière,
Sérignan, França.
Prospettive,
2000-2005, obra in situ, Palazzo BSI – com assistência de
Giampiero Camponovo, arquiteto–,
Lugano, Tessin, Suíça.
Fondation surgissante,
[Sem Título],
2004-2005, obra in situ – uma iniciativa Blue Dragon Art
Company-, Bin Jiang Junior High School,
Taipei, Taiwan.
Partitions colorées,
2005, obras in situ – uma iniciativa Giuliano Gori, Pistoia e com
assitência de de Gianniantonio Vannetti, arquiteto, Florence –,
Nuovo Padiglione di Emodialisi di Pistoia,
Pistoia, Itália.
Monter / Descendre,
2005, obra in situ – uma iniciativa Buchmann Galerie, Colônia /
Berlim ¬–, Bahnhof,
Wolfsburg, Alemanha.
Transparences et Projections colorées,
2005, obra in situ, Donjon de Vez, coleção Francis Briest,
Vez, França.
Cabane Rouge aux Miroirs,
1996-2006, obra in situ, Musée de la Chartreuse,
Douai, França.
Tram/Trame,
2004-2006, obra in situ – com assistência de Jean-Christophe
Denise, arquiteto, nas 14 estações da linha Leste -Oeste do Tram/
Train de Mulhouse,
Mulhouse, França.
La Caféteria,
2006, obra in situ – uma iniciativa BLAC (Beau local d’art
contemporain, Bruxelas) –, EAAC-Musée de la Ville de Castellon,
Castellon, Espanha.
2006-2007, obra in situ, Fondazione Zegna,
Trivero, Itália
2013, obra in situ, esplanada do prédio da Prefeitura,
Istres, França
Les anneaux,
2007, obra in situ, uma iniciativa Lieu Unique, com a
colaboração de Patrick Bouchain, arquiteto, quai des Antilles,
Nantes, França
1ère ligne de tramway Nord-Sud de l’agglomération
tourangelle,
2009-2013, obras permanentes in situ e móveis revestindo
os vagões dos tramways, as estações e sete locais
públicos,
Tours, Joué-lès-Tours, França
Archi, Sotto-Sopra,
2007, obra in situ, uma iniciativa Galleria Continua, Villa
Schifanoia, coleção Mariani,
San Piero a Sieve (Florença), Itália
Arcos rojos,
2007, obra in situ, Puente de la Salve,
Bilbao, Espanha
Sept couleurs pour une cheminée,
2011-2013, obra in situ,
Chemnitz, Alemanha
4 cabanes éclatées pour gabions et fontaines,
2012-2014, obra in situ, coleção particular,
Île-de-France, França
Passages under a colored sky,
2007, obra in situ, por ocasião do “Anyang Public Art Project
2007”, Pyeongchon Area,
Anyang, Coreia do Sul
Patio pour un cercle, 2014, obra in situ, coleção particular,
Île-de-France, França
Bleus sur jaune,
2004-2009, obra in situ, Place de la Justice,
Bruxelas, Bélgica
Cabane éclatée aux 4 couleurs,
2012-2014, obra in situ, Parco Internazionale della Scultura,
Catanzaro, Itália
Capanna rotonda con 7 colori,
2009, obra in situ, uma iniciativa Galleria Continua (San
Gimignano), coleção particular,
Asiago, Itália
Le Vent soufle où il veut,
2009-2011, obra in situ,
Nieuport, Bélgica
La Portée,
2006, obra in situ, com a colaboação de Marianne Homiridis,
entrada do Musée Fabre,
Montpellier, França.
Concave/Convexe : deux places en une avec fontaine,
2005-2011, obra in situ, uma iniciativa Jean Nouvel, arquiteto,
Colle val d’Elsa, Itália
Écrire la Craie: bas-relief,
2007, obra in situ, domaine Pommery,
Reims, França
Muri fontane a 3 colori per un esagono,
2006-2011, obra in situ, Villa la Magia,
Quarrata (Pistoia), Itália
Pour un belvedère,
2007, obra in situ, uma iniciativa Galleria Continua, coleção Chelini,
Florença, Itália
Camminare sull’acqua,
2011, obra in situ, uma iniciativa Galleria Continua (San
Gimignano),
Cortona, Itália
Passage de la couleur, 26 secondes et 14 centièmes,
1979-2007, obra in situ, uma iniciativa Galleria Continua, Halle 1
Messe Schweiz,
Bâle, Suíça.
Cinq couleurs pour une Entrée,
2008-2011, obra in situ, Artémis,
Paris, França
Le banderuole colorate,
La Grande Diagonale,
Daniel Buren é representado pela Galeria Nara Roesler
Daniel Buren is represented by Galeria Nara Roesler
www.nararoesler.com.br