Opção Lacaniana online nova série
Ano 1 • Número 3 • Novembro 2010 • ISSN 2177-2673
O final de análise e a arte da pintura
Sérgio de Campos
O caleidoscópio - inventado na Rússia, em 1817, pelo
físico escocês David Brewster - é um dispositivo de metal
ou papelão com espelhos justapostos em ângulos sextavados
que contém pequenos e numerosos fragmentos brilhantes de
vidro coloridos, os quais, em combinações variadas, compõem
figuras
de
simétricos.
vários
Quando
matizes
multiplicadas
criança,
esse
em
brinquedo
arranjos
composto
de
imagens e pensamentos me oferecia refugio em longas horas
de
devaneios
imagens
e
obtidas
reflexões.
de
um
Através
da
caleidoscópio
luz
são
exterior
as
surpreendentes,
contingentes e únicas, semelhantes às pessoas, pois ambas
não se repetem jamais. Assim, a palavra caleidoscópio se
remete
a
beleza/belo
um
significado
(kalos),
proposto
figura/imagem
pelos
(eidos)
gregos
e
de
olho/olhar
(scopeo).
No III Encontro Americano ocorrido em Belo Horizonte,
em 2007, realizei um vernissage de artes plásticas e, em
homenagem a esse instrumento, batizei a exposição com um
nome aproximado de Calei-d’scópico. Na ocasião, não tive a
oportunidade de comentar o título, nem tampouco sobre o dom
de pintar que carrego comigo desde a infância, em virtude
de uma herança materna. Com efeito, de início, o neologismo
Calei-d’scópico é o ato de pintar que, mediado pela pulsão
escópica (scópico), conseguiu silenciar (Calei) o supereu.
Pintei ativamente entre os anos de 1974 e 1989.
O
percurso
de
análise
interrompeu
durante
anos
a
pintura que, em 2007, foi retomada com pulso para recolher
os resíduos intratáveis desse processo. Às vezes, abandono
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a pintura, mas ela não me abandona jamais. Nos períodos de
entre safra ela permanece ativa em minha mente e constante
no meu campo visual, na observação de cenas oníricas ou do
cotidiano, no olhar de soslaio nos detalhes - das pessoas e
da vida cosmopolita - que poderiam se transformar em um
quadro, nas visitas às galerias e aos museus, e finalmente,
no interesse pela obra e pela vida dos pintores.
Mas foi na minha retomada às tintas, em 2007, que
percebi que o ato do pintar silenciara totalmente a voz
áfona do supereu. No supereu o sujeito é agente e alvo da
ação, e na pintura o sujeito e o objeto se fundem na
materialidade objetiva do mundo subjetivo. A pintura, na
medida em que ela encarna uma das modalidades dos nomes do
pai, uma pai-versão, se tornou para mim uma espécie de aper-itivo1 para a vida. Com a pintura sou enlaçado pelos
encantos da existência, uma vez que ela me deixa capaz de
perceber os gozos de criar uma realidade e um mundo a minha
maneira.
Creio que a pintura não constitui um sinthoma, mas a
feitura
do
pintar.
Digamos
que
toda
criança
desenha
e
pinta, os sinthomáticos continuam fazendo o mesmo na vida
adulta.
Aliás,
o
infantil
é
o
sinthoma
que
sempre
ultrapassa o falasser, na medida em que ele está posto num
mais além, na dimensão do Unheimlich, como êxtimo, e uma
vez que ele traz consigo - como restolhos do real - as
sobras daquilo que não foi assimilado pela cura. Nessa
possessão do real o sinthoma propicia um torvelinho de
imagens que é capturado pela pulsão escópica. A mescla das
pulsões resulta na impressão de carmins torrenciais que
sangram. Essa fúria forja desejos, frustrações e defesas
neuróticas num caldo de paixão do qual emerge o objeto
pulsante, denominado de pequeno a. Portanto, o sinthoma
detém o caráter inesgotável de possibilidades infinitas no
campo da arte, fato este que decorre do ímpeto criativo.
Ademais, trata-se de um momento intangível, de suspensão
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dramática, no qual o falasser capta sutilezas e minúcias
da forma.
A arte de pintar texturas e consistências não apenas
silencia o Outro, mas ao captar o olhar d’Outro, o seduz e
o arrebata. Na verdade, a arte ao conduzir o Outro ao mundo
onírico faz com que ele deponha suas armas. A pintura é
pura tiquê, e, portanto, fora do sentido. Aliás, ressalto
que não há psicanálise aplicada à arte, pois a psicanálise
só é aplicada no campo da terapêutica. A arte basta a si
mesma pelo que ela contém de singular e de contingências
abertas às surpresas. Das artes, a pintura é aquela que
mais se aproxima das cenas traumática e onírica. A pintura
é um sonho sem palavras, na qual, através das imagens, o
imaginário trata o real fazendo girar a pulsão escópica em
torno do objeto a. Aliás, a dimensão onírica ou a cena
traumática é protótipo do mundo artístico na medida em que
a
cena
pictórica
coteja
ora
com
o
conteúdo
onírico
manifesto, ora com o elemento que permanecera fixado na
cena traumática.
Há uma antiga cena a qual considero a fonte e a razão
de pintar. Essa cena foi descrita em detalhes numa primeira
versão do passe realizado durante o V Congresso da AMP
ocorrido em Paris, em abril de 2010. A hystória acontece em
1967, quando houve a separação litigiosa dos pais. Os avós
paternos detiveram a guarda dos filhos. Por conseguinte, o
sujeito e os irmãos vão fazer a primeira visita à mãe. Sob
o incentivo materno, o sujeito telefona ao pai, demandandolhe que os deixe dormirem em companhia dela. Diante da
negativa paterna, ele se rebela e afirma que não retornará
com
seu
pai,
liderando
um
motim
junto
aos
irmãos
mais
novos. Dezenove horas em ponto, como o juiz determinara, o
pai chega para buscar os filhos. O pai adentra a casa da
avó materna sem pedir licença. As crianças correm e se
trancam
no
banheiro.
O
pai
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tenta
uma
dissimulada
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negociação. Fala que, se abrirem a porta, nada de mal irá
acontecer. Um dos irmãos adverte: “Não confie”.
O sujeito quer acabar com aquela angústia e, num ato
de confiança, solta o trinco. O pai, mais que depressa,
empurra a porta fazendo com que as crianças a empurrem de
volta. A força para abrir e para fechar a porta é intensa
dos dois lados. Surge uma fresta na porta, por onde o pai
faz penetrar com dificuldade o antebraço. Os irmãos mais
novos se esquivam das tentativas frustradas do pai alcançar
alguém, abaixando a cabeça. Contudo, o sujeito resiste e
não se esquiva das investidas do pai. O pai agarra o filho
e o puxa a força pelos cabelos, para fora do banheiro. O
sujeito é arrastado e, depois, levantado pelos cabelos.
Assim é exibido como um troféu para o público, ao longo da
casa. Dependurado pelos cabelos o sujeito se debate diante
do olhar perplexo dos espectadores. A duração dessa cena
não
vai
além
corredor
lhe
de
quinze
parece
segundos.
interminável.
Contudo,
o
pequeno
Assim,
o
sujeito
permanece congelado nesse espetáculo, no qual é fotografado
pelo olhar atônito da plateia paralisada.
Toda sorte de versões analíticas feitas durante anos a
fio sobre esse encontro com o real permaneceram como marcas
indeléveis no corpo, propiciando todo tipo de inibição,
sintoma e angústia. Com a psicanálise, entretanto, aprendi
a
adotar
a
cena
traumática
como
mote
de
inspiração
primeira, com a qual faço algo que valha a pena se ver. A
partir, então, de minha experiência analítica e de minha
vivência
com
as
tintas,
elevo
o
meu
caso
singular
à
condição de paradigma ao assinalar que todo artista pinta
seu corpo próprio. Na pintura só existe um autorretrato,
como uma duplicação da imagem de si que olha o autor, seja
qual for o estilo que o pintor da obra abraçar. Com efeito,
a obra se resume no autorretrato articulado à fantasia do
pintor, ou seja, como ele vê seu corpo e percebe que é
visto pelo Outro. A tensão do ato de pintar trás como pano
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de fundo a dialética que é dialógica em relação ao Outro,
já que ela tem como finalidade deixar o Outro perturbado e
encantado. Com a pintura o sujeito estabelece um nexo com a
possibilidade de subtrair seu corpo, uma vez que o que ele
exibe é o quadro pintado. Mas, nem tanto, pois num jogo de
tromp-oeil,
algo
de
um
traço
corporal
que
nos
olha
encontra-se tácito no visível cenário da obra acabada, que
se coloca a serviço da substituição do corpo inteiro da
criança exibida na cena traumática.
Atualmente, na pintura, existe uma alegria, não apenas
por tirar o corpo fora da cena traumática, mas por efetuar
uma
economia
de
gozo
que
pode
ser
considerada
como
a
alegria da criação. A criação se realiza a partir do ritmo
cadenciado de pinceladas - ora intensas, ora suaves -, da
combinação
das
disposições
cores,
cênicas.
da
Com
sequência
efeito,
das
trata-se
ações
e
de
joyeux
um
das
savoir a serviço de um savoir y faire que não se constitui
apenas de equilíbrio, harmonia ou júbilo, mas de suor,
inquietação e fúria, pois o savoir y faire se apura na
utilização desses afetos em relação ao objeto.
O savoir y faire do artista se aproxima ao do analista
na medida em que não há qualquer saber que se dirija ao
fazer. Não se trata de uma técnica a qual se domina, pois,
em última instância, o artista se lança numa aventura com o
fazer em nome do saber. Portanto, o artista e nem tampouco
o analista sabem de antemão, já que o saber está no devir
de
um
relação
fazer
ao
calçado
artista
no
ou
real.
ao
No
final
analista,
das
contas,
contamos
com
em
uma
exclamação: “ele sabe fazer!”. Na pintura, sob o ângulo do
olhar, encontra-se não aquilo que se sabe, mas o que se
ignora.
diante
Nunca
do
se
vazio
sabe
exatamente
que
reverbera
o
que
na
fazer
pintura
à
ou
priori
de
um
analisante que chega ao consultório para sua primeira ou
última sessão de um processo analítico.
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No fundo o real se impõe todo o tempo, seja para o
artista ou para o analista, diante do que fazer. Portanto,
o fazer é o que constitui o saber, distinto de outras
profissões nas quais a regra e a técnica encontram-se à
priori
regulamentadas
e
fundamentadas
em
protocolos
que
propõem o que fazer de antemão, e que não raro fracassam.
Tanto na arte como na psicanálise há algo semelhante à
douta ignorância que atua como princípio criador, seja do
pintor acerca de sua obra antes de iniciar a pintura, seja
do analista diante de cada caso em questão. Enfim, nas
artes dizemos que o fulcro da questão é a intimidade com o
vazio fecundo, pois não há certezas, apenas crença num
savoir y faire; na psicanálise, o cerne que faz operar o
savoir
y
faire
é
a
crença
no
sinthoma
transformada
em
desejo do analista, que em última instância coloca em jogo
um saber fazer com o Isso.
1
Lacan, J. (1974-1975). “RSI”. Seminário inédito, aula de 08 de abril
de 1975.
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